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Cultura y Espectaculos

Retomado de El que sabe, sabe de Enterrados por la basura

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 16 Octubre 2017 Visto: 2876

12 curiosidades interior2Eduardo Lago. Algarabía

La siguiente historia es un ejemplo de cómo las obsesiones y el aislamiento no siempre son buenas compañías.Modesta García Roa.

El interior de la mansión apenas una muestra de lo mucho que acumularon los Collyer. A veces pareciera que los hilos que mantienen suspendida nuestra cordura son delgados y frágiles, y que un hecho fortuito o insospechado sería suficiente para sumirnos en la más profunda e irremediable de las locuras.
«Madness is like gravity: all you need is a little push.»
El Guasón (Heath Ledger) en The Dark Knight (2008)
El mal llamado Parque de los Hermanos Collyer es un minúsculo solar de tierra en el que el Ayuntamiento de Nueva York plantó en su día una docena de sicomoros que crecen a la sombra de una altísima torre de viviendas de protección oficial, en pleno corazón de Harlem. En este mismo lugar se alzaba, hasta que fue destruida por orden judicial en 1947, la elegante mansión donde ocurrieron los sucesos protagonizados por Homer y Langley Collyer.
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Algún funcionario municipal con alma de poeta quiso inmortalizar así el recuerdo de los protagonistas de uno de los más extraños episodios de la historia local neoyorquina, repleta de por sí de episodios sumamente extraños. Seis décadas después de ocurridos los hechos, la historia de los hermanos Collyer sigue atrapando la imaginación de los neoyorquinos.
Desde que se descubrieron los cadáveres de Homer y Langley en el interior de la casa hasta hoy han visto la luz un número considerable de libros, películas, obras de teatro y exposiciones que rememoran la historia de los fantasmales inquilinos del número 2078 de la Quinta Avenida. [...] excéntricos por naturaleza.

Todo empezó hace exactamente un siglo, en 1909. Entonces Harlem era un barrio exclusivo y elegante, ocupado por familias acomodadas de raza blanca, nada que ver con la situación de hoy. Aquel año, Herman Collyer, ginecólogo de profesión, y su esposa, Susie, cantante de ópera, se instalaron en un brownstone —construcción de arenisca granate de cuatro plantas muy característica de los barrios residenciales de Nueva York— ubicado en la esquina de la Quinta Avenida con la calle 128.
Los Collyer tenían justificada fama de excéntricos. El padre de familia, sin ir más lejos, tenía por costumbre acudir a su consulta en canoa. Los tabloides de la época se hacen eco del sentimiento de aprensión que despertaba entre sus vecinos la visión de su silueta mientras recorría las calles con una piragua invertida en alto, como un extraño bípedo sin cabeza. El matrimonio Collyer aguantó en la casa de Harlem una década.
Rondaban a la sazón los 20 años de edad. De momento, la servidumbre se quedó con ellos.

Cuando el flujo de población afroamericana empezó a cambiar el perfil del barrio, los blancos iniciaron el éxodo a otros lugares de la ciudad. Homer y Langley decidieron no seguir los pasos de sus padres.
Durante algún tiempo llevaron una vida relativamente normal: estudios en Columbia University —Homer se graduó en derecho de almirantazgo, y Langley, que además tocaba el piano y era inventor, en ingeniería—; los primeros empleos esporádicos; incluso llegaron a dar alguna fiesta de sociedad. Al morir sus padres, heredaron una fortuna que les permitió afrontar sin traumas la era de la Depresión.
También: Esto es lo que no sabemos de la locura
En 1932, Homer, el hermano mayor, perdió la vista y jamás volvió a poner un pie en el vecindario. Su hermano ideó para él una receta consistente en consumir cien naranjas a la semana, y aunque salía esporádicamente a la calle, procuraba estar la mayor parte del tiempo encerrado en casa con él.
Fue entonces cuando comenzó la compulsiva acumulación de periódicos y revistas. Las publicaciones que los vecinos tiraban iban a parar a la mansión, Langley Collyer las ataba con cuerdas, formando con ellas murallas que llegaban hasta el techo. Su idea, le confesó a un reportero que se las ingenió para entrevistarlo, era crear un gigantesco periódico viviente en el que se resumiera la historia de nuestro tiempo para que la leyera su hermano cuando recobrara la vista. Las incursiones nocturnas que efectuaba Langley en la basura no se limitaban a las publicaciones periódicas. Su compulsivo afán le llevó a recoger toda suerte de objetos imaginables.
Aislados del mundo
La reclusión de los hermanos Collyer adquirió tintes de leyenda. Se decía que la mansión encerraba lujos y tesoros propios de Las mil y una noches y que en su interior se alzaban montañas de dinero que los hermanos se negaban a depositar en el banco.
Los diarios neoyorquinos se interesaron por los enigmáticos reclusos de Harlem, publicando crónicas que magnificaban la leyenda. Los Collyer reaccionaron reforzando su aislamiento. Desconectaron el timbre de la puerta. Cortaron el teléfono.
La mezcla de repulsa y fascinación que inspiraban se traducía a veces en actos de violencia.

Sellaron las ventanas con gruesas tablas de madera y dispusieron un sistema de trampas cable hábilmente ocultas en lugares estratégicos de la red de túneles de papel que iba creciendo en el corazón de las tinieblas en el que, literalmente, se convirtió la casa. Por falta de pago, los Collyer se vieron privados del suministro de agua, gas y electricidad.
El ingeniero Langley recurrió a subterfugios, como instalar el venerable Ford t de su padre en el comedor a fin de que hiciera las veces de generador eléctrico. Por las noches se aventuraba en un parque vecino para proveerse de agua.
12-curiosidades-interior2
Basura, basura y ¡ya!
Desde entonces hasta que les llegó la hora de la muerte, la historia de los Collyer se resume en una palabra: basura. Día tras día, año tras año, se dedicaron a acumular la más disparatada variedad de objetos abandonados en los vertederos de la vecindad.
Cualquiera que haya pasado algún tiempo en Nueva York, sabe que la basura tiene aquí un significado muy especial. Es la metáfora de algo que no resulta fácil definir, tal vez el alma sucia de Manhattan. [...] Sea como fuere, la basura fue lo que precipitó el final de los hermanos Collyer.
El 21 de marzo de 1947, a las 8:53, se recibió en la comisaría local una llamada denunciando algo raro en el brownstone de los coleccionistas de basura....
¿Quieres saber en que termina esta historia? Lee el artículo completo en Algarabía 66.

Eduardo Lago es escritor, traductor y director del Instituto Cervantes de Nueva York. Este artículo apareció publicado por primera vez en El País Semanal, núm. 1730.

 

¿«Sepo» o «sabo»?

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 16 Octubre 2017 Visto: 2876

6cbad022e2005d09357a901ab698bf06Algarabía. Janine Bacquerie

Esta duda es de las más comunes del idioma español, pues nuestra intuición nos avisa cuando alguna palabra o conjugación nos hace ruido, aunque también nuestro instinto nos puede engañar
Cuando hablamos de sabores solemos decir: «Me quedó sabor a...» o «tengo sabor de...». Porque si decimos «sepo», ¿qué van a pensar de nosotros?, y si decimos «sabo» del mismo modo vamos a «hacer el oso», aunque lo más probable es que nuestro interlocutor tampoco lo sepa.
Esta duda milenaria es de las más comunes del idioma español. Una de las razones es que, aunque no seamos diestros en cuestiones de ortografía, nuestra intuición nos avisa cuando alguna palabra o conjugación nos hace ruido. Pero bueno, también nuestro instinto nos puede engañar —así como nos ocurre con los dobles participios, como impreso e imprimido, freído y frito, donde ambas son correctas, aunque alguna de repente nos suene un poco extraña.
El verbo saber de —tener sabor a algo— se conjuga de la misma forma que el verbo saber de —tener conocimiento de algo—. La razón es que los términos saber y sabor comparten la misma etimología: proceden del verbo latino sapere, ‘saber’, y éste del indoeuropeo sap, ‘tener sabor’.
De tal manera que, para decir que «nos quedó sabor a algo», la forma correcta de decirlo es sé. Por ejemplo:
Me lavé los dientes y ahora sé a menta.
Comí tantas galletas que sé a chocolate.
Probablemente aún te haga ruido la manera en que se escucha la primera persona del presente indicativo, pero atrévete a usarla, porque es la buena.
Otros tipos de «se»
La palabra «se» puede llevar tilde o no, todo depende de lo que se quiera decir.
Cuando se trata del imperativo del verbo ser, sí lleva tilde:
No te portes mal, sé obediente con tus tías.
Sé paciente, ya llegará tu sorpresa de cumpleaños.

Cuando se trata del presente del verbo saber también se acentúa:
Ya sé como le diré a Mariana que dejemos de salir: «Sé que te dije que me gustabas, pero ya no».
Como pronombre personal no se acentúa y puede sustituirse con le / les cuando hay otro pronombre en tercera persona.
Se le dio un chocolate a cada estudiante. è Le di un chocolate a cada estudiante.
Si se utiliza en una oración de voz pasiva, tampoco se acentúa.
Se compraaan colchones, tambores, refrigeradores, lavadoras, microondas o algo de fierro viejo que vendaaan...
Si lo leíste cantando, cuéntanos qué otros tipos de «se» conoces.

 

Prepárate para el desfile de día de muertos y catrinas en la CDMX

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 16 Octubre 2017 Visto: 3101

agenda thump da muertos body image 1477431770México Desconocido
El desfile de Día de Muertos de la CDMX será el próximo 28 de octubre y se tiene pensado que en el participen marionetas gigantes, carros alegóricos, así como centenares de catrinas.
Por segunda ocasión se realizará en la Ciudad de México un Desfile de Día de Muertos en el que nuevamente se podrán ver calaveras monumentales, carros alegóricos y catrinas que recorrerán todo paseo de la Reforma desde la Estela de Luz hasta el Zócalo Capitalino.

La inspiración de este desfile que surgió en la pantalla grande cuando se rodaron escenas en el Centro Histórico de la capital para la película Spectre, de la saga de James Bond se mantendrá este año, sin embargo para 2017 la idea es que las marionetas gigantes retomen la iconografía de José Guadalupe Posadas.

Este desfile que este año llevará por nombre "Carnaval de Calaveras", se llevará a cabo el sábado 28 de octubre a partir de las 3 de la tarde y en esta ocasión partirá de la Estela de Luz, pasará por todo Paseo de la Reforma, recorrerá Av Juárez y concluirá en la plancha del Zócalo.

Conoce todos los eventos que habrá en la CDMX para celebrar el Día de Muertos

Así, se mantiene una nueva forma de celebrar la ya colorida tradición de Día de Muertos en la Ciudad de México la cual con esta segunda edición se espera se convierta en una de las más importantes de Latinoamérica.

En el desfile participarán más de 800 voluntarios, carros alegóricos, danzantes, alebrijes y marionetas gigantes.

Además, entre las actividades con motivo del Día de Muertos se contempla un paseo nocturno en bicicleta .

¿Dónde será el desfile de Día de Muertos de la CDMX?
Sábado 28 de octubre 3 pm.
Estela de luz al Zócalo capitalino
Entrada libre.

 

La calavera de Marco Zamudio, cruda evocación del rostro del país

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 16 Octubre 2017 Visto: 2861

mexicraneosmmEl proyecto consiste en que 50 creadores plasmen en piezas de fibra de vidrio su idea sobre el Día de Muertos
La colocación comienza el miércoles y se inaugura el 23 de octubre
Mónica Mateos-Vega

Periódico La Jornada
La conmemoración del Día de Muertos en la Ciudad de México este año no tiene motivos para ser festiva, al contrario, debe centrarse en reflexionar acerca de los graves problemas sociales que vivimos, para así honrar a nuestros ausentes.

Bajo esa premisa, el pintor Marco Zamudio (CDMX, 1973) intervino uno de los 50 cráneos gigantes que serán colocados en Paseo de la Reforma como parte del proyecto Mexicráneos, que patrocina la agencia funeraria J. García López y la promotora Locos por el Arte.

Medio centenar de artistas fueron invitados a plasmar en calaveras de fibra de vidrio su idea acerca de una de las tradiciones más arraigadas e importantes del país. Si bien Zamudio considera que las catrinas son muy bonitas, por la situación por la que atraviesa el país me pareció más relevante aprovechar este foro para gritar la inconformidad que vive el pueblo, señala en entrevista con La Jornada.

En su taller, ubicado en el amplio espacio de una imprenta en Tacubaya, el pintor también trabajó en otros 12 cráneos de pequeño formato, que acompañarán al grande y que posteriormente serán subastados.

No estamos para hacer decoración

Cada una de sus piezas, continúa, es un crudo recordatorio de los rostros de la muerte en el país: feminicidios, ejecuciones, secuestros, el terror del narco, por eso, el pintor reitera: “Me fui por el lado más realista, pues no estamos para hacer decoración.

“A raíz de la situación que vivimos por los sismos de septiembre, la sociedad rescató un valor primordial de los mexicanos: la unión ante situaciones difíciles. Hice un cráneo dedicado también a la reconstrucción, pues desgraciadamente, ante esa solidaridad también volvió a salir lo oscuro, eso que tiñe a diario nuestro país de sangre: la rapiña, los políticos que se aprovechan de las causas nobles, de otros países, incluso, así como la opacidad en torno a los donativos.

Entonces, dado que este es el difícil panorama que a diario vivimos, quise manifestar en estos lienzos tridimensionales, a manera de 12 gritos, todo lo que no me parece. Ojalá que se pudiera quedar lo malo en unas vitrinas de exhibición, para que no trascendiera, pero la realidad es terrible.

Marco Zamudio estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (hoy Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México). Se ha caracterizado por su afán en rescatar la pintura realista.

Foto
No puedo hacer una catrina bonita, no está el ambiente para eso, dijo el entrevistado a La Jornada. La iniciativa es patrocinada por la agencia funeraria J. García López y la promotora Locos por el ArteFoto Mónica Mateos-Vega
Como muralista, en octubre de 2010 realizó la obra The Passenger en la estación Insurgentes del Metro de la Ciudad de México, y en septiembre de 2012 el mural el andén de ouroboros, en la estación Tlatelolco.

En el proyecto Mexicráneos participará también como invitado especial el artista británico Damien Hirst. Las calaveras estarán distribuidas sobre Paseo de la Reforma, del Ángel de la Independencia hasta la Estela de Luz, con apoyo del Gobierno de la Ciudad de México y del Fondo Mixto de Promoción Turística.

Otros de los artistas mexicanos participantes son: Gonzalo Correa, Magda Torres, Alejandro Filio, Cocolvú, Carla Arouesty, Diego Rodríguez, Marijo Alonso y Víctor Hugo Reyes.

El duelo a flor de piel

Respecto de la obra de Zamudio, el pintor añade que se tratará de una suerte de tzompantli “brutalmente crudo, un recordatorio más allá del rito, sobre todo para que cada pieza sea un punto de reflexión. El cráneo mayor que realicé se titula Sincretismo, tiene una corona de espinas que simboliza la fe de los mexicanos, y en la parte inferior se ve a Quetzacóatl. En la superior, la muerte de otra cultura, aplastando nuestra raíz.

No puedo hacer una catrina bonita, que hable de las calaveras poéticas, porque no está el ambiente para eso. Es nuestro primer Día de Muertos después del sismo, con el duelo a flor de piel.

Para la promotora Locos por el Arte, Mexicráneos “es un proyecto que nace para continuar con la tesis de los empresarios Paul Zarkin y Mario Soto, quienes por más de una década han intervenido la vía pública con diversas exposiciones, la cuales nacen del imaginario y se exhiben como parafernalia de la ciudad.

“Comenzaron con una invasión de vacas en 2005, cuando trajeron el Cow Parade a la Ciudad de México, y después con otros proyectos como Guitar Town, Animal Celebration y Balón CDMX, cuya finalidad es romper con lo cotidiano. El arte es la mejor estrategia para una educación inclusiva, que repercute positivamente en la sociedad a muchos niveles”, explican los organizadores.

La instalación de las piezas comenzará el próximo miércoles, para ser inaugurada el 23 de octubre.

 

Convoca INAH a especialistas a participar en recuperación del patrimonio

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 16 Octubre 2017 Visto: 2721

5669p7 579x399Por Víctor Hugo Varela Loyola. La Jornada de Oriente

La iglesia de San José, en la capital del estado, fue una de los cinco templos religiosos con mayor afectación por el sismo del pasado 19 de septiembre. Foto:Alejandro Ancona/La Jornada de Oriente
La delegación del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) convocó a especialistas en la materia a sumarse a las tareas de recuperación y conservación del patrimonio cultural de la entidad afectado por los sismos del pasado mes de septiembre.

A través de un boletín de prensa, el Centro INAH Tlaxcala pide a profesionistas de la arquitectura, la ingeniería civil, la restauración, las estructuras y el urbanismo, así como a las empresas y despachos dedicados a la preservación, conservación y restauración especializadas en monumentos, con experiencia en inmuebles y edificaciones históricas a participar en estos trabajos de recuperación de templos y conventos y arquitectura civil relevante.

La convocatoria fue lanzada el pasado 3 de octubre por la Secretaría de Cultura, a través del INAH a nivel nacional, y la delegación del instituto la replicó en la entidad para solicitar el respaldo de los especialistas para realizar la intervención a las iglesias y edificios históricos que resultaron dañados por los sismos del 7 y 19 de septiembre pasados.

“La tarea de restauración y recuperación de nuestro valioso patrimonio es fundamental para el país y reclama el compromiso ético y social de todos los sectores de la comunidad, especialmente los que cuentan con las capacidades y recursos para hacer frente a la tarea”, se señala en la convocatoria.

En la misma, se expone que los trabajos que se requieren hacer de forma “emergente” son: apuntalamiento de inmuebles en riesgo, resguardo y conservación de bienes muebles e inmuebles por destino, protección de cubiertas para evitar la filtración e ingreso del agua pluvial a los inmuebles.

Así también para: colocación de andamios para atender acciones emergentes en cúpulas, torres y cubiertas, y elaboración y ejecución de proyectos de restauración bajo la dirección y supervisión del INAH.

El INAH pide compromiso social de la comunidad
En la convocatoria no se establece si los especialistas o las empresas o despachos interesados recibirán una remuneración por los trabajos que realicen. Solo se pide que acudan a las oficinas del Centro INAH-Tlaxcala, ubicadas en la capital tlaxcalteca, para obtener mayor información.

De acuerdo con información difundida por la delegación del INAH, en Tlaxcala resultaron afectados por los sismos del pasado mes de septiembre 116 templos religiosos, de los cuales cinco registraron daños mayores, que son la iglesia de San José y la Basílica de Ocotlán, en la capital del estado; así como las iglesias de San Francisco en Tepeyanco, la de San Felipe en Ixtacuixtla y la de Nuestra Señora de Natividad, en Natívitas.

El pintor es uno de los artistas que participan en Mexicráneos, instalación en Reforma

 

Playmohistoria en Tlaxcala

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 11 Octubre 2017 Visto: 3111

Edith López Sánchez. CORACYT

La Asociación Mexicana de Coleccionistas de Playmobil (Amexplay), la Sociedad de Geografía, Historia, Estadística y Literatura de Tlaxcala (SGHEL), con el respaldo de la Universidad Santander y el Gobierno del Estado muestran exposición “Playmohistoria Tlaxcala” en el Museo de la Memoria.
La asociación consta más de 15 integrantes que somos los coleccionistas que montamos nuestras colecciones en diferentes dioramas, en esta ocasión fue una exposición histórica pero podemos hacer más fantásticos o más cotidianos.
9 dioramas en las que se representan escenas de Egipto, Roma, Edad Media, Conquista de México, Boda Victoriana, una escena de la película Macario, alusiva al Día de Muertos; además, se muestra una reproducción del Exconvento de San Francisco de Tlaxcala y los tradicionales tapetes de Huamantla.
Estoy participando con el diorama de bodas en la época victoriana, esto trata del siglo XIX por la reina Victoria, cuando empieza a reinar en la Gran Bretaña, ella se casa y se pone de moda casarse con vestidos muy elegantes.
Piezas de colección y algunas adecuaciones para integrar los dioramas, 14 exposiciones antecedieron a la de Tlaxcala con la primicia de ser la primera provincia en exhibir estas colecciones.
Surge como una idea personal de ver temas de una manera más práctica, didáctica y divertida en la que los chicos pueden ver en unos juguetes temas históricos culturales 00:28 LIGAR 3:02 Hay un gran trabajo en la que ellos están poniendo parte de lo que es playmobil y de lo que ellos van creando para poder mostrar estas piezas 3:14
Hasta el 25 de noviembre en horario de 10 a 17 horas puede visitar la exposición en el museo de la memoria de Tlaxcala.

PLAYMO HISTORIA

 

Continua el 21 touR de cine

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 11 Octubre 2017 Visto: 2745

CINE FRANCÉS 11Edith López Sánchez. CORACYT

Con excelente respuesta por parte del público se lleva a cabo la 21 edición del tour de cine francés en la Sala de Cine Miguel N. Lira, la cual inició el 6 de octubre con la proyección de la cinta Paso a Paso.
La historia de jóvenes parapléjicos y tetrapléjicos en una lucha constante por recuperar su vida y dejar de depender de las personas que les cuidan, visten, bañan, una cinta que muestra los altibajos emocionales en el proceso de rehabilitación sin llegar a ser lacrimógena, con buen ritmo, música y excelentes tomas que sirven para marcar la transición de tiempo en la recuperación de Ben, personaje principal.
Mi nombre es Andrea Moreno Rodríguez y me parece interesante el hecho de que traigan una nueva cultura al estado de Tlaxcala ya que puede enriquecer nuestra mentes y así nosotros poder conocer acerca de otros pensamientos.
Una fiesta cinematográfica que permite a los asistentes conocer la vida cotidiana, el lenguaje y la cultura del universo galo y la ciudad de los enamorados o de los ex. Una divertida comedia alrededor de las relaciones de parejas o ex parejas donde el público que nuevamente llenó el auditorio el sábado 7 río una y otra vez.
El cine francés es catalogado como uno de los mejores y las muestras anteriores la verdad han estado muy buenas y ya como que se ha ido extendiendo y todos esperamos cada año estas fechas para disfrutar este cine que es magnífico.
Realmente las películas francesas son muy diferentes a las mexicanas o estadounidenses, las americanas y traen un gran contenido son muy buenas y lo recomiendo mucho.
Es la primera vez que voy a ver una película francesa entonces estoy muy interesado por este tipo de cine 00:50
El tour de cine francés, en la sala Miguel N. Lira, le espera hasta el 12 de octubre consulte la cartelera, sin duda disfrutará del mejor cine contemporáneo del país galo al lado de una selección de cortometrajes mexicanos producidos en este 2017 por IMCINE.

 

¿Belleza o fealdad?

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 11 Octubre 2017 Visto: 3109

s4 arte gargolaJosé Ignacio Nuño Morales. Algarabía

Probablemente la definición más común de belleza sea la que indica que «es lo que proporciona gozo a los sentidos». Sin embargo, esta declaración, en apariencia tan nítida y neutral, puede de inmediato someterse a toda clase de cuestionamientos.

¿Qué es lo bello? Platón asociaba la belleza con la bondad, la luz y el resplandor de la verdad; Aristóteles, con la grandeza, el orden, la simetría y la delimitación; San Agustín, con la unidad en la muchedumbre y la variedad; los neoplatónicos, con la inteligencia y el bien. En los tratados clásicos de estética, por su parte, se habla de tres elementos esenciales de toda obra bella: integridad, orden y resplandor.
Además, en numerosos ensayos se pondera que la belleza depende de la síntesis de la forma y el contenido —o la función, en términos de diseño arquitectónico o industrial—. Finalmente, todos conocemos la tesis del «arte por el arte», en la que se desdeña la importancia del contenido o de los aspectos utilitarios respecto del resultado formal.
Pero, al margen de las consideraciones metafísicas y de la evidente diversidad en las finalidades y medios de expresión de las distintas manifestaciones del arte, conjeturar sobre la belleza nos conduce a conclusiones relativistas o descripciones metaforizadas, en las que el ingrediente subjetivo o la dificultad de definirla no pueden soslayarse.
Así, Goethe decía que «nuestro entendimiento de una obra de arte, lo mismo que el de una obra de la naturaleza, es siempre inconmensurable. La contemplamos, la sentimos; es eficaz, pero elude el conocimiento exacto y su esencia; su calidad no puede expresarse en palabras».
Por su parte, Marcel Proust señaló que «desde el momento en que las obras de arte son juzgadas mediante el razonamiento, nada es estable o seguro y se puede demostrar cualquier cosa que se quiera». En un notable ensayo1 «Un argumento sobre la belleza», Letras Libres 50, México, febrero 2003., Susan Sontag afirma que, para Paul Valéry, la naturaleza de la belleza no puede ser definida; la belleza es, precisamente, lo «inefable». Esa incapacidad de objetivar el fenómeno ha dado lugar a un lenguaje equívoco que habla de objetos «interesantes», «atractivos», «sugerentes» u «originales», y que utiliza muchos términos para describir las características de una determinada obra de arte —armonía, unidad, equilibrio, coherencia, riqueza expresiva, emoción, vigor, impacto, plasticidad, movimiento, ritmo, colorido, complejidad, sencillez, pureza, delicadeza, profundidad, alegría, espiritualidad, signficación, etcétera—, que, aunque pueden ser útiles y certeros, también son eufemismos tramposos que contribuyen a la confusión o a reforzar la postura de quienes piensan que hablar de belleza es un anacronismo, una simplificación propia de personas poco cultivadas.
La belleza y la moda
La moda indudablemente influye en los procesos de producción y apreciación de lo que conocemos como «arte», pero es incuestionable que esa influencia tiene un sustento y un propósito mercantil tan banal como poderoso para una sociedad consumista. A propósito de la tiranía de la moda, acudo a una reflexión del escritor español Antonio Muñoz Molina: «Creemos sinceramente estar disfrutando de algo y de lo único que estamos disfrutando de verdad es de la abyecta complacencia en lo que otros han decidido que debe gustarnos [...] Tal vez no haya más aprendizaje verdadero que el de la libertad del propiogusto, [...] esa modesta rebelión contra la voz secreta de lo obligatorio que nos convierte en ventrílocuos inconscientes de los designios de otros»2 Antonio Muñoz Molina, «Todo el arte es lo mismo», en Travesías, México: DGE / Equilibrista / UNAM, 2007.. Esta reflexión nos conduce, de nuevo, al reconocimiento de que la subjetividad está presente en todo juicio sobre el arte y la belleza.
Me gusta también, a manera de conclusión, esta frase de Susan Sontag: «La atribución de belleza nunca dejó de entremezclarse con valores morales. Lejos de ser polos opuestos lo estético y lo ético —como insistieron Kierkegaard y Tolstoi—, lo estético es en sí mismo un proyecto casi moral».
La fealdad
Ahora bien, hay que preguntarse si la dificultad de ponerse de acuerdo en materia de belleza está presente también en lo relativo a la fealdad. En principio, la respuesta es sí; aunque, a mi juicio, existe una definición más o menos clara: es feo todo aquello que está notoria y arbitrariamente impuesto o descontextualizado en términos históricos, sociales, ambientales, formales, técnicos o económicos; es decir, todo lo que aspira a ser lo que no puede ser, pero que nunca puede confundirse con lo bello.
Existe una brillante definición de lo cursi, que nos dice que es «lo exquisito frustrado» —no sé a quién se le debe, pero me parece inmejorable—, y que perfectamente puede aplicarse a lo ridículo o grotesco, que son, según creo, las categorías más elevadas de la fealdad, y que en la arquitectura de nuestro país —para circunscribirnos al llamado «arte social por excelencia»— son las más visibles y de las que es imposible sustraerse en la experiencia cotidiana. Esta fealdad abarca desde los pastiches historicistas —remedos de colonial mexicano, mansardas, balaustradas, frontones neoclásicos, columnas jónicas, pirámides prehispánicas, etcétera—, hasta las pretensiones de una expresión de modernidad que intenta reproducir la estética de las naves espaciales o las tipologías arquitectónicas más vanguardistas del star system, y que a las pocas semanas acusan los defectos de una deficiente tecnología.
Existen muchos ejemplos de realizaciones que pretendieron rebasar sus posibilidades reales, de obras que «quisieron, pero no pudieron»: monumentos burdos y desproporcionados en honor a la Madre, el Niño o toda clase de gestas y prohombres de la historia; gratuitos, chabacanos y escenográficos formalismos de arquitectos ávidos por llamar la atención para que se les reconozca; galerones forrados de toda clase de ornamentos para «meter la pala»3 Engañar con disimulo, timar, «dar el gatazo».; en fin, arquitectura chatarra de todo género y estilo que no reconoce su escala, su entorno, los materiales y procedimientos constructivos a su alcance ni las condiciones climáticas del sitio.
Con frecuencia se afirma que tal o cual ciudad de nuestro país es bellísima, pero lo cierto es que nuestras urbes han crecido y siguen creciendo mal, sin orden ni concierto, más allá de los límites que imponen los especuladores inmobiliarios y los políticos, que no obedecen a un criterio de enriquecimiento ambiental, sino mercantil, y a una sensibilidad arquitectónica deplorable.
La falta de calidad formal no es algo que deba asociarse con la pobreza únicamente, pues algunas de las peores aberraciones pueden encontrarse en las colonias más «pomadosas» de cualquier población. En la ciudad de México hay desarrollos que debieron ejemplificar lo que puede lograrse con una planeación urbana adecuada, pero que resultaron fallidos. Hay algunos edificios arquitectónicamente valiosos, que son parte de un conjunto desarticulado e inhóspito, en especial para el peatón.
Conclusión
Es una aspiración legítima, casi una necesidad, vivir en un entorno armónico y agradable. Para lograrlo, es imperativo que desarrollemos una mayor cultura arquitectónica que nos permita apreciar mejor nuestro patrimonio, tanto como impedir que la arquitectura chatarra se multiplique.❧

 

Entre barberías y sacamuelas

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 11 Octubre 2017 Visto: 3544

s6 curiosidades barberossacamuelas heroRicardo Torres Mejía. Algarabía

El cuidado de los dientes es una preocupación constante en la humanidad, y sus orígenes se remontan a la prehistoria.

Desde muy temprana edad, la humanidad se dio cuenta de que tener una boca sana es cuestión de vida o muerte, porque sin una buena dentadura podemos padecer infecciones y pérdidas que nos harían difícil comer y hasta nos podrían causar la muerte, y, ¿cómo tratar los alimentos sin haberlos cortado y molido?
«¡Sin ventura yo! [...] Qué más quisiera que me hubieran derribado un brazo como no fuera el de la espada; porque te hago saber, Sancho, que la boca sin muelas es como el molino sin piedra, y en mucho más se ha de estimar un diente que un diamante.» —Don Quijote

La antigua odontología
Desde la prehistoria se trataron de curar los males que aquejaban a la boca, así que, ya entonces se realizaban extracciones de piezas enfermas y se habían desarrollado tratamientos para curar los abscesos en las encías y cualquier otro malestar bucal. En Europa, por ejemplo, se han encontrado restos de cráneos de neandertales a los que les habían sido extraídos algunos dientes.
En Egipto hubo dos clases de odontólogos: los iryw-ibew, «el que se ocupa de los dientes», y los ir-iryw-ibew, «grande entre los que se ocupan de los dientes», que atendían a los faraones. Entre ellos se encontraba Hesy-Re, el primer dentista de la historia. Ambas clases tenían sofisticadas técnicas que les permitían hacer drenajes, puentes con alambres y hasta prótesis dentales. También había «sacamuelas ambulantes», que, sin ninguna formación previa, extraían las piezas de los dolientes en plazas y mercados.
Los egipcios creían que las caries y sus dolores eran producto de un gusano que se escondía entre los dientes, idea que perduró hasta el siglo xvii.

El pueblo etrusco, por su parte, se hizo famoso por la blancura de su sonrisa, y es que, aparte de cuidar los dientes, crearon la primera prótesis dental fija con una banda de oro que llevaba remachado un diente de animal, para reemplazar la pieza perdida.
Los griegos fabricaron dentaduras postizas con dientes 
de marfil tallado o de madera, y Aristóteles describió cómo usar los ungüentos y los alambres calientes para curar las infecciones dentales y de las encías, la técnica correcta para extraer los dientes y cómo utilizar los alambres de oro 
para estabilizar las fracturas maxilares y ligar los dientes.
También explicó que, cuando una infección no cedía con ningún tratamiento, era preferible extraer la pieza antes de que el mal se extendiera por toda la boca. Fue el primero que separó la odontología de la magia y le confirió su carácter científico.
En Roma, Aulio Cornelio Celso, enciclopedista —y quizá médico—, aseguró que, antes de extirpar un diente, era importante rellenarlo con gasas
 para evitar que se rompiera. Galeno recomendó limar las caries para eliminar el mal y fue el primero en ocuparse de los nervios dentales.
Entre que sí y entre que no
Durante la Edad Media lo más que
 se hacía por los dientes era extraerlos cuando el dolor era demasiado intenso, lo que no siempre aliviaba el sufrimiento, pero detenía en cierta medida la infección; así, la gente quedaba chimuela al final de su vida. Los encargados eran los barberos y esta función la desempeñaron hasta muy entrado el siglo xix —¿recuerdas las barberías del Viejo Oeste con sus postes rojo y blanco a la entrada?1 Dichos postes tienen su historia: resulta que estos cirujanos barberos también hacían sangrías y, durante ellas, el paciente apretaba el poste fuertemente, para que las venas se hincharan y la sangre saliera libremente. Después, los barberos los pintaban de café para minimizar las manchas de sangre y, cuando los colgaban junto a la entrada como anuncio, los envolvían en la gasa blanca que se usaba para vendar los brazos ya sangrados.
Sin embargo, mientras los árabes ocuparon España, Abul Qasim Khalaf ibn al-Abbas al-Zahrawi —Albucasis (936-1013), para Occidente— escribió sobre la inconveniencia de tener los dientes desalineados en el arco dentario 
y creó procedimientos para corregirlos, es decir, fue el primer ortodoncista de la historia. Además, hizo prótesis dentales con dientes de animales. Por otro lado, alrededor de 1300, en la Universidad de París apareció uno de los primeros textos de odontología: Chirurgia magna, de 
Guy de Chauliac, en el que acuñaba los términos dientero y dentista, por supuesto, en francés.
Pierre Fauchard desaprobó la teoría de la generación espontánea de los dientes al afirmar que tenían raíces que los fijaban en las encías.

Ya en 1563, en pleno Renacimiento, se publicó la primera y más importante contribución, hasta ese momento, sobre anatomía dental y odontología: De dentibus, de Bartolomeo Eustachio.
Del oficio a la ciencia
En 1728, Pierre Fauchard, el padre de la odontología moderna, publicó Le chirurgien dentiste, ou traité des dents
 —El cirujano dentista, o tratado sobre los dientes—, en el que planteó que la odontología era una profesión con una base científica distinta de la medicina general.
Su visión fue tan innovadora que aportó muchos de los conocimientos que aún ahora se tienen sobre el tratamiento y cuidado de los dientes: afirmó que el azúcar es la causante de la caries, usó refuerzos de metal —los modernos braquets— para enderezar los dientes, creó dientes postizos que parecían reales, puentes dentales y hasta dentaduras enteras hechas con piezas talladas en marfil y unidas con hilo. También detalló anatómicamente la boca y los dientes, así como procedimientos dentales y quirúrgicos, tales como la forma de obturar cavidades con plomo y trasplantar dientes.
John Hunter, en 1748, escribió The Natural History of the Human Teeth —Historia natural de la dentadura humana—, que fue la base de los textos modernos sobre la anatomía de la mandíbula y los dientes.
A partir de aquí, los datos son más volátiles. En 1792,
 M. de Chateau y M. Dubois de Chamant, droguero y dentista franceses, utilizaron un proceso para hacer dientes de porcelana, que se comenzaron a incrustar a partir de 1800. En 1815 se empezó a usar el agua fluorada para prevenir 
la caries y en el mismo siglo se inventaron las amalgamas, que no fueron mejoradas hasta 1919, cuando la armada estadounidense encontró mejores materiales para elaborarlas.
En 1935 se introdujo la resina acrílica polimerizada como base para los dientes artificiales y más tarde se emplearon 
las sierras de diamante y carburo para preparar cavidades 
y superficies, las brocas enfriadas con agua para reducir el calor y el dolor, los marcadores con isótopos radiactivos
 para estudiar los tejidos, materiales que reunieran fortaleza 
y ligereza para las dentaduras, y los rellenos, cementos y experimentos para anclar dientes de plástico en los maxilares mediante clavos estériles.
El fin del artículo, no de la historia
Ir al dentista es una experiencia que casi todos evitamos; la sola idea de estar sentados con la boca abierta escuchando el sonido de la fresa nos causa escalofrío. Pero los mexicanos podemos descansar un poco más tranquilos, pues tenemos dientes más sanos que, por ejemplo, los europeos, lo que quizá —no se ha comprobado— se deba a nuestra herencia y a nuestra alimentación a base de tortilla —el nixtamal tiene mucho calcio.
Actualmente, la práctica de la odontología incluye la limpieza, el empaste y la extracción de los dientes, el tratamiento de las encías —trastornos gingivales—, la corrección de las irregularidades de la alineación dental, la realización de intervenciones quirúrgicas en la boca o la mandíbula, y la construcción y colocación de dientes artificiales o dentaduras postizas. Dado que los dientes no pueden curarse por sí solos, cuidar de la boca ha sido un trabajo de supervivencia.❧

 

Abren exposición sobre la vista en Museo de la Luz

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 11 Octubre 2017 Visto: 2793

luzzzJosé Antonio Román | La Jornada

La exposición tiene tres fases de interacción con los asistentes. Foto Cuartoscuro
Ciudad de México. En el mundo existen 285 millones de personas que padecen algún grado de visión reducida, 90 por ciento de ellos se encuentran en países en desarrollo y con menores ingresos, dijo Ana María Cetto Kramis, directora del Museo de la Luz, de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).

Además, señaló que la enorme mayoría de estos padecimientos se pueden prevenir, curar o corregir, a través de una adecuada atención del problema de salud visual.

En la inauguración de la exposición temporal “Una mirada al arte a través de los sentidos”, de la artista Shino Watabe, la directora Cetto Kramis dijo que los padecimientos de tipo visual impactan de manera importante en la calidad de vida de quienes los tienen, pues incluso llegan a tener una vida dependiente de los demás.

La exposición se da en el marco de la celebración del vigésimo primer aniversario del Museo de la Luz y del vigésimo quinto aniversario de la licenciatura en Optometría de la Facultad de Estudios Superiores (FES) Iztacala.

En el auditorio principal del Museo, ubicado en el Centro Histórico, la también investigadora del Instituto de Física de la UNAM comentó que en muchas ocasiones los seres humanos entendemos el valor de lo que tenemos hasta que lo vemos perdido. Este es el caso de la vista, dijo.

Por ello, agregó, junto con la exposición, y en colaboración de la FES Iztacala, también fue reinaugurado el gabinete de optometría al interior del Museo, que tiene el objetivo no sólo de explicar los principales padecimientos de la vista, sino también de atender medicamente a los visitantes que así lo deseen.

La exposición, que estará abierta al público de este martes y hasta el 31 de enero de 2018, se divide en cuatro áreas. La primera consiste en presentar a Sino, la artista, a través de algunos autorretratos. La segunda es una sesión donde se sensibiliza a los visitantes en lo que significa la pérdida total o parcial de la visión.

La tercera corresponde a un acercamiento “a ciegas” a la obra, con el fin de despertar los sentidos del tacto, oído y el olfato. Y en la cuarta se propone un taller de modelado, con los ojos vendados, para generar una experiencia de creación palpable.

 

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