Cultura y Espectaculos

El melodrama en la época contemporánea: usos, versiones y distorsiones de la realidad

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 15 Enero 2018 Visto: 3509

melodroamaaa Por Gustavo Ogarrio
Semanal_pag8y9.jpg. http://coursesite.uhcl.edu/
La Jornada
No habrá final feliz

La providencia, afirmaba Antonio Candido, entraba a la personalidad de los románticos como racionalización y los orillaba a desplazar el arbitrio y la voluntad al ámbito de lo divino. Si trasladamos esta idea a la situación contemporánea del melodrama y del poder político y económico, es probable que el poder casi divino que domina las voluntades seculares, que normaliza e inserta lo providencial en ámbitos profanos, encarne en los designios realistas de la actual política dominante y en la supuesta racionalidad metafísica, inescrutable y aparentemente única del mercado capitalista en su versión neoliberal. El mercado ocupando el lugar de Dios.

Uno de los hechos fundamentales para la sobrevivencia y potencialización del melodrama, a finales del siglo xx, fue su inserción masificada en el mercado neoliberal de imágenes. La telenovela es sin duda el género mediático por excelencia que conduce este proceso en el siglo xx, basta solamente con mencionar su conquista a gran escala de la programación televisiva y comercial en casi todo el mundo durante décadas, a pesar de su actual declinación y crisis como género mediático hegemónico.

Además, las diferentes estrategias de melodramatización de la política y cultura también ayudaron a que el melodrama se erigiera en la sensibilidad de mayor difusión en las últimas décadas, lo que derivó en una fusión de modelos de sensibilidad e interpretaciones, en la imposición de un tipo de discurso político y cultural que podríamos caracterizar como realismo melodramático y que se encarga, en términos generales, de hacer coincidir cualquier realidad con la interpretación melodramática de la misma. Lo anterior no es más que un guiño de los alcances del modelo actual de sensibilidad melodramática, al tiempo que nos advierte de su fuerza y vigencia.

Pero ¿qué tipo de fuerza cultural empuja esta actualidad melodramática? En una desmesurada ironía sobre los orígenes del melodrama, que puede ser mejor entendida si se lee como una parodia sobre su Antigüedad y sobre la superstición vanguardista del cine hollywoodense, Guillermo Cabrera Infante afirma:

El final feliz fue inventado, como tantas otras cosas, por los griegos. Homero en La Ilíada creó el final terrible. A petición, en La Odisea, originó el final feliz. Después de tantos tumbos y mujeres maliciosas, Ulises regresa a casa, a reunirse con su pareja Penélope, su hijo Telémaco y su padre Alertes. Es cierto que antes, de regreso, hace una carnicería de los pretendientes de su esposa. Pero eso es peccata minuta. La matanza no importa. Lo que importa es que Ulises describe el lecho de su amada antes de volver a compartirlo. The End.

Que, ya ven, Hollywood parecía haberlo inventado.

¿Qué es esa vida emocional que identificamos actualmente como melodrama, las películas con final feliz, las series de superhéroes, por ejemplo, vistas en su relación conflictiva con la “alta cultura” y la cultura popular? Antonio Gramsci había reflexionado también sobre los orígenes populares del “superhombre” de Nietzsche y se contraponía a la idea de que esta figura era solamente un producto de la “alta cultura” aristócrata del filósofo alemán: “Me parece que se puede afirmar que una gran parte de la sedicente ‘super-humanidad’ nietzschiana tiene como único origen no a Zaratustra sino al Conde de Montecristo, de a. Dumas.” Gramsci ya había emprendido su propia crítica al “gusto melodramático” en una sociedad italiana de tendencia fascista durante la década de los años treina del siglo xx, y que se encontraba a las puertas de un proceso de “masificación”. Además, Gramsci combatía aquella “solemnidad exagerada” y el sentimentalismo con el que se promovían en su época el acercamiento a la literatura y, en particular, a la poesía. Gramsci también reconocía el potencial de la literatura de folletín, por ejemplo, en su orientación político-social: el melodrama de folletín se encargaba de dirigir las contradicciones de una sociedad hacia cierta armonía sentimental que redimía los conflictos, como los grandes “sufrimientos” en las telenovelas de nuestra época, y en los que finalmente se “resolvían” todos los problemas mediante el final feliz.

¿Cuáles es hoy la estructura melodramática de la sociedad contemporánea? No se puede pasar por alto el sentido cultural y político de figuras como Superman, por ejemplo, la manera en que su imagen simboliza a esa supra-humanidad que también “resuelve” a su manera los grandes conflictos de la “sociedad occidental”. Quizás las hazañas de este “héroe” son, de algún modo, el anzuelo melodramático para proyectar nuestros miedos, así como una forma imaginaria y sumamente autoritaria de “disipar” los conflictos y orientarlos hacia una serie de desafíos y finales siempre armónicos, previsibles.

Para algunos críticos literarios y analistas de la cultura, por ejemplo, para George Steiner, todavía vivimos bajo la sombra del romanticismo, en los límites de su imaginación y en formas estéticas y culturales que se conforman a partir de la dialéctica entre lo trágico y lo melodramático:

En muy buena medida seguimos siendo románticos. Eludir la tragedia es norma constante en el teatro y en cine de hoy. Por más que esto se oponga a la realidad y a la lógica, los finales deber ser felices. Los villanos se reforman y el crimen no paga. Esa gran aurora hacia la que se encaminan, dándose la mano, los amantes y los héroes de Hollywood al final de la película, despuntó inicialmente en el horizonte del romanticismo.

Esta imaginación romántica no es uniforme y al igual que en sus primeras manifestaciones posee una dimensión contradictoria. Tales afirmaciones nos hacen sospechar que el romanticismo no sólo fue una época de la cultura y de la política en Europa y América Latina, sino “una revolución sin precedentes en la perspectiva de la humanidad”, como afirma Isaiah Berlin, que dejó profundas marcas y grandes zócalos de cultura en la época moderna.

Así, es posible plantear que la misma modernidad no ha sido una experiencia unívoca y secuencial. Como afirmaba Bolívar Echeverría: “su dominio no es absoluto ni uniforme” y tampoco es una “realidad monolítica”, más bien “está compuesta por un sinnúmero de versiones diferentes de sí misma –versiones que fueron vencidas o dominadas por una de ellas en el pasado, pero que, reprimidas y subordinadas, no dejan de estar activas en el presente”. Bolívar Echeverría localiza, al menos, cuatro versiones de lo moderno, cuatro ethos que se han conformado conflictivamente: el barroco, el romántico, el clásico y el realista capitalista.

Una modernidad romántica dominante, profundamente melodramática y adoradora del libre mercado, que para sobrevivir se ha entrelazado a otro ethos, el realista capitalista, es posible que se presente como una cartografía de la crisis de lo moderno. Sin embargo, oculto y silenciado por la cultura política dominante, otro romanticismo actualizado pervive en la sensibilidad contemporánea.

¿En dónde y cómo se expresa esta sensibilidad también romántica pero no melodramática? Sin duda, algunos románticos se sintieron cómodos en esta sensibilidad trágica contenida y eludida por el melodrama. Nietzsche veía en Sócrates el término del esplendor de la edad trágica griega y el triunfo del racionalismo, mientras los poetas frenéticos del romanticismo perseguían las revelaciones trágicas en el paraje tiránico de la vida moderna. Paul de Man asevera que es posible localizar en la literatura contemporánea escrituras postrománticas y ve en la obra de Borges un paradigma de ellas.

Por otro lado, el escritor húngaro Imre Kertész, sobreviviente de los campos de concentración de Auschwitz-Buchenwald, ha visto en el terror de la experiencia concentracionaria el futuro de la humanidad: “Cuando reflexiono sobre los efectos traumáticos de Auschwitz, reflexiono paradójicamente más sobre el futuro que sobre el pasado.” Kertész, en relación con la tensión artística que se produce entre la ausencia de la tragedia y cierto acento trágico en la era moderna, se pregunta: “¿Qué posibilidades tiene el arte cuando ya no existe el tipo humano (el tipo trágico) al que nunca ha dejado de describir? El héroe de la tragedia es el hombre que se crea a sí mismo y fracasa. Hoy en día, sin embargo, el ser humano ya sólo se adapta.” Para Kertész, la “alienación” del ser humano en el mundo moderno proviene también de su renuncia a la tragedia, de su inmersión en una “pseudorrealidad” cuyo horizonte totalitario estaría marcado también por la articulación entre la “realidad” pura del capital y el melodrama. Sin embargo, también desde la época romántica está latente un acento trágico en el arte que propicia otras paradojas. En palabras de Carlos Fuentes: “La tragedia de la historia moderna ha sido la ausencia de tragedia. Restaurar la visión trágica ha sido el empeño, sobre todo, de algunos novelistas: Kafka, Broch, Faulkner, Beckett.” O como enuncia el mismo Kertész: “Su vida es en gran parte un delito trágico o un error trágico, pero sin las consecuencias trágicas.”

Entendida la tragedia como esa “forma del género dramático inventada en Ática en el siglo vi ac.”, esa “visión terrible e inflexible que cala en la vida humana... una narración que cuenta la vida de algún personaje antiguo o eminente que sufrió una mengua de fortuna para llegar a un fin desastroso...”, en palabras de Ruth Scodel, y en la que el sujeto se enfrenta a un destino y a la misma voluntad de los dioses, a fuerzas que rebasan su entendimiento y que lo destruyen pero que al mismo tiempo le dejan cierta dignidad trágica, esa forma de la Antigüedad griega, muere como tal en la época moderna y al mismo tiempo sobrevive a través de su transformación en una perspectiva trágica que se articula a géneros modernos como la novela, en el proceso de recomposición narrativa y artística impulsado por el romanticismo.

En sus dos versiones, expresadas a través de la sensibilidad melodramática y del relato trágico, el romanticismo dilata su sombra y todo indica que dominará parte de la imaginación cultural y política del siglo xxi, lo que orillará a sus receptores y cómplices a comprender y aprender de sus añejas contradicciones y de sus relatos, a recorrer las nuevas rutas de su geografía imaginaria, de sus poéticas narrativas y de sus modelos estéticos. Ahora más que nunca, las cartografías de nuestra cultura y de sus escrituras se convierten en desafíos colectivos, en rutas de la sensibilidad que buscan compulsivamente los territorios culturales en los que se pueda habitar con creatividad e imaginación trágicas las contradicciones de nuestro tiempo.

Desde el fondo temporal y espacial de su formación romántica, desde su historia de amor improbable con el melodrama, la modernidad latinoamericana nos susurra al oído una de sus formas históricas de resistencia, que al mismo tiempo se nos presenta como una utopía “sin optimismo” ni candidez moral o espiritual: para nosotros, los huéspedes contemporáneos de la imaginación romántica en conflicto, no habrá final feliz •

Salvador Novo, nuestro gran maestro de escritura, Elena Poniatowska

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 15 Enero 2018 Visto: 2939

novo ele La Jornada
Salvador Novo falleció hace 44 años. En la imagen, con la autora de este artículo, en una imagen de su archivo personal
Salvador Novo, poeta, ensayista y cronista de la Ciudad de México, falleció hace 44 años, el 13 de enero de 1974. Poeta, prosista de lujo, como lo llamó Carmen Galindo, sus crónicas iban más allá de describir los acontecimientos de la ciudad y rendir pleitesía al presidente en turno; todos lo leíamos para aprender a escribir. Hasta ahora nadie ha superado la admirable fluidez de su prosa que hizo escuela. Son muchos los críticos que consideran que el mejor libro de Carlos Monsiváis es el que dedicó a su admirado Novo: Lo marginal en el centro, porque en realidad escribió su autobiografía.

Salvador Novo fue el primer escritor que conocí al llegar a México porque todos los domingos comía en la huerta de San Jerónimo de Raúl y Carito Amor de Fournier y al entrar a saludar a mis mayores, lo llamaba yo tío. A partir de mis 10 años nunca dejó de llamarme sobrina, hasta el año de la publicación de La noche de Tlatelolco, ya que se convirtió en defensor de Gustavo Díaz Ordaz y del PRI. Tanto él como Martín Luis Guzmán se alinearon del lado del gobierno que los mantenía y acusaron a los estudiantes encarcelados en Lecumberri, lo cual hizo que Carlos Fuentes los llamara La Traviata y El Rigoletto del año 68.

Recuerdo que en esas apacibles comidas en la huerta de San Jerónimo, en los dedos de las manos de Salvador Novo se turnaban varios anillos: uno precioso del sagrado escarabajo de Egipto, el otro, un sello oscuro que no alcancé a descifrar a pesar de que era del tamaño de un foco. No sabía yo nada de pelucas y no creo que en esa época llevara una roja o castaña o china o lacia. Tampoco supe si tenía las cejas depiladas. A los niños todo les parece bien. Sí recuerdo que Novo llevaba la batuta de la conversación y a ese gran jardín llegaron a lo largo de los años muchos de los constructores de México: Rufino y Olga Tamayo, Pablo y Natasha González Casanova, Ignacio y Celia Chávez, Gustavo Baz, quien había cabalgado al lado de Emiliano Zapata, y bellezas como Alfa Henestrosa, que vestía rebozo y enaguas antes de que lo hiciera Frida Kahlo. De todos, el mejor informado y el que se mantuvo en primer lugar del Tout Mexique fue el cronista de la ciudad Novo, quien era requerido en todos los acontecimientos de la vida nacional por los presidentes de la República en turno. Ya dirigía museos y organizaba conferencias y presumía que la RCA Víctor iba hacerle “un álbum de tres discos de long play, es decir, de dos caras, sobre la ciudad de México”. Nadie más solicitado que él. Hasta en espectáculos de Teotihuacán de luz y sonido, con música de Blas Galindo, y de Uxmal, con música del yucateco Daniel Pérez Ayala, se oía su voz. Novo aparecía en todas las revistas, lo fotografiaban en todas las crónicas de sociales, y como fundó La Capilla, salía en todas las carteleras. Asimismo, criaturita, tengo que atender las consultas del Jefe del Departamento y de otros secretarios de Estado que me dicen que mi presencia es indispensable. No pasa una semana sin que recurran a mi persona o rueguen que les dé mi opinión. Cronista todopoderoso de la ciudad, José Emilio Pacheco, Antonio Saborit y Sergio González Rodríguez se comprometieron a revisar sus gruesos tomos sexenales de La vida en México, sobre los regímenes de Cárdenas, Miguel Alemán, Ávila Camacho, Ruiz Cortines. Admiradores de su prosa y de su ingenio, los jóvenes no lo fueron de su servilismo, que el propio Novo justificaba con una frase al periodista Antonio Bertrán: Hoy no tengo que escribir más mercancía que dos cuartillas, que a razón de 15 minutos cada una me dejan libre prácticamente todo el día.

–Me gustaría que me hablaras de tu poesía, porque Nuevo amor es lo más bonito que has hecho.

–El Fondo de Cultura Económica publicará tres tomos completos de poesía: 20 poemas (1925), Espejo y Nuevo amor (1933), y poesías no coleccionadas posteriores a esas fechas. Además, mis Sonetos de Año Nuevo.

–¿Por qué has hecho poca poesía en los últimos años?

–Porque no es lo mismo hacer poesía que versos, versos hago muchos. Versos es hacer rimas, epigramas, cosas que respondan al concepto que se tuvo de la poesía hasta el siglo XX, que es meter los pensamientos y las emociones en los moldes de la métrica y manejar metáforas que terminan siendo familiares a toda la gente... En tanto que poesía ha sido, siempre para mí, un estado de trance, de inspiración de inevitabilidad. Inevitabilidad, fíjate bien.

–¿En ese momento nadie y nada en el mundo podrían impedir que escribieras?

–Sí, mi edad y mi enfermedad.

–¿Tu enfermedad te hizo escribir mucha poesía?

–No. Nada más matizó de mucha tristeza el soneto que envié a mis amigos en 1970.

–Entonces, ¿es cierto que el sufrimiento es un detonador de la escritura como la soledad?

–En mi caso no, criatura. Yo escribí cosas muy tristes cuando era niño. Casi todos mis poemas de adolescencia son tristes. Eso es lo que se consideraba poesía antes, la tristeza. ¡Mira, estos versos muy influidos de González Martínez que hice cuando tenía 14 años! Mira, qué tristes, pero tristes, tristes, te los voy a leer: Vieja alameda triste en que el árbol medita,/ en que la nube azul contagia su quebranto/ y en que el rosal se inclina al viento que dormita:/ te traigo mi dolor y te ofrezco mi llanto./ He vuelto. Soy el mismo. La misma sed me aqueja/ y embelesa mi oído idéntica canción,/ y soy aquel que ama el minuto que deja/ un poco más de llanto dentro del corazón./ He vuelto a tu silencio otoñal: he buscado/ vanamente mis huellas entre todas las huellas,/ y mi ilusión es una hoja muerta de aquellas/ que estremecía el viento y que el sol ha dorado./ ...Y mientras quiero acaso recomenzar la senda/ un mal irremediable consume los destellos/ del sol, vieja alameda, y te guardo mi ofrenda,/ tú contemplas mis ojos y miras mis cabellos.

A Novo le entra un ataque de risa.

–¡Uy, uy, uy! ¡Cuánta melancolía! ¿Oíste? ¡Uy, qué cosa!

–¡Ay!, ¿por qué te burlas?

–¡Me burlo de mis 14 años!

–Y, ¿por qué te leíste a ti mismo con tanta ironía?

–Ah, ¿querías tú que me tomara en serio?

(Salvador Novo se leyó haciendo muecas. Puso ante sus ojos unos pequeños vidrios a la manera de impertinentes o monóculos, levantó las cejas y rió en forma despiadada.)

–En cambio, en mi libro 20 poemas estoy lleno de alegría y de metáforas nuevas, sorprendentes. ¿No te gusta esto?: Los nopales nos sacan la lengua... ¡Es pura pintura!, ¿verdad? Entonces tenía yo 21 años y era muy alegre... Fui muy feliz a los 20 años; empecé a disfrutar la vida. De niño fui tristón, imagínate, un niño encerrado, hijo único. ¿Quieres que te lea Los nopales nos sacan la lengua? Mira qué bonito: Los nopales nos sacan la lengua;/ pero los maizales por estaturas/ con su copetito mal rapado/ y su cuaderno debajo del brazo/ nos saludan con sus mangas rotas. ¿Quieres que te lea mi Epigrama a Bernardo Reyes. ¿Sabes quién es? Un gordo, chaparrito. Me asalta duda lacerante/ frente a tan reducido ente/ embajador tan competente/ y personilla tan pedante./ Es de los reyes descendiente/ eso lo sé; ¡pero no atino/ si será de Alfonso sobrino/ o sencillamente sobrante.

–¡Ay pobre! Entonces eras un niño triste.

–Sí, ¿por qué te llama la atención? Era un niño demasiado protegido, aislado de los demás, solo en un jardín. Mi padre murió. ¿No has leído Epifanía? Salvador Elizondo dijo que era mi mejor poema: Un domingo/ Epifanía no volvió más a la casa./ Yo sorprendí conversaciones/ en que contaban que un hombre se la había robado/ y luego interrogando a las criadas,/ averigüe que se la había llevado a un cuarto./No supe nunca dónde estaba ese cuarto/ pero lo imaginé, frío, sin muebles,/ con el piso de tierra húmeda/ y una sola puerta a la calle./ Cuando yo pensaba en ese cuarto/ no veía a nadie en él./ Epifanía volvió una tarde/ y yo la perseguí por el jardín/ rogándole que me dijera qué le había hecho el hombre/ porque mi cuarto estaba vacío/ como una caja sin sorpresas./ Epifanía reía y corría/ y al fin abrió la puerta/ y dejó que la calle entrara en el jardín.

–Oye, Salvador, ¿y ahora tu cuarto sigue vacío como una caja sin sorpresas?

–No, ahora está lleno de sorpresas. No tengo hora para escribir. No se tienen horas para el parto. Me sobreviene el parto a medianoche, a medianoche escribo. Los versos sí se pueden escribir a cualquier hora, la poesía no. No desprecio los versos, pero digo que sólo se necesita oficio para ponerse a hacerlos. Hago muchos. Ahorita mismo puedo leerte unos; son divertidos, yo me divierto haciéndolos, pero no son poesía.

–Alguna vez me dijeron Carlos Monsiváis y José Emilio Pacheco que tus sonetos eran de una lucidez aterradora.

–Sí, sí, son como de Quevedo. Los hice a los 20 años. Siempre a los 20 años hace uno esas cosas. Me divierto mucho. ¡Es una forma de reírse, a costa de los demás y a costa de sí mismo, porque recuerda que hice muchos en contra de mí mismo! Ahora ya no los hago.

–¿Por qué? ¿Ahora eres más bueno?

–No, claro que no.

–¿Eres igual de malo?

–Sí, soy muy malo. Bueno, soy menos irritable. Aguanto un poco mejor la estupidez humana, pero no mucho. Al mismo tiempo que mandaba el soneto de Año Nuevo, mandaba otro privado, muy grosero, groserísimo. Un año le mandé uno a Alfonso Reyes, y él me envió otro, que es probablemente una de las últimas cosas que escribió, el 11 de diciembre de 1959. Durante tres años mandé sonetos groseros, ya después no. Mira, ahorita acabo de mandar traer una corbata negra porque tengo que ir a Félix Cuevas. Murió la mamá de Miguel León Portilla. Quiero ir a verlo. Todas las mañanas o casi todas camino en los Viveros, pero me interrumpen...

–¿Te pesa la celebridad?

–Cuando me preguntan: ¿Es usted Salvador Novo? respondo: ¡Pues qué remedio tengo! Ay, ¿no me puede dar su autógrafo? Mientras no sea en un cheque. Después me envían a sus niños para que los salude. Los niños vienen hacia la banca, se me quedan viendo. Firmo otros autógrafos, y cuando se ha cumplido la media hora de ejercicio diario, salgo de los Viveros.

–Con tu fama a cuestas.

–Y mis emociones. Porque son más los sobresaltos y los sustos que el ejercicio. Y el teléfono. Entre las cosas que tengo programadas para hoy está la cena de la Cruz Roja, a las ocho, cena sentados con tarjeta, y todas las ceremonias que suscita mi sola presencia... Si me invitan por teléfono tengo posibilidad de negarme. No puedo, no es posible. Yo no preví que fuera a perjudicarlos en tal forma. Lo siento muchísimo. Bueno, quizá pueda ir. Tengo mi chofer esperándome y quizá pueda salir de la cena de la Cruz Roja a las nueve y media para ir a Bellas Artes. No preví que iba a tener tanta importancia mi presencia. ¡Ah, si va Pellicer, pues con él tienen la estrellota, porque yo no puedo violentarme en esa forma! Perdónenme y denle toda clase de excusas a los organizadores del homenaje a Amado Nervo (cuelga el teléfono). ¡Fíjate, una ceremonia a Amado Nervo en la Manuel M. Ponce! Pero yo no puedo fallarles a los de la Cruz Roja.

–Oye Salvador, ¿te tiene miedo la gente?

–Pues una miedo y otra odio. Oscilo como Aristóteles entre el terror y la compasión. Espérame voy a tomar agua...

Por ese remolino de compromisos políticos Novo canjeó su admirable los que tenemos unas manos que no nos pertenecen/ grotescas para la caricia, inútiles para el taller o la azada/ por una mortífera venta al lodoso poder, pero la pureza de su prosa –salvada entre otros por Monsiváis– hace de él, como dijo Sergio González Rodríguez, un “provocador lúcido, un satírico radical, un perseguidor de la inteligencia maligna (...)”.

Un oratorio por Fray Bartolomé, estreno póstumo

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 12 Enero 2018 Visto: 2824

un oratorio Excélsior
Con la participación de la Sinfónica Nacional y la dirección artística de José Luis Castillo, será estrenada, de forma póstuma, La santa furia, obra del músico mexicano
CIUDAD DE MÉXICO.
La santa furia, pieza de César Tort Oropeza (1928-2015), será estrenada el viernes 23 de febrero, a las 20:00 horas, en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes, con la participación de la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN) y la dirección artística de José Luis Castillo. La obra consta de cinco movimientos, dura una hora, está inspirada en la vida del misionero franciscano fray Bartolomé de las Casas y fue terminada por el compositor poco antes de fallecer.
En entrevista con Excélsior Germán Tort, hijo del compositor y uno de los principales promotores de la enseñanza musical en México, recordó que esta obra la empezó a escribir en 1994, la concluyó poco antes de fallecer, integra orquesta sinfónica, coro y solistas, y será repuesta el domingo 25 de febrero, a las 12:00 horas, en el mismo escenario.
El primer movimiento lleva por título Canto a la raza profunda y participa el coro y un narrador, explicó Germán Tort, el cual ha sido conceptualizado como un homenaje al mundo indígena y al Nuevo Mundo.
El segundo movimiento se titula Las cosas indianas, aparece Bartolomé de las Casas, el narrador, una mujer indígena y un militar español, el cual sucede poco después de la Conquista, cuando llegan los sacerdotes a rehacer lo que habían conquistado los españoles y se dan cuenta de los horrores.
El tercer movimiento es Ocasión, el momento en que Bartolomé de las Casas reflexiona qué hacer con su vida y por qué dedicarla a la defensa de los indígenas. “Digamos que en este tercer movimiento Las Casas ve el mundo que vive y reflexiona sobre si decide dedicarse a la defensa de los indígenas, y aunque no estoy seguro cuántas veces viajó el fraile de América a España en esa época, fue parte de su trabajo”, añadió.
El cuarto movimiento es El mundo. Aparecen los detractores del fraile. “Recuerda que incluso existen cartas entre el obispo de Burgos y Las Casas, donde le asegura que está equivocado por defender a los indígenas, mientras el misionero defiende al mundo indígena y expresa que no se puede hacer la guerra y poner el nombre de la fe en medio”, apuntó.
Y el último movimiento es Génesis, el Nuevo Mundo, homenaje al nuevo mundo y al mestizaje; el protagonista será un paje indígena que asistió y acompañó a Las Casas durante su juventud. “El paje que ya vive en España, dado que se lo llevó para allá, conversa con un fraile de edad avanzada, quien está guarecido en un convento español mientras se cuestiona si hizo lo necesario para ayudar a los indígenas del nuevo mundo”.
DEFENSA INDÍGENA
Músico, compositor y pedagogo, César Tort escribió La santa furia, oratorio a Fray Bartolomé de la Casas, como un ajuste de cuentas con su visión personal sobre el momento de la Conquista de México.
¿Cómo describirías el conjunto de esta obra?, se le pregunta a German Tort. “Bueno, él lo concibió como un oratorio a Fray Bartolomé. Digamos que se trata de un oratorio que no sólo es cantado, ya que también contiene diálogos, quizá como los primeros oratorios. Es una obra mixta, porque contiene fragmentos muy teatrales con música de fondo, tiene partes corales e instrumentales. Podríamos describirla como una obra épica que se basa en hechos históricos y habla sobre cuestiones morales, políticas y religiosas del ser humano, las cuales no hemos superado”.
¿Qué opinaba César Tort sobre Las Casas? “Para mi papá fue el hombre que creó la defensa de los derechos humanos. También pensaba que la historia no lo tenía en el lugar que le correspondía, pues debería estar a la altura de grandes defensores como Mahatma Gandhi, aunque existía una diferencia interesante: Las Casas era español y había defendido a personas de otra cultura y de otro continente”.
Y añadió: “Mi papá siempre fue un poco así. Aunque él era católico, siempre estuvo del lado no institucional de la iglesia. Obviamente él tuvo mucha afinidad por el obispo Samuel Ruiz, pero también por el obispo salvadoreño Óscar Arnulfo Romero y José María Morelos, que a la postre lo llevaría a hacer la Cantata a Morelos”, dijo.
Por último, Germán Tort habló sobre la posibilidad de llevar esta obra a Chiapas y a España, y adelantó que en los próximos meses también se podrían tocar dos obras más de César Tort, las cuales son poco conocidas en México y podrían servir como telón de fondo para celebrar el tercer aniversario por la muerte del compositor y musicólogo poblano.
Además, explicó que también se ha llevado a cabo una recopilación amplia con toda la música vocal creada por César Tort, que incluirá sus canciones para piano y voz, arpa y voz, que podrían completar algún concierto este año.
Además de compositor, César Tort creó el Método Tort, apoyado en el hecho de que la música es parte primordial en el desarrollo del niño, es decir, observa en la educación musical infantil un concepto formativo, cuya amplitud abarca también el apoyo a la educación nacional del educando. Y en sus propias palabras, aseguró que este método utiliza instrumentos vernáculos, como xilófonos y metalófonos, arpas diatónicas, timbales y teponaxtles, debido a su versatilidad y sus cualidades didácticas.
¿Dónde y cuándo?
La pieza musical La santa furia, creación de César Tort Oropeza, se estrenará de manera póstuma el próximo viernes 23 de febrero, a las 20:00 horas, en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes. Eje Central y avenida Juárez, Centro Histórico, Ciudad de México.

Simone las frases que la inmortalizaron

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 12 Enero 2018 Visto: 2856

simone Excélsior
Fue su libro El segundo sexo el que le dio el reconocimiento mundial y la convirtió en una militante teórica del feminismo radical y una heroína del movimiento de mujeres
CIUDAD DE MÉXICO.
Antes se leían los libros completos del autor; hoy una pincelada es ya bastante.
El día de hoy, 9 de enero de 2018, la filósofa y escritora francesa Simone de Beauvoir cumpliría 110.
Su trabajo aportó muchísimo a diversos campos como el del feminismo, la filosofía, la literatura y también la política.
Fue su libro El segundo sexo el que le dio el reconocimiento mundial y también el que la convirtió en una militante teórica importante del feminismo radical y una heroína del movimiento de mujeres.
De acuerdo con The New York Times, la mejor manera de resumir lo que plantea el libro es de esta forma:
“Uno no nace, sino que se convierte en una mujer. Ningún destino biológico, psicológico o económico determina la figura que la mujer humana presenta en la sociedad; es la civilización, como un todo, la que produce esta criatura, intermedia entre el macho y el eunuco, que se describe como femenina.”
Simone de Beauvoir imaginó la feminidad contemporánea en la década de 1960, por Pénélope Bagieu.
Sus contribuciones principales fueron al feminismo, pero sus obras escritas, tanto novelas como lo que no era ficción, también fueron consideradas como exposiciones brillantes del pensamiento existencialista básico: que el hombre es responsable de su propio destino.

Entre las frases clave que podemos recordar de ella, su vida y obra, se encuentran las siguientes:

“El hombre se define como un ser humano y la mujer como una mujer: cada vez que se comporta como un ser humano, se dice que imita al hombre.”

Toda opresión crea un estado de guerra; no hay excepción.

“La vida de uno tiene valor siempre que uno atribuya valor a la vida de los demás, mediante el amor, la amistad, la indignación y la compasión.”

“En sí misma, la homosexualidad es tan limitante como la heterosexualidad: el ideal debería ser poder ser capaz de amar a una mujer o un hombre; cualquiera, un ser humano, sin sentir miedo, restricción u obligación.”

“El autoconocimiento no es garantía de felicidad, pero está del lado de la felicidad y puede aportar el coraje para luchar por ella.”

Cada uno de nosotros es responsable de todo y de cada ser humano.

A casi 32 años de su muerte, su pensamiento y su trabajo ha aportado muchísimo al feminismo y a la lucha por la igualdad de género actualmente.

¿Conocías ya a esta filósofa y feminista?

Publican 'Historias de ensueño: Leonora Carrington para niños'

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 12 Enero 2018 Visto: 3006

publican La Jornada
Ciudad de México. La Dirección General de Bibliotecas publicó el libro "Historias de ensueño: Leonora Carrington para niños", que fue ilustrado con 115 dibujos hechos por menores y que será distribuido a siete mil 400 recintos de la Red Nacional de Bibliotecas Públicas.
La Secretaría de Cultura federal recordó que la edición forma parte de las actividades conmemorativas del centenario de Carrington (1917-2011), artista de origen británico que dejó huella en el movimiento plástico surrealista pero también fue escritora.
Explicó que los cuentos incluidos fueron leídos y recreados por niños de 5 a 12 años de edad, que enviaron tres mil 231 dibujos al Concurso de lectura y dibujo infantil que cada año organiza la DGB, esta vez con la colaboración de la Fundación Leonora Carrington, que dirigen Gabriel y Daniel Weisz y Patricia Argomedo. De los dibujos enviados fueron seleccionados 115 de diversas entidades del país.
Con su deslumbrante imaginación, Leonora recreó los relatos fantásticos que en su infancia le contaba su nana irlandesa: cuentos de hadas, leyendas e historias de criaturas del folclor de los pueblos celtas, para crear más tarde sus propias historias que compartió de forma oral con sus hijos y nietos, y que plasmó en pinturas, esculturas y escritos.
Se sabe que el arte y la literatura fueron su pasión y el medio para dar vida a una variedad de personajes y seres mágicos, reconocibles en toda su obra, y que en este libro aparecen a lo largo de sus alucinantes narraciones en formas diversas, desde divertidas hasta terroríficas y fantasmagóricas.
Un esqueleto que se cepilla los dientes, lee el periódico y hace bromas; una hermosa mujer alada que bebe sangre; un enorme grupo de conejos carnívoros alimentados por una extraña pareja; ratas con experiencia en cirugía en humanos; una fiesta de disfraces con misteriosos invitados, y una isla situada en medio de una avenida por donde pasan vehículos estruendosos día y noche.

De Berlín al Salón Los Ángeles, Elisa Carrillo recauda fondos para damnificados

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 12 Enero 2018 Visto: 2774

de verlin La jornada
Ciudad de México. Previo a la iniciativa “Baila por México”, la primer bailarina del Staatsballet de Berlín, la mexicana Elisa Carrillo, y su esposo, el ruso Mikhail Kaniskin, ofrecieron un calentamiento físico abierto al público acompañados por más de 50 niños y jóvenes en el Salón Los Ángeles de esta ciudad.
Las famosas bailarinas Layla y Elisa. Fotos Tercero Díaz/ Cuartoscuro
Portando mallas, leotardos y zapatillas, las jóvenes promesas de ballet disfrutaron de la preparación que realizan los dos grandes bailarines, quienes con sus respectivas experiencias transmitieron algunos de sus conocimientos a los presentes.
El Salón Los Ángeles dejó de ser por casi una hora una pista de baile popular para convertirse en un salón de ensayo de ballet clásico o de danza moderna, con todo y las barras en las que niñas, niños y jóvenes mostraron sus habilidades, sosteniéndose con las mano o moviendo las piernas.
Elisa Carrillo explicó a niñas y jóvenes los movimientos elementales de ballet, mientras tanto su esposo supervisaba a los participantes para corregir algún paso. Todo se realizó en compañía de la música.
Al finalizar esta sesión abierta, se dispuso de la pista del salón, donde momentos después se escucharían las notas musicales de Ramón Cedillo y su Big Band, con lo que daría inicio el proyecto “Baila por México”, impulsado por la bailarina mexicana.
“Baila por México” es una iniciativa a cargo de Elisa y su esposo para recaudar fondos destinados para la reconstrucción de viviendas en el Estado de México dañadas por los sismos de septiembre pasado, y que en una primera etapa apoya con 10 viviendas en Ozumba, Estado de México.

Giro audaz a Carmen, un mensaje contra la violencia hacia las mujeres

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 12 Enero 2018 Visto: 2851

giro audas La Jornada
Florencia.
Carmen, la protagonista, mata en lugar de ser asesinada gracias a un giro audaz de la dramaturgia en el final de la ópera de Georges Bizet de algunos artistas convencidos de que es hora de decir basta a la violencia contra las mujeres.
La producción de Carmen, en el teatro del Maggio Musicale Fiorentino, es el comentario de toda la ciudad y las entradas están agotadas hasta la última función, el 18 de enero.
En esta ópera favorita de todos los públicos, estrenada en París en 1875, la combativa gitana Carmen es asesinada por don José en un arranque de celos. Pero los miembros del elenco pensaron que era momento de alterar el final, en vista de ola creciente en Italia de lucha contra la violencia de los hombres hacia sus parejas o parientes. Por eso, en el final, la protagonista mata a tiros a don José.
“Es una forma de decir a todos, hombres y mujeres: ‘basta de violencia’”, señaló la soprano Veronica Simeoni antes de la función del miércoles. En este caso es un mensaje preciso contra la violencia que padecen las mujeres, una plaga que siempre nos ha afectado, y en este momento a los ojos de todos.
Hubo reacciones encontradas de los amantes de la ópera, incluso en redes sociales. Luca Paoletti, quien asistió a la función, aprobó el cambio pero con reservas.
No me parece una gran idea, pero puede ser útil para hablar sobre el tema de la violencia contra las mujeres, comentó. Se arriesga a abrir la puerta a una interpretación que puede alterar el espíritu real de la ópera, pero podemos aceptarlo como provocación.
El crítico musical Alberto Matteoli, del diario La Stampa, dijo que la producción no estuvo a la altura de la revolución que pretendía provocar.
Es legítimo hacer de todo en el escenario, pero la corrección política no tiene valor retroactivo, escribió.
La noticia del cambio generó una andanada de protestas en Twitter con etiquetas del tipo #FakeEndings y #CarmenNonMuore (#CarmenNoMuere).
Simeoni dijo que comprendía las reacciones adversas, dado el tradicionalismo que suele imperar en la ópera.
El amante de la ópera quiere ir a la ópera y ver la escena tal como era, tal como la vio durante tantos años en su casa o en su videocasete o devedé, o como la vio hace muchos años; entonces, protesta, apuntó.
El superintendente del teatro, Cristiano Chiarot, dijo a la agencia Ansa que las entradas están agotadas. Añadió que la producción permanecerá en el repertorio del teatro durante dos o tres temporadas y volverá a escena hacia fines de 2018.

UNAM pide decidir sobre patrimonio

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 12 Enero 2018 Visto: 2789

unam Excélsior
Mari Carmen Serra Puche pidió que el INAH permita la participación formal de la institución académica en los órganos de decisión y defensa de los tesoros históricos
CIUDAD DE MÉXICO.
La Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) está exigiendo el papel que cree merecer a la hora de decidir sobre el patrimonio histórico y arqueológico del país. Mari Carmen Serra Puche, doctora en antropología, afirmó ayer que el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) debe permitir a los especialistas universitarios participar de manera formal y oficial en los órganos de decisión y defensa del patrimonio.
Tras participar en las “Jornadas de patrimonios, discursos museográficos e identidades”, que organiza el Instituto de Investigaciones Filológicas (IIF), Serra Puche agregó en entrevista que, si bien los investigadores de la UNAM participan “de manera informal” con sus propios proyectos y en los de otros colegas, también deben contar con la libertad para trabajar sin las trabas burocráticas que exigen tanto el propio INAH como el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA). Para Serra Puche, la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos de 1972, “le da todo el peso al INAH, el INAH es quien protege el patrimonio, pero también vemos los problemas que hay con las comunidades, que llega el INAH e impone y la comunidad no responde a esa posibilidad, no la dejan participar”. La situación le parece injusta a la especialista, pues afirma que ya se utilizan laboratorios, equipo y recursos humanos en la investigación de los monumentos históricos y arqueológicos del país.
El poder total del INAH en la investigación arqueológica nacional está establecido en el artículo tercero de los Lineamientos para la investigación arqueológica en México, que señala: “Las investigaciones arqueológicas se sujetarán a los intereses científicos de la arqueología nacional, cuyas prioridades se establecerán, mediante propuesta del Consejo de Arqueología, por la Dirección General del INAH”.
Si bien hay momentos en que especialistas de la UNAM ya han formado parte del Consejo de Arqueología, Serra Puche piensa que esa participación debe formalizarse a través de convenios, y los mismos cree que debe pasar con el INBA. El Consejo de Arqueología es el órgano colegiado encargado de aprobar los diferentes proyectos de investigación en el país, pero también otros proyectos como los de luz y sonido en sitios arqueológicos o la viabilidad de actividades como el concierto que Armando Manzanero ofrecerá en Chichén Itzá el 3 de febrero próximo y cuya petición para ser aprobado provino de la propia Secretaría de Cultura federal.
Serra Puche recordó el caso de la arqueóloga universitaria Linda Manzanilla, que “lleva años excavando en Teotihuacán y siempre tiene que estar pidiendo el permiso de excavación al INAH, de la misma manera que yo también en Xochitécatl. La UNAM tiene magníficos arqueólogos, la potencialidad de conseguir recursos tanto de Conacyt como de los gobiernos estatales para excavar un sitio, pero siempre tiene que estar bajo el permiso del INAH, igual que las universidades internacionales como la de Harvard, eso está muy bien, la ley lo dice, pero la UNAM, como institución nacional, debe participar en los órganos colegiados”, agregó.
Durante su disertación en las Jornadas, la investigadora pugnó por replantear el concepto de patrimonio y la necesidad de verlo sólo a partir del monumento histórico o arqueológico o del bien escultórico, cerámico o artístico y ampliar la mirada hacia todo el contexto cultural que éste implica. El replanteamiento del concepto, opinó, implicará reformas: “Creo que hay que reformar la Ley del 72, una ley que ya es un poco vieja, que ha ayudado mucho, no la critico, pero hay que actualizarla”, dijo.

José Luis Martínez; cartas inéditas

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 12 Enero 2018 Visto: 2865

Excélsior
Ayer fue anunciado el homenaje nacional para conmemorar el centenario de natalicio de uno de los pilares de la literatura mexicana
CIUDAD DE MÉXICO.
Para celebrar el centenario del nacimiento del ensayista, crítico, académico y editor José Luis Martínez Rodríguez, que se cumple el viernes 19 de enero, el Fondo de Cultura Económica (FCE) y El Colegio Nacional, publicarán la correspondencia que sostuvo con el también ensayista y pensador mexicano Alfonso Reyes, en el libro Alfonso Reyes - José Luis Martínez. Una amistad literaria (1942-1959).
La publicación estará acompañada de conferencias, charlas, mesas redondas y exposiciones donde se abordarán su trabajo como ensayista, su labor al frente del FCE, su relación con Reyes y Pedro Henríquez Ureña, y su personalidad, que ha sido definida como la de un intelectual con una presencia muy tranquila y equilibrada, un personaje dispuesto a escuchar y a cuidar sus palabras y a buscar que sus colaboradores siempre dieran lo mejor de sí.
El volumen contiene una larga introducción sobre la amistad literaria entre Reyes y Martínez, detalló Rodrigo Martínez Baracs, hijo del autor y quien ha trabajado en la edición del mismo junto con la investigadora Guadalupe Ramírez, “donde incluimos las cartas y notas al pie de página que abundan en detalles que pueden resultar de riqueza para los jóvenes lectores”.
Y añadió: “Digamos que no es una correspondencia tan abundante, pero abarca de 1942 a 1959. Sin embargo, recuerda que don Alfonso y mi padre vivían en la misma ciudad, así que no son demasiadas cartas, aunque fungieron un poco como los emails de nuestro tiempo”.
Uno de los momentos que se verá reflejado en este volumen son las cartas que dan cuenta del airado reclamo que hizo la bailarina Amalia Hernández a favor de un texto escrito por José Luis Martínez, un capítulo poco conocido en la historia de las letras mexicanas.
Un momento de gran interés que se verá reflejado en esta correspondencia se ubica en 1946, cuando Martínez finalizó su gestión como secretario de Educación Pública y Jaime Torres Bodet proyectó el libro México en la cultura, que a la poste integró textos de especialistas como Manuel Toussaint sobre arte colonial, Salvador Toscano sobre arte prehispánico, Carlos Chávez sobre la música, Ignacio Chávez sobre la medicina, Silvio Zavala sobre la historia de México y uno más sobre las letras patrias en la pluma de Alfonso Reyes.
En algún punto Reyes concluyó la primera parte del libro, sobre la parte prehispánica y colonial, “pero luego ya no pudo seguir y le pidió ayuda a mi padre, a José Luis Martínez, que entonces era un joven de 28 años, quien redactó en una semana el texto referente a la literatura mexicana de los siglos XIX y XX”.
En principio, Alfonso Reyes le prometió al joven ensayista que le daría crédito por esa parte del texto, pero luego no fue así. “Entonces mi padre quedó un poco a disgusto de que el fruto de tantos años de estudio literario quedara como parte de un texto que don Alfonso no tuvo tiempo de escribir... pero se aguantó las ganas de hablar sobre eso”.
Por aquella época, Martínez vivía con la bailarina Amalia Hernández, “una mujer talentosísima que le escribió a don Alfonso Reyes para reclamarle cómo era posible que fuera a publicar ese artículo sin el crédito respectivo.
Fue así como Martínez puso su huella en las letras mexicanas, al participar en un libro destinado a autores consagrados. Aunado a esto se podrá conocer la correspondencia que habla sobre la gestación de La cartilla moral, un libro importante para su autor que no tuvo la recepción esperada en el mundo editorial.
LOS FESTEJOS

Los festejos iniciarán el martes 16 de enero a las 19:00 horas, en el Centro de Creación Xavier Villaurrutia, donde los autores Rosa Beltrán, Leticia Romero Chumacero, Liliana Weinberg y María Emilia Chávez Lara hablarán sobre la faceta como ensayista de José Luis Martínez.
Para el jueves 18 de enero se llevará a cabo la mesa José Luis Martínez, cien años, en la Biblioteca de México, en la que participarán Miguel León Portilla, Eduardo Lizalde, Javier Garciadiego, Enrique Krauze, Adolfo Castañón y Rodrigo Martínez Baracs.
Ese mismo día se inaugurará una exposición fotográfica en el Centro de Creación Literaria con imágenes poco conocidas del autor, provenientes del archivo que es resguardado por la Dirección de Literatura del INBA.
El viernes 19 de enero el narrador y ensayista Adolfo Castañón y José Luis Martínez Hernández —también hijo del diplomático y autor— aportarán una conferencia en la sala Carlos Monsiváis del Centro Cultural Tijuana.
El martes 30 de enero, en la sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, a las 19:00 horas, Felipe Garrido, José Carreño Carlón y Freja Cervantes, recordarán la faceta de Martínez como editor; y el 31 de enero a las 19:00 horas, en la Capilla Alfonsina, el investigador Víctor Manuel Díaz Arciniega hablará sobre la relación entre Reyes y Martínez.
La presentación del programa por el centenario del nacimiento de José Luis Martínez se llevó a cabo ayer, en el acervo que fue suyo y lleva su nombre, ubicado en la Biblioteca de México, en la Ciudadela, con la presencia del historiador Javier Garciadiego; Geney Beltrán Félix, director de la Coordinación Nacional de Literatura; Jorge von Ziegler, director general de Bibliotecas; y Rodrigo Martínez Baracs.

Mapa de Macuilxóchitl

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 10 Enero 2018 Visto: 2964

mapaaa Xavier Noguez. Arqueología Mexicana
Contenido
Sólo se cuenta con una lámina. Trataremos su contenido en la última sección de esta nota.
Fecha de elaboración

9 de abril de 1580.
Lugar de origen

San Mateo Macuilxóchitl, en el actual municipio de Tlacochahuaya, valle de Tlacolula, cerca de la ciudad de Oaxaca.

Características físicas

Elaborado sobre papel europeo, sus dimensiones son 85 por 61.5 cm. En general, se encuentra en buen estado. Ha sido restaurado.

Formas y colores

Dibujado a plumilla con tinta negra e iluminado a la aguada con varios colores (azul, negro, verde y rojo) que aún conservan su intensidad. El tlacuilo (pintor indígena) manifestó mayor cuidado en la escena principal del cerro con tres personajes. Un paisaje que corresponde a los territorios del pueblo de Macuilxóchitl fue añadido sin perspectiva ni escala.

Breve historia del códice

La pintura o mapa forma parte de la Relación geográfica y acompañaba a un cuestionario de 50 preguntas que se dio a conocer en 1577 por la corona hispana. El propósito de las Relaciones era obtener información diversa sobre sus colonias en América. Esta Relación fue firmada por el corregidor Gaspar Asensio y otras autoridades locales. Para 1583, un buen número de Pinturas y sus respectivos textos habían arribado a España. Actualmente las Pinturas de las Relaciones se encuentran dispersas en cuatro repositorios: el Archivo de Indias de Sevilla, la Real Academia de la Historia en Madrid, la Biblioteca Benson de la Universidad de Austin, Texas, y la Biblioteca de la Universidad de Glasgow, en Escocia, Reino Unido.

Principales estudios

La Pintura se ha dado a conocer en las publicaciones que se refieren a las Relaciones geográficas en general, como la de Paso y Troncoso (1905), Robertson (1972), López Guzmán (2007), por ejemplo. Tres autores, Paddock (1982), Acuña (1984) y Mundy (1996) se han referido con detalle a su contenido.

Otros títulos

Pintura de Macuilsuchil, Mapa de Macuilxóchitl y su jurisdicción.

Lugar donde está depositado

Sección Cartografía y Artes Gráficas de la Real Academia de la Historia en Madrid, España, bajo el número de control RAH20110000387.

Mapa de Macuilxóchitl

La glosa en náhuatl en el Mapa se refiere al pueblo como “Macuilsuchil”, pero el nombre correcto en náhuatl sería Macuilxóchitl. El término, que significa el nombre calendárico 5 Flor, podría referirse a una deidad que se adoró en Oaxaca. Sin embargo, llama la atención la ausencia del sufijo locativo, necesario en los nombres de lugar. El texto del cuestionario que acompaña al Mapa explica que este nombre proviene de “cinco piedras grandes que están sobre un cerro grande redondo que está junto al pueblo”. Existen dos grandes secciones en la pictografía: la primera se refiere al territorio que Macuilxóchitl reclama como parte de su altépetl (literalmente “cerro-agua”, pueblo establecido), por tener el estatus de cabecera; la segunda corresponde a un conjunto que se asocia al altépetl, pero también hace referencia al gobierno (tlatocáyotl) local. El territorio descrito incluye las capillas de los pueblos sujetos como Santiago, Calpan, San Juan y San Francisco, así como la referencia a sus vecinos, como Teotitlan y Tlacochahuaya. En la parte norte aparece la serranía que en lengua zapoteca se conoce como Quiapehua y como Alotepec en náhuatl, y que significa “sierra de las guacamayas”. Se registraron también caminos con signos de herraduras, pisadas humanas y un tercero no identificado, así como un río que recorre el mapa de norte a sur. Al lado derecho vemos un Sol expresado a la manera europea y en el lado opuesto se agregó una especie de flor de lis. El ambiente rural se muestra con una curiosa escena en la parte inferior: un grupo de casas sencillas y animales de origen europeo.

La escena central corresponde a un mensaje del gobierno del pueblo y a su evangelización (cruz cristiana en la cima del cerro). De manera inusual, el glifo toponímico del pueblo se representó con un árbol de cinco flores y no con una flor y cinco numerales (5 xóchitl), como se expresa en numerosos ejemplos prehispánicos y coloniales. El águila en la parte superior la hemos identificado con uno de los símbolos del tlatocáyotl, gobierno establecido, con características asociadas al supramundo, el universo superior. Los dos personajes masculinos están en asientos de respaldo (tepotzoicpalli); visten con tilmas y prendas que cubren todo su cuerpo; su extraño corte de cabello quizá está asociado a su estatus de nobleza. La mujer, arrodillada, tiene como característica especial una banda alrededor de la cabeza. La glosa en náhuatl que está al lado izquierdo del cerro ha sido traducida por lo menos por tres autores modernos: se relata la repartición original de tierras, la realizó el tlatoani de Teotzapotlan. El gobernante de Macuilxóchitl sí ha cumplido en proteger su territorio, con sus mojoneras, que le fue asignado. Más adelante se mencionan los nombres en zapoteco de los personajes que se encuentran dentro del cerro: Coqui Pilla, Coqui Piziatao y la dama se llama ¿Yoca? Xonaxi Palala. En una variante de traducción se registra que los señores citados le robaron la tierra al señor de Macuilxóchitl. Llama la atención que en un pueblo de filiación zapoteca como éste, la iconografía asociada al gobierno y el idioma empleados se relacionan con los nahuas. Probablemente los elementos zapotecos se vean reflejados en el corte de cabello y la vestimenta de los dos hombres, así como en la banda en la cabeza de la mujer.

Para leer más...

Cline, Howard F., “The Relaciones Geográficas of the Spanish Indies, 1577-1648”, en Handbook of Middle American Indians. Guide to Ethnohistorical Sources, primera parte, Tulane University, Middle American Research Institute/University of Texas Press, Nueva Orleáns, Louisiana-Austin, Texas, 1972.

Acuña, René (ed.), Relaciones geográficas del siglo XVI, vol. 2, tomo 1 (Antequera, Oaxaca), Instituto de Investigaciones Antropológicas, UNAM, México, 1984.

Paso y Troncoso, Francisco del (ed.), Papeles de la Nueva España, segunda serie, Geografía y Estadística, vol. 4, Impresores de la Casa Real, Madrid, 1905.

López Guzmán, Rafael, Territorio, poblamiento y arquitectura. México en las Relaciones Geográficas de Felipe II, Editorial Universidad de Granada/ Editorial Atrio, Granada, España, 2007.

Mundy, Barbara E., The Mapping of New Spain: Indigenous Cartography and the Maps of the Relaciones Geográficas, The University of Chicago Press, Chicago-Londres, 1996.

Robertson, Donald, “The Pinturas (Maps) of the Relaciones Geográficas with a Catalogue”, en Handbook of Midlle American Indians. Guide to Ethnohistorical Sources, primera parte, Tulane University, Middle American Research Institute/ University of Texas Press, New Orleans, Louisiana- Austin, Texas, 1972.

Xavier Noguez. Profesor-investigador de El Colegio Mexiquense, dedicado al estudio y publicación de códices coloniales del centro de México.
Noguez, Xavier, “Mapa de Macuilxóchitl”, Arqueología Mexicana núm. 135, pp. 14-15.

Texto completo en la edición impresa. Si desea adquirir un ejemplar:

http://raices.com.mx/tienda/revistas-fragancias-y-hedores-en-mesoamerica-AM135

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