Cultura y Espectaculos

Monsiváis y su fascinación por el arte popular en pequeño
Consta de piezas surgidas del oficio de artesanos, que el cronista adquirió en su faceta de coleccionista

Las diminutas obras recrean la cotidianidad, tradiciones y creencias mexicanas

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Desde escenas de películas del cine mexicano, hasta voladores de Papantla, y Dante y su Divina comedia son representados en las miniaturasFoto cortesía del Museo del Estanquillo
Alondra Flores Soto

Periódico La Jornada
Domingo 1º de abril de 2018, p. 2
La vida cotidiana de los mexicanos, con sus tradiciones, creencias e historia, pero en chiquito y con espíritu lúdico, ha sido recreada en el Museo del Estanquillo en la exposición El juego y el arte de la miniatura.

Una arena de lucha libre, los voladores de Papantla, un charro enamorado en plena serenata, Dante y su Divina comedia, los antiguos aztecas en juego de pelota o hasta escenas de películas del cine mexicano como María Candelaria son algunos de los personajes reproducidos en centímetros, algunos visibles sólo con lupa, surgidos del oficio de artesanos, que el cronista y escritor adquirió en una de sus facetas importantes como coleccionista.

Carlos Monsiváis mostró fascinación hacia las miniaturas, señaló Henoc de Santiago, director del museo que aloja el acervo del autor de Días de guardar. Añadió que su interés por la historia de nuestro país también luce en esta manifestación de arte popular, que sin grandes pretensiones históricas retrató de alguna manera, en tercera dimensión, la vida de los mexicanos, comentó durante el anunció de la exposición antes de su apertura.

Un gran respeto fue el que profesó hacia los maestros artesanos y creadores de arte popular, quienes siempre tuvieron un lugar importante entre sus colaboradores y amigos, tanto así, que se convirtió en un verdadero mecenas y comprador prácticamente compulsivo de lo que producían, por ejemplo, del miniaturista Roberto Ruiz, quien trabajó el hueso y fue premio de Ciencias y Artes en 1988.

Su aprecio por estas obras, al considerarlos al nivel de un artista, lo manifestó el autor al calcular su valor por la imaginación que lo lleva a reiterar sin repetir, por la variedad de formas y soluciones, por la concentración de elegancia y delicadeza, como se citó en conferencia.

Totalmente distinta y con carácter lúdico, calificó De Santiago la colección de las casi 250 piezas que nunca antes se habían mostrado al público. Se ha pensado mucho en los niños, razón por la que permanecerá hasta abril en este recinto en la esquina de Madero e Isabel la Católica, en el Centro Histórico.

Manivelas dan vida a pequeñas maquetas que recrean escenas, como pueden ser un fauno espiando a una ninfa, con unicornio incluido; los queridos gatos que tanto acompañaron al escritor, o una escena de oficina, en la que una secretaria de párpados azules repite el ding ding de su máquina de escribir, piezas elaboradas por Luis Ascanio Zenteno. Detalles minuciosos que dan realidad a la vida pequeña.

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También se expone un pequeñísimo Monsi, elaborado por Susana Navarro y Teodoro TorresFoto cortesía del Museo del Estanquillo
Entre seres mitológicos se yergue la figura de Monsi, como se le dice cariñosamente, con un libro entre las manos y la melena gris alborotada, escultura en pasta epóxica, realizada por Susana Navarro y Teodoro Torres, también reconocidos por la elaboración de juguetería en plomo.

Destacan las figuras en hueso de Roberto Ruiz, las figuras esculpidas y coloreadas sobre gis de Eduardo Oliva, o las diminutas poblaciones de Alfredo Velázquez Luna, quien habló en la conferencia sobre su trabajo y amistad con Monsiváis.

¡Mira, ven a ver!, llamaba emocionado el coleccionista a cualquiera que estuviera cerca para mostrar su reciente adquisición, relató Ana Catalina Valenzuela, curadora de la muestra que saca trabajos que estuvieron guardados en las bodegas por más de 10 años y que obligó una selección de entre más de mil piezas.

La visita está organizada en cinco ejes temáticos: teatro, literatura, historia, vida cotidiana y la muerte, que son representadas en distintas manifestaciones de arte popular, entre miniaturas, maquetas e incluso títeres de la colección de Roseta Aranda. La mayoría fueron hechas durante de 1980 a 2000, a excepción de algunos libros de José Guadalupe Posada y de Saturnino Calleja, así como figuras de cera, que son de finales del siglo XIX.

Monsiváis, fallecido en 2010, mostró coherencia, explicó Valenzuela, pues la interesaba estudiar las costumbres de los mexicanos, las visiones de los lugares donde vivía y lo hizo desde diferentes lugares, como la fotografía y los libros, y la miniatura fue parte de esta revisión de la ciudad; es una crónica distinta porque atiende a lo lúdico.

La miniatura exige que uno se detenga a observar entre esta pequeña vida cotidiana, comentó la curadora.

La exposición El juego y el arte de la miniatura concluye el 8 de abril.

Carlos Bautista Rojas. Algarabía

Por naturaleza buscamos definir o clasificar cuanto nos rodea. No terminamos de conocer algo, cuando ya le encontramos similitudes con otra cosa —la asociamos— y, por esas semejanzas, las etiquetamos bajo una clasificación, si no específica, por lo menos aproximada.

La poesía es indispensable, pero me gustaría saber para qué

Jean-Luc Godard

Por naturaleza buscamos definir o clasificar cuanto nos rodea. No terminamos de conocer algo, cuando ya le encontramos similitudes con otra cosa —la asociamos— y, por esas semejanzas, las etiquetamos bajo una clasificación, si no específica, por lo menos aproximada.

De este ejercicio de vinculación también han surgido nombres de objetos, lugares e incluso personas; y los senderos que ha tomado la literatura a lo largo de toda su historia no podían ser excepción.

A todo esto, ¿qué es literatura? Hasta el siglo xii, en la palabra literatura —del latín litterae, «letras»— se englobaba toda escritura compilada en libros. El concepto actual que se tiene de literatura —arte que emplea como medio de expresión una lengua o el conjunto de obras escritas pertenecientes a una nación, una época o un género—, surgió durante el siglo xix, aunque los primeros intentos se remontan al mundo antiguo.

Las cosas por su nombre
Definir los géneros literarios ha motivado reflexiones y discusiones desde la antigüedad grecolatina hasta nuestros días —la Poética, de Aristóteles, planteó una reflexión sobre las variedades de la poesía y sus posibles distinciones a partir de rasgos tanto formales como de contenido— y está vinculado con otros problemas fundamentales: la relación entre los textos particulares y un modelo general, entre la visión del mundo y la forma artística, así como con la existencia o inexistencia de reglas que los textos deben respetar.

Desde entonces, la relación entre forma y contenido de un texto literario ha sufrido numerosas transformaciones, ya sea por los criterios aplicados para definir los textos o por la naturaleza de los textos mismos. Los expertos contemporáneos rechazan enfáticamente la existencia de los géneros literarios como «esencias independientes y absolutas» y destacan su carácter convencional. Por ello, en la actualidad, un genero se asume como un conjunto de normas o convenciones que sirven para orientar la producción de textos o brindan herramientas para interpretarlos. En síntesis, los géneros aluden a modos que permiten agrupar los textos literarios y, como señala Helena Beristáin, proporcionan «al lector un modelo previsible de la estructura [...] y del funcionamiento de la obra».1 Helena Beristáin, Diccionario de retórica y poética, México: Porrúa, 1985; p. 237.

Leyendo junto a la ventana, Charles James Lewis, 1880

Para no entrar en el interminable debate de cuál es la forma definitiva de clasificar a un texto —pues desde Aristóteles a la actualidad no se ha llegado a ningún sistema acabado—, nos remitiremos a la forma tradicional de agrupar los textos, sin dejar de mencionar que la literatura, al ser un testimonio «ficticio» de las experiencias y preocupaciones más íntimas e imperiosas de la humanidad, es inagotable por el simple hecho de que es motivada por un afán expresivo de reinventar la realidad y así, poderla comprender o asimilar desde otra perspectiva, desde la posibilidad de ser otro por medio de unas cuantas palabras.

Géneros líricos
Antes de abundar en las características del género lírico, es indispensable hablar de la métrica, la rima y el ritmo.

La métrica —también llamada pie o metro— es la medida silábica a la que, en algunas lenguas indoeuropeas como la española, se sujeta a la distribución del poema al ser organizado en unidades rítmicas o versos agrupados en estrofas. Este metro se funda en el número de sílabas. En otras lenguas —como el latín, el griego o el inglés— la unidad métrica no es la sílaba, sino el pie, que se constituye atendiendo a la relación de cantidad o duración de las vocales.

La rima resulta de la igualdad o semejanza de sonido a partir de la última vocal tónica en las palabras finales de los versos. En español hay rima asonante y consonante. En la primera, la homofonía —o identidad de sonido— se da sólo entre las vocales, como en las palabras: fiesta y enmienda. En la rima consonante coinciden todos los fonemas a partir de la vocal acentuada: soberana y mañana. Hay rimas percibidas por el oído y por la vista —como en masa y casa—, pero hay otras que, aunque las letras no coincidan, los fonemas —al menos en Latinoamérica— son los mismos: rosa y poza.

El ritmo es una repetición que podemos ver en la alternancia con que cambian las luces de un semáforo, en los latidos del corazón o en el movimiento de las mareas, pero en los géneros líricos el ritmo puede ser cuantitativo, es decir: producido por la aparición periódica de los pies métricos —que resultan de las sucesión de sílabas largas y breves; o ritmo cualitativo: por la frecuencia de palabras acentuadas. En ambas clases de poesía la longitud de palabras se separan por pausas.

Los géneros líricos se caracterizan por las obras en las que el autor expresa de modo subjetivo sus sentimientos, experiencias o las apreciaciones de cuanto lo rodea, bajo la forma de un poema. Al creador lírico —o poeta— le interesa primordialmente que su sentir y su esencia fluyan al ritmo de las palabras.

Mujer Escribiendo, Daniel F. Gerhartz

Algunos creadores líricos notables del siglo xx han sido el chileno Pablo Neruda, el peruano César Vallejo, los españoles Antonio Machado y Federico García Lorca, el argentino Jorge Luis Borges y los mexicanos Ramón López Velarde, Jorge Cuesta, José Gorostiza, Octavio Paz y José Emilio Pacheco.

Oda. Poema por lo regular marcado por la exaltación del sentimiento y del estilo. Safo, Anacreonte, Píndaro, Catulo y Horacio son algunos de los autores clásicos que escribieron extensas odas. Aunque los temas cambien, es común la exaltación de personas, objetos o acontecimientos, como lo hizo García Lorca en su Oda a Salvador Dalí:

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Canto tu bello esfuerzo de luces catalanas,
tu amor a lo que tiene explicación posible.
Canto tu corazón astronómico y tierno,
de baraja francesa y sin ninguna herida.

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Canción. Es uno de los subgéneros más antiguos; a lo largo de su existencia ha tenido innumerables cambios formales y variaciones temáticas. Se mantienen intactos, a pesar de su brevedad, dinamismo en la estructura, sobriedad y carácter expresivo. Una variedad admitía que el verso final de la primera parte se repitiera en la terminación de la estrofa, como en esta célebre canción del Marqués de Santillana:

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Moza tan fermosa
non vi en la frontera
como una vaquera
de la Finojosa.
Faciendo la vía
del Calatraveño
a Santa María,
vencido del sueño,
por tierra fragosa
perdí la carrera,
do vi la vaquera
de la Finojosa.

♦

Égloga. Escrito en prosa o en verso —en esta última predomina el hexámetro2 Verso compuesto, ya sea de seis dipodias —doce pies— como en la poesía épica griega y latina, o de seis pies métricos, como en la poesía inglesa. —; se caracteriza por ser un «pequeño cuadro» que representa la vida en la naturaleza en medio de un ambiente casi idílico. Muestras de este subgénero son las Églogas o Bucólicas, poemas pastoriles escritos por Virgilio en el año 37 a.C. o la «Égloga I» de Garcilaso de la Vega (1534-1535):

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El dulce lamentar de dos pastores,
Salicio juntamente y Nemoroso,
he de contar, sus quejas imitando;
cuyas ovejas al cantar sabroso
estaban muy atentas, los amores,
(de pacer olvidadas) escuchando.

♦

Elegía. Del griego ἐλεγεία /élegos/, que significa «lamento, canto de duelo», es un poema que expresa tristeza, por lo regular, por la muerte de alguien, como el que Miguel Hernández le escribió a su amigo Ramón Sijé:

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Yo quiero ser llorando el hortelano
de la tierra que ocupas y estercolas
compañero del alma, tan temprano.
Alimentando lluvias, caracolas
y órganos mi dolor sin instrumento.
A las desalentadas amapolas
daré tu corazón por alimento.
Tanto dolor se agrupa en mi costado,
que por doler me duele hasta el aliento.

♦

Epigrama. Del griego ἐπίγραμμα /epígramma/, que significa «inscripción en una tumba, monumento o estatua». Sin embargo, su tema principal dejó de ser la alabanza a un héroe o personaje público, para proponer un tono satírico o crítico sobre un asunto de actualidad. Por ejemplo, el diario Excélsior publicaba regularmente, hasta hace pocos años, sus epigramas, todos ellos basados en los sucesos del momento. Este epigrama es de Francisco de Quevedo, incluido en Imitaciones de Marcial:

♦

Matóse Testa al huir
de su enemigo el rigor
Pregunto yo: ¿no es furor
matarse por no morir?

♦

Romance. Del francés antiguo romanz, y éste del latín vulgar romanice «del modo romano», es un relato que, por lo regular, se escribía en verso y tuvo su auge entre los siglos xii a xv; describía aventuras fabulosas de caballeros andantes que defendían el ideal del amor. Con frecuencia incluían algunos personajes y acontecimientos sobrenaturales. Algunos de los más célebres son La chanson de Roland —La canción de Rolando—, Lancelot o el Caballero de la carreta, Perceval o El cuento del grial y El romance de la rosa, entre otros. En español, un romance es una forma fija de poema —por lo regular de versos de 8 sílabas— con la misma asonancia en todos los versos pares y sin rima en los nones. Muchos romances son antiguos y anónimos, como éste del siglo xv:

♦

Los vientos eran contrarios
la luna estaba crecida,
los peces daban gemidos
por el mal tiempo que hacía,
cuando el buen rey don Rodrigo
junto a la Cava dormía,
dentro de una rica tienda
de oro bien guarnecida.

Lánzate al estado más pequeño de México y descubre la hermosa arquitectura colonial de su capital, saborea sus exquisitos platillos típicos y descubre sus fantásticos poblados y zonas arqueológicas.

1. En la capital, El Palacio de Gobierno es una excelente opción para comenzar a conocer Tlaxcala. Su belleza radica no sólo en su exterior, que muestra un bello estilo plateresco; también en su interior descubrirás excelentes murales pintados al fresco por el artista tlaxcalteca Desiderio Hernández Xochitiotzin, representando la historia del estado.

2. El ex convento franciscano de Nuestra Señora de la Asunción, también en la capital, fue uno de los primeros templos edificados en toda América. Destaca por su techo artesonado, uno de los más bellos de México; un gran campanario, separado del edificio de la iglesia, y el conjunto arquitectónico en general. Además, fue el primer sitio donde se llevaron a cabo obras de teatro en náhuatl con fines de evangelización.

3. El estado de Tlaxcala se identifica por su gran tradición taurina por lo que no puedes dejar de conocer la Plaza de Toros Jorge Aguilar “El Ranchero”. Es considerada una de las más bellas del país gracias a que la torre de la Catedral escolta esta joya de la tauromaquia tlaxcalteca.

4. Entre las delicias culinarias del estado, destaca la tradicional sopa tlaxcalteca que, junto con el mixiote de conejo, los escamoles y la carne en pulque, ha dado fama al estado pequeño. No te puedes ir sin probar este manjar elaborado a base de caldo de frijoles y chile chipotle, acompañado de tortillas secas, chicharrón, queso panela y aguacate picado. ¡El paladar lo agradecerá!

5. La zona arqueológica de Cacaxtla en sí es suficiente razón para visitar el estado de Tlaxcala. Destaca por sus excelentes pinturas murales, muy bien conservadas, que datan de los años 600 a 900 a. C. Te sorprenderán los colores y figuras bien definidas donde se aprecia la influencia maya sobre esta cultura del Altiplano Central.
6. A 45 kilómetros de la ciudad de Tlaxcala te encontrarás con el Pueblo Mágico de Huamantla. Su arquitectura francesa invita a caminar entre sus calles para admirarla, y sus museos, no menos interesantes, merecen una visita obligada: el Museo Nacional del Títere Rosete Aranda exhibe piezas, algunas elaboradas por la familia Rosete Aranda, y otros provenientes de Asia y Europa. Por su parte, el Museo Taurino, ubicado junto a la Plaza de Toros la Taurina, es otro de los imprescindibles en cuyas salas exhibe carteles del siglo XX y los ajuares representativos de la fiesta brava.
7. En el mes de agosto vive la Noche que Nadie Duerme en el esplendor de la también conocida como Feria de Huamantla. Durante estas fiestas, celebradas en honor a la Virgen de la Caridad, los huamantlecos adornan las calles del Pueblo Mágico con enormes y coloridos tapetes de aserrín, y decoran los templos con flores. ¡Un espectáculo de color simplemente fascinante!

8. Si de atractivos naturales se trata, el Parque Nacional La Malinche es ideal para disfrutar de la naturaleza regional y realizar actividades al aire libre. Este sitio, declarado en 1938, cuenta con albergues en las faldas del volcán en cuya cima se puede apreciar el paisaje de tres estados, así como del Pico de Orizaba, el Itzaccíhuatl y el Popocatépetl. Te robará el aliento.

9. A tres kilómetros de la ciudad de Tlaxcala, se encuentra uno de los ejemplos más bellos de la arquitectura barroca poblano-tlaxcalteca: el Santuario de la Virgen de Ocotlán. De acuerdo a la leyenda, la virgen que se resguarda en su interior se le apareció a Juan Diego Bernardino para indicarle la construcción de este bello templo. Curiosamente sucedió diez años después de la aparición en el cerro del Tepeyac, y se dice que la figura de la Virgen cambia de color de acuerdo al calendario cristiano o a los acontecimientos de la sociedad.
10. Esta tierra del centro de México también presume de artesanos apasionados por su oficio. Los artífices huamantlecos han conservado la hechura antigua de los otomíes para fabricar papel amate. Por su parte, las máscaras de los huehues, elaboradas a mano, también son una excelente pieza para llevar a casa durante el Carnaval de Tlaxcala.

Rubén G. Mendoza. Revista Arqueología Mexicana
La práctica de ensartar cabezas humanas tras perforarles la región parietal, para luego colgarlas horizontalmente en armazones de madera, ha sido documentada desde épocas tempranas. Al parecer, colocar cabezas humanas ensartadas horizontalmente en armazones de madera se volvió práctica generalizada para dar realce a las ceremonias en el Altiplano durante el Posclásico, y se ha documentado arqueológicamente de manera más destacada en Tula, Tenochtitlan, Tlatelolco y Zultépec.

Mesoamérica comprendía una vasta región con diversidad ecológica y cultural, así como con variados fenómenos sociales. Esta diversidad influyó, a su vez, en el paisaje cosmológico y ceremonial pan-mesoamericano, interrelacionado a pesar de sus variantes diferenciadas en la práctica ritual y las creencias. Así pues, los distintos paisajes sociales, políticos y culturales sirvieron como catalizadores en el surgimiento de una frontera móvil con procesos culturales dinámicos: el Suroeste de Estados Unidos, hacia el norte, y Centroamérica, hacia el sur.

Hacia el norte, la gran frontera árida donde florecieron complejas civilizaciones incluye el Bajío, el Occidente de México y, en consecuencia, las tradiciones antiguas de La Quemada y Alta Vista o Chalchihuites, en Zacatecas. Hacia el Occidente abarca el Complejo Aztatlán del sur de Sinaloa y norte de Nayarit, que floreció entre 250 y 700 d.C., y, por extensión, el importante bastión norteño de Paquimé o Casas Grandes, Chihuahua, que alcanzó su apogeo en 1150 d.C.

La frontera sur de Mesoamérica, como la norteña, fue un mosaico de tradiciones híbridas surgido de un complejo patrón de interacciones económicas, políticas y culturales. La influencia mesoamericana en Centroamérica y las interacciones antes mencionadas fueron de una dimensión tan profunda que muchos investigadores, incluido el arqueólogo John Hoopes, han llegado a la conclusión de que la región formó parte de un área istmo-colombiana o del mundo Chibcha. Son incuestionables las influencias culturales de las vastas extensiones mesoamericana y colombiana, así como las de otras áreas sudamericanas y andinas. La gran difusión de deidades, rituales y creencias se refleja, sobre todo, en la práctica del sacrificio humano y la obtención de trofeos a una escala sin precedentes.

Tecnología del terror

Entre las numerosas formas culturales que van más allá de las fronteras mesoamericanas al norte y al sur, se encuentra el complejo ritual que incluyó la obtención de trofeos humanos y otras tecnologías del terror, la guerra y lo sobrenatural. La extracción del corazón y la decapitación fueron primordiales, así como su corolario ritual: la exhibición de las cabezas cercenadas. Ninguna disertación sobre la captura y exhibición de trofeos humanos en Mesoamérica sería completa sin mencionar el monumental Huei Tzompantli de México-Tenochtitlan, que los soldados que acompañaron a Hernán Cortés en la invasión de la capital mexica en 1521 describieron a los europeos por primera vez. Mientras escribo esto, el arqueólogo Raúl Barrera Rodríguez, del INAH , anuncia la recuperación de la primera de dos enormes torres circulares de calaveras y argamasa colocadas sobre una plataforma identificada como el Huei Tzompantli de México-Tenochtitlan. Tal como leemos en las primeras crónicas españolas, las grandes torres de la plataforma estaban formadas casi exclusivamente por cráneos humanos pegados con estuco. Los escritos de Andrés de Tapia y otros soldados que entraron al gran espacio cívico-ceremonial de México-Tenochtitlan en 1521 hablan de una construcción de albañilería y una empalizada o armadura de madera donde se exhibían entre 80 000 y 130 000 calaveras humanas ensartadas, en distintos grados de descomposición. Los mismos soldados aseguran que otros 60 000 cráneos se emplearon para formar la fachada del huey teocalli o Templo Mayor en la capital mexica. Estas observaciones son testimonios de primera mano sobre la práctica y formas rituales asociadas con los tzompantlis en el Altiplano Central. Tanto los armazones de madera como su contraparte en piedra del Templo Mayor son muestras de dos formas fundamentales, reproducidas en toda Mesoamérica y aún fuera de sus lejanas fronteras.

La práctica de ensartar cabezas humanas tras perforarles la región parietal, para luego colgarlas horizontalmente en armazones de madera, ha sido documentada arqueológicamente desde el Proto-Clásico (200 a.C. aprox.), en el sitio zapoteco de Loma de la Coyotera, en Cuicatlán de la Cañada, Oaxaca. Al parecer, colocar cabezas humanas ensartadas horizontalmente en armazones de madera se volvió práctica generalizada para dar realce a las ceremonias en el Altiplano durante el Posclásico, y se ha documentado arqueológicamente de manera más destacada en Tula, Tenochtitlan, Tlatelolco y Zultepec.
Rubén G. Mendoza. Profesor de la División de Estudios sociales, Conductuales y Globales de la Universidad del Estado de California, sede Monterey Bay. Ha dirigido investigaciones arqueológicas y etnohistóricas en California, Colorado, el Sudoeste de Estados Unidos y Mesoamérica.
Mendoza, Rubén G., “Cabezas-trofeo y tzompantlis en los confines de Mesoamérica”, Arqueología Mexicana núm. 148, pp. 64-69.
Texto completo en la edición impresa. Si desea adquirir un ejemplar: http://raices.com.mx/tienda/revistas-los-tzompantlis-en-mesoamerica-AM148

Por Paula Carrizosa

Tras la salida de Anel Nochebuena, secretario técnico del IMACP asumirá la dirección
El Museo Nacional de los Ferrocarriles Mexicanos (MNFM) prepara la edición número 11 del programa Estación Verano consistente en una serie de talleres diversos y una agenda cultural múltiple destinados a que los niños, adolescentes y jóvenes aprovechen su tiempo libre en las vacaciones próximas de verano.

En coordinación con el Instituto Municipal de Arte y Cultura (IMAC), el museo perteneciente a la Secretaría de Cultura federal organiza esta edición que será del 17 de julio al 5 de agosto.

Como cada año, señala el MNFM mediante un boletín informativo, habrá talleres, ciclos de cine, charlas didácticas, clases magistrales, visitas guiadas caracterizadas, exposiciones, y presentaciones artísticas.

El tema de Estación Verano para el presente año serán los títeres, considerados una de las expresiones artísticas más importantes de México y el mundo, en la cual confluyen diversas disciplinas como el teatro, la danza, la música, las artes plásticas y las Tecnologías de la Información y la Comunicación.

El teatro de títeres, además, representa una oportunidad para vincular a los públicos con la actualidad social y contribuir al desarrollo del pensamiento crítico y creativo de niños jóvenes y adultos.

Destaca que en este género teatral en el que se conjugan varias técnicas y plásticas nuevas de expresión como lo son el guiñol y marioneta, los títeres de varilla, bocón, fantoche, javanés, sombras chinas y con las manos, entre otros.

La edición 11 de Estación Verano tendrá como sedes el propio Museo Nacional de los Ferrocarriles Mexicanos, el IMAC, el Teatro de la Ciudad, además de las 17 juntas auxiliares del municipio de Puebla y algunos de los museos ferrocarrileros del país.

“Parte importante de este proyecto ha sido la valiosa colaboración de instituciones públicas y de gobierno, así como de los colectivos, artistas independientes y gestores culturales”, destaca el MNFM.

En ese contexto, acota, destaca la participación de la comunidad estudiantil universitaria que, desde el 2016, se ha sumado a Estación Verano impartiendo talleres, gracias a la convocatoria que hace el MNFM para la liberación de servicio social y prácticas profesionales, misma que este año se publicará el 9 de abril y estará abierta hasta el 31 de mayo.

Resalta que en sus 10 años de realización, el programa ha tenido un crecimiento permanente pues ha atendido a más de 52 mil 500 personas y se han realizado 256 talleres, 51 presentaciones artísticas y 80 charlas.

Estación Verano se ha caracterizado también por reflexionar sobre distintas temáticas desde 2007: lo mismo temas como la inclusión, diversidad y los derechos humanos, así como el arte, la ciencia y las nuevas tecnologías, el medio ambiente y la cultura maker, así como el rock.

Para más informes se puede consultar el sitio electrónico museoferrocarrilesmexicanos.gob.mx o al correo electrónico Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo..