Cultura y Espectaculos

http://www.museosdetlaxcalaitc.mx/museo-de-arte-de-tlaxcala/
Sobre el Museo
El Museo fue inaugurado el 27 de mayo de 2004, con la misión de presentar a los visitantes las tendencias de las artes plásticas contemporáneas tanto nacionales como internacionales, en su visión se propone posicionarlo como un referente regional muy atractivo para visitarse por los conceptos de sus exposiciones.
Cuenta con un acervo de 6 obras de la época temprana de Frida Kahlo, año de 1927. Tiene 5 salas de exposiciones temporales; y cuenta con un centro de documentación, investigación, análisis y registro de las artes visuales en Tlaxcala.

La casa que lo alberga es de 1898 y durante varias décadas fue ocupado por el Juzgado de Distrito, en los 50’s el Titular fue el poeta y dramaturgo Miguel N. Lira, amigo muy cercano de Frida y quien tenía las seis pinturas que la pintora le obsequió. Además de la exposición permanente, se tiene una exposición unitaria denominada "Artista Tlaxcalteca del Mes" para promover a los creadores locales así como exposiciones temporales.
CONTACTO

Armando Díaz de la Mora,
Director
Miryam Xochitemo Terán,
Administradora
Sinuhé Zárate Méndez,
Servicios Educativos

Teléfono:
(246) 466 03 52
Correo electrónico: Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.
Facebook:
Museo de Arte de Tlaxcala
Horario de Servicio:
Martes a Domingo de 10 a 18 horas
Costos:
Entrada General: $20.00
Estudiantes y Docentes: $10.00
Niños menores de 12 años, jubilados y pensionados entrada gratuita
Los domingos la entrada es gratuita para todos.

Ayer se dieron a conocer los ganadores de los premios de literatura juvenil a nivel nacional
NOTIMEX. EXCÉLSIOR
Emiliano Ruiz Parra obtuvo el Premio Nacional de Crónica Joven Ricardo Garibay.
CIUDAD DE MÉXICO.
Representantes del Estado de México, Jalisco, Chihuahua, Sinaloa, Tamaulipas, Veracruz y la Ciudad de México obtuvieron los premios nacionales de literatura joven 2016, convocados por el Programa Cultural Tierra Adentro de la Secretaría de Cultura federal.
El ganador del Premio Nacional de Crónica Joven Ricardo Garibay, que consta de 100 mil pesos, fue otorgado a Emiliano Ruiz Parra (Ciudad de México), por su trabajo titulado Golondrinas, crónica de un barrio en Ecatepec.

De acuerdo con el jurado, se trata de “un texto que narra de manera coral la historia de un lugar, en este caso una colonia del Estado de México; un sitio que concentra las problemáticas urgentes que aquejan al país”.

En tanto, el Premio Nacional de Ensayo Joven José Vasconcelos, organizado por la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca y que otorga un estímulo de 70 mil pesos, se concedió a Mariana Itzel López Oliver (Ciudad de México) por la obra Aves migratorias.

En este trabajo destaca la consistencia intelectual y unidad lógica para ensayar sobre la migración desde lo excéntrico, logrando una correspondencia entre el discurso y la forma, además de reflexionar implícitamente sobre las potencialidades del ensayo.

Edgar Camacho Gutiérrez (Toluca) se hizo merecedor del primer Premio de Novela Gráfica Joven, lanzado en colaboración con el Instituto Queretano de la Cultura y las Artes dotado con 100 mil pesos, por su obra Piel de CebollaBef Micro.

Mientras que Erika Marcela Zepeda Montañez (Guadalajara) fue ganadora del Premio Nacional de Cuento Breve Julio Torri, que está dotado con un estímulo económico de 100 mil pesos, por su texto 63 señoritas condenadas a la desolación.

El Premio Nacional de Cuento Joven Comala, lanzado en conjunto con la Secretaría de Cultura de Colima se otorgó a Irma Aniela Rodríguez Zapata (Chihuahua) por la obra El problema de los tres cuerpos.

El Premio Binacional de Novela Joven Frontera de Palabras/ Border of Words, convocado junto con el Centro Cultural Tijuana y la Secretaría de Relaciones Exteriores le fue concedido a Hermann Gil Robles (Culiacán, Sinaloa) por La ciudad del olvido.

Un Backgammon fue la propuesta con la que Carlos Manuel del Castillo Rodríguez (Tampico, Tamaulipas), ganó el Premio Nacional de Poesía Joven Elías Nandino 2014, dotado con 100 mil pesos.

CENTRAL. Algarabía

Grande y hacia arriba o suave, chiquito y hacia abajo... ¿Has pensado qué dice de ti cómo firmas y escribes?
La revista central nos comparte las claves para descifrar tu personalidad, analizando la forma en que uno firma y escribe, de acuerdo con una entrevista realizada a la perito grafóloga Susana Fernández.
«El texto es el "yo verdadero", cómo te sientes y eres realmente. La letra redondita nos habla de cortesía, dulzura, amabilidad, y sobre todo de un trato formal, cortés y amable. El que sea cuadrada refleja el intento por mantener todo bajo control. La ‘o’ cerrada indica que se cuidan mucho las palabras y cómo se expresan las cosas, y el que sea grande habla de una autoestima alta. Esta persona es alegre porque la letra ‘brinca’: sube y baja, y es de tamaño grande. La letra pequeña se relaciona con baja autoestima o personas introvertidas, cautelosas, cuidadosas, más analíticas y racionales que emocionales y sociales.
¿Cómo firmas?
En la firma vemos el "yo social", cómo eres ante grupos sociales: escuela, trabajo, amigos, familia. El que vaya hacia arriba indica que es visionaria y le gustan los retos; se propone metas altas pero es realista, porque cuando la firma es demasiado vertical hablamos de personas trepadoras, a quienes no les interesa el medio con tal de lograr el fin.
Tip: No confíes en la gente que firma con un garabato porque significa que ni ellos saben lo que quieren ni cómo conseguirlo.

¿Cómo haces los números?
Dependiendo qué tanto "adornes" el uno es qué tan competitivo eres, si te gusta destacar, si haces las cosas por ti o por los demás. El dos habla de la pareja, de qué tanto tienes que admirarla, qué tan exigente eres. El tres, seis, siete y nueve no nos dicen nada realmente importante. El cuatro indica qué tan estructurado, ordenado y organizado eres. El cinco es cómo administras tu dinero, si te gusta gastar o ahorrar. El ocho representa las metas; dependiendo de qué círculo es más grande, éstas son más ideales –el de arriba– o más materiales –el de abajo.
Lee: ¿Qué significa escribir bien?
¿Sube o baja?
Si al escribir en una hoja en blanco el renglón baja, significa que la persona está triste, deprimida o desmotivada. Que vaya hacia arriba es sinónimo de alegría, entusiasmo y ganas de hacer algo.
Otro detalle a considerar: lo apretado de las letras. Dependiendo qué tan pegadas o separadas estén, hay mayor o menos estrés, tensión y apego.
¿Plumón, pluma o lápiz?
Las personas que prefieren escribir con plumón son hedonistas, buscan el placer en todo; tienen mucha fuerza de voluntad, les gusta llamar la atención, no ceden fácilmente... Quienes eligen el bolígrafo tienen buena capacidad de organización y desean encontrar el equilibrio entre el entorno privado y público. El lápiz es el favorito de la gente perfeccionista, observadora, que se fija mucho en los detalles.
Grafoterapia se le llama al tipo de terapia que consiste en modificar el rasgo de la letra a fin de cambiar un aspecto de la personalidad. Digamos que al hacer consciente el proceso neurofisiológico que conlleva el acto de escribir se voltea la situación: la mano le dice al cerebro cómo actuar.

Se puede usar para fines de orientación vocacional, es decir, aconsejar a los jóvenes qué estudiar, dónde trabajar, a qué dedicarse. También sirve para contratar personal en una empresa, detectar enfermedades y, desde luego para cuestiones judiciales: descubrir tendencias criminales y en casos de divorcio, quién es más apto para cuidar a los hijos.»

Por Xabier F. Coronado. La Jornada
No entiendo por qué la vida es como es. Tampoco alcanzo a imaginar cómo podría ser de otra manera.
J. E. Pacheco, El principio del placer

El escritor pone en palabras lo que quiere registrar. Tal vez éste sea su primer objetivo: dejar constancia. El segundo, sin duda, es compartir un texto donde puede revelar desde una anécdota a un estado de ánimo, contar historias o desarrollar ideas. Llamamos hacer literatura a elaborar un discurso creativo susceptible de ser leído y, por lo tanto, compartido. Dos sujetos intervienen: el autor, que redacta el texto, y el lector, que lo procesa y asimila.
Algunos escritores resultan difíciles, se dirigen a un tipo específico de lectores, experimentan o escriben para sí mismos. Otros se esmeran en ser comprendidos y buscan la forma de llegar al mayor número de personas. Cada autor tiene motivos para escribir y compartir obras donde plasma su manera de ver la vida, cada lector sentirá más o menos afinidad hacia ellas dependiendo de su naturaleza y forma. Nos identificamos con un texto por el lenguaje que emplea o las historias que narra. No se trata de estar de acuerdo; la comunión entre los dos sujetos se produce cuando el lector se da cuenta que leer es algo compartido porque interpreta lo que el escritor comunica.
Un autor mexicano, José Emilio Pacheco (1939-2014), hace sentir esa complicidad a los lectores. Sus temas torales: la infancia, la escuela y la familia, la tiranía del tiempo, el deterioro y el fracaso generalizado o el devenir de la historia, son cuestiones que a todos nos incumben. Sus relatos y poemas están escritos con la maestría precisa de la simplicidad, accesibles a la mayoría, con independencia de la formación o nivel de estudios. Verdadero ejercicio de literatura compartida.

Narrativa y poética

La poesía es la sombra de la memoria/ pero será materia del olvido.
J.E. Pacheco: “Escrito en tinta roja”

José Emilio Pacheco, escritor integral y comprometido con la literatura, es considerado sobre todo poeta, aunque sus textos más leídos corresponden a su trabajo narrativo. Desarrolló casi todos los géneros literarios: publicó libros de poesía, narración y ensayo; incursionó en el guión cinematográfico (El castillo de la pureza) y fue traductor de Tennessee Williams y t.s. Eliot, entre otros autores. También fue promotor de lectura, dirigió la colección Biblioteca del Estudiante Universitario de la unam, crítico literario y columnista cultural de diversas publicaciones.

Lector y escritor precoz, publicó en revistas escolares y universitarias. Formó parte del grupo que se reunía en casa de Juan José Arreola a finales de los años cincuenta; José Emilio Pacheco participó en la transcripción de la obra Bestiario: “no es un libro escrito, su autor lo dictó en una semana”, recuerda en su artículo “Amanuense de Arreola” (Tierra Adentro núm. 93). Colaboró, como otros jóvenes escritores, en el suplemento del periódico Novedades, México en la Cultura, dirigido por Fernando Benítez. Desde 1973 escribió su reconocida columna “Inventario”: primero en Diorama de la Cultura, suplemento de Excélsior, y después en Proceso, donde llegó siguiendo a Julio Scherer. Su último “Inventario”, publicado el 26 de enero de 2014, dos días después de su muerte, “La travesía de Juan Gelman”, reflexionaba sobre la desaparición del colega y amigo.
Sus primeros relatos se reúnen en el volumen La sangre de Medusa (1959), de la colección Cuadernos del Unicornio dirigida por Arreola; según su autor, “son los primeros cuentos mexicanos que ostentan el influjo descarado de Borges”. En la siguiente década publica, en diferentes géneros, los cuentos de El viento distante (1963), los poemas de Los elementos de la noche (1963) y El reposo del fuego (1966), y su novela Morirás lejos (1968), que son, en palabras de Vicente Quirarte, “cuatro libros perfectos donde tradición y vanguardia, clasicismo y experimentación se dan la mano en los trabajos de un autor que parecía haber nacido hecho”. En 1969 aparecía un nuevo poemario: No me preguntes cómo pasa el tiempo.
Los cuentos y relatos recogidos en volúmenes como El principio del placer (1972) y la novela corta Las batallas del desierto (1981), se han convertido en lectura de referencia para la juventud mexicana. Pacheco es un escritor apreciado, pues comparte el protagonismo con el lector: escribe experiencias con la claridad de dirigirse a quienes también las viven. Casi todos tuvimos en la adolescencia nuestra Mariana; fuimos obligados a sobrevivir en ese medio hostil que es la escuela; tenemos una familia; habitamos escenarios que se deterioran; estamos encerrados en una jaula de tiempo y adoptamos la estrategia del fracaso porque vivimos en un mundo donde el desatino desarrolla su obra fatal. Por eso los lectores se identifican con su narrativa y su poesía, la consideran cercana y se sienten parte de un “nosotros”, sujeto literario que se infiere en una obra compartida, despersonalizada.
Es poeta que puede integrarse en un grupo de escritores latinoamericanos –entre los que están Roque Dalton, Ernesto Cardenal, Enrique Lihn o Juan Gelman– que desecharon cánones que ya no servían para contar la realidad de su época: cambian el sujeto lírico y versifican el relato del hecho cotidiano, el instante atrapado o la denuncia social. A lo largo de su obra, Pacheco explica de manera reiterada lo que busca en la poesía; en “A quien pueda interesar”, nos lo dice de forma clara y precisa: “A mí sólo me importa el testimonio/ del momento inasible, las palabras/ que dicta en su fluir el tiempo en vuelo./ La poesía anhelada es como un diario/ en donde no hay proyecto ni medida.” (Irás y no volverás, 1973).
Poesía de observación, recuerdo literario en lenguaje preciso; la emoción del momento narrada en relatos cercanos, conocidos. La historia de una época perdida, el pasado condensado en el presente, rescatado del olvido. Pacheco explora la naturaleza del espacio humano, un mundo dual de contrarios que en su correlación con el escritor nos deja una obra en perpetuo movimiento. Una poética de la desolación frente al poder destructivo de la humanidad.

Aproximaciones y reescritura

El gesto individual del poeta se inscribe en el marco de una tradición y la prolonga, reinterpretándola.
José Miguel Oviedo

Una faceta interesante de la poesía de José Emilio Pacheco es el juego literario que realiza en sus “aproximaciones”: práctica donde se entrecruzan lectura y traducción, reproducción y creación literaria. Un ejercicio en la línea de Versiones y diversiones, de Octavio Paz; y Baile de máscaras, de Jaime García Terrés. En 1984 se publica el volumen Aproximaciones (1958-1978), que recopila las traducciones y versiones incluidas en sus libros. Una manera de rehacer voces e impresiones sujetas en el devenir del tiempo por diferentes autores.

Nuestras lecturas –al igual que la educación, los estudios, el trabajo o el ocio– nos pertenecen, las procesamos y transformamos, se vuelven parte de nosotros. La literatura es un bien común compartido por escritores y lectores, por traductores y críticos. Existe una trama de palabras, frases, ideas y conceptos, formada por el diálogo que se establece entre autores de todos los tiempos. A esta red acceden los nuevos escritores cuando se sumergen en el río permanente de la tradición literaria –siempre igual pero siempre distinto– para profanarlo con la esperanza de no perecer ahogados y encontrar un espacio propio en el flujo único de la literatura universal.
Para j. e. Pacheco, traducir un poema en otra lengua requiere “un texto análogo y distinto, una aproximación a su original”. Afirmaba que “las versiones deben de formar parte de la obra de un poeta”, y reconocía: “La tarea de la traducción se ha hecho inseparable de mi propio trabajo en verso.” (“Paz y los otros”, Letras Libres, 2002). Los títulos tomados en préstamo, las frases e ideas desarrolladas, las versiones y citas en su obra, dan cuenta de ello. Entre otros ejemplos, toma de un poema de Enrique Lihn el epígrafe para Ciudad de la memoria (1989); el título de Miro la tierra (1986), coincide con un poema de Rafael Alberti, y “Las ruinas de México (Elegía del retorno)” –que versifica el terremoto del ’85–, se extrae de un poema de Luis g. Urbina.
Pacheco desarrolla particulares relaciones inter-textuales con la convicción de que toda poesía supone un préstamo porque es algo compartido. En sus libros hallamos “homenajes” a otros autores, poemas “a la manera de”, e hipotéticas conversaciones entre poetas, “Vallejo y Cernuda se encuentran en Lima” (1973) o “Bécquer y Rilke se encuentran en Sevilla” (1989). En “¿Qué tierra es ésta? Homenaje a Rulfo con sus palabras” (Islas a la deriva, 1976) reproduce expresiones obtenidas del relato “Nos han dado la tierra”, de El Llano en llamas.
En su carta “En defensa del anonimato”, j. e. Pacheco afirma querer velar la figura del autor para lograr “una poesía anónima ya que es colectiva [...] A eso tienden mis versos y mis versiones [...] Llamo poesía a ese lugar de encuentro con la experiencia ajena.” Tal vez por eso firma con heterónimos la mayoría de sus “Aproximaciones” y los utiliza para exponer ideas literarias. Uno de ellos, Julio Hernández, afirma: “La poesía no es pro-piedad de nadie, se hace entre todos”, para ratificar algo ya dicho por Lautréamont (La poésie doit être faite par tous). Además, Pacheco coincide con Borges en que el repertorio de posibilidades en literatura es restringido; con Paz, en que el propio lenguaje es el autor de un poema; y con Virginia Wolf, en que la literatura tiene orden y existencia simultáneos.
Quizás por todas estas certezas José Emilio Pacheco supo desde el principio que sólo es posible hacer literatura partiendo de ella misma: “En una época en que se perseguían como crímenes las ‘influencias’ ylo ‘libresco’, mucho antes de que se formulara el concepto de intertextualidad, estos relatos se atrevieron a tomar como punto de partida textos ajenos y a creer que lo leído es tan nuestro como lo vivido” (Nota preliminar en La sangre de Medusa y otros cuentos marginales, 1991).
En el Apéndice final de su volumen No me preguntes cómo pasa el tiempo, publicó “Cancionero apócrifo” que incluye obras de sus heterónimos: “Legítima defensa”, del ya citado Julián Hernández; y “Los amores (Estudio y profanación de Pierre Ronsard)”, de Fernando Tejeda. En Como la lluvia (2009), reincide con los “Once poemas dementes” de otro heterónimo, Alonso Cañedo.
Al practicar el juego intertextual el autor ejerce su derecho a reescribir porque la literatura es un lugar de encuentro. La reescritura es “un nuevo texto que se sobreimprime en otros textos preexistentes” (José Miguel Oviedo, La hoguera y el viento. José Emilio Pacheco ante la crítica. Edición de Hugo j. Verani,1987), la consecuencia de ese diálogo entre autores por su doble condición de escritores y lectores: “Ycada vez que inicias un poema/ convocas a los muertos/ Ellos te miran escribir/ te ayudan.” (“d. h. Lawrence y los poetas muertos”, 1973)
Pacheco busca en la reescritura de su propia obra la precisión del lenguaje al liberarlo de la sujeción en el tiempo. Palabras y versos se modifican respecto a versiones publicadas con anterioridad, y esos cambios se incorporan en las sucesivas ediciones, desde 1980 a 2009, de Tarde o temprano (fce), donde se compila su obra poética.

La estrategia del fracaso

Sin excepción nacemos/ para el fracaso./ La derrota/ es el destino único para todos. Nadie se salva.
J.E. Pacheco, “Juan Carlos Onetti en Santa Elena”

José Emilio Pacheco nos deja una obra que, movida por el desaliento y alimentada por el desarraigo que da la certidumbre del exilio vital en esta tierra, adopta la estrategia del fracaso. Poesía doliente y atormentada que busca con desasosiego salidas imaginadas. Existencialismo íntegro que todo lo observa para enfrentar su visión implacable del tiempo. Poesía de la impotencia que, al aceptar su inutilidad, se vuelve real y desesperadamente útil.

A pesar de que, como dice Elena Poniatowska, “las profecías y el pesimismo de José Emilio Pacheco han sido totalmente desbordados por la realidad” (Verani, 1987), ese desaliento visionario y turbador del poeta deja visos de esperanza, no de que se pueda evitar la catástrofe sino de una regeneración posterior al desastre. Por eso, para concluir, sólo resta recordar estos versos abiertos a la idea de unirnos para hacer algo nuevo cuando se confirme el fracaso y todo se destruya. Una creencia que hay que mantener viva ante la desolación de los tiempos que nos toca vivir:
con piedras de las ruinas, hay que forjar
otra ciudad, otro país, otra vida. •

El tenor Plácido Domingo, presidente y fundador de Operalia, dijo ayer que la edición 24 del certamen es la más reñida de su historia

ADRIANA LUNA. EXCÉLSIOR
La edición 24 de Operalia, con sede en México, se ha convertido en la más reñida de su historia por la calidad de las voces jóvenes, reconoció el director del certamen, Plácido Domingo.

El tenor español se mostró emocionado ayer por regresar al Teatro Degollado, lugar en el que hace 65 años correteaba por pasillos y camerinos —rondaba los diez años de edad— acompañado de su hermana, mientras sus padres Pepita Embil y Plácido Francisco Domingo ensayaban sus espectáculos de zarzuela. Posteriormente, cuando cumplió 17 éste fue el escenario que le vio nacer como artista. Y hoy consagra a Operalia, competencia de la que han surgido reconocidas figuras de la lírica en el mundo.

El nivel de las voces mexicanas va reclamando su espacio, pues tres de los 28 finalistas son de origen azteca. Sobresale la soprano tapatía Anabel de la Mora.

“Me llena de orgullo pasar el eslabón, o la estafeta si estuviéramos en los Juegos Olímpicos, a los cantantes. Esos que ganaron hace 24 años ya son cantantes que hoy en día tienen 50, es toda una generación. Esta edición de Operalia creo que será la más difícil de toda la historia, los elementos son extraordinarios. Llegaron seis mexicanos a concursar, a semifinales han pasado tres cantantes. Es dificilísimo, porque si oyen ustedes la calidad de las voces verdaderamente es un triunfo ya para todos los que han pasado a semifinales”, explicó el tenor español.

El próximo domingo la gran final se transmitirá por televisión, mientras que las eliminatorias se transmiten en vivo vía streaming. Durante dos décadas se ha mantenido la competencia sin contaminación externa debido, dice, al ambiente sano en que viven los debutantes.

“Lo más importante es el ambiente y la amistad entre ellos. En otros concursos los participantes ya han hecho bastante sacrificio para poder costearse el viaje, el hotel, los alimentos. (En cambio) aquí llegan a concentrarse en el canto y a hacer nuevos amigos y a llevarse un recuerdo imborrable de una ciudad; eso hace al concurso diferente. También el hecho de que los jueces son personalidades de los teatros más importantes en el mundo y ustedes los ven apuntando no sólo a los cantantes triunfadores, escuchan a todos. No sólo los triunfadores obtienen algo. Después les doy un seguimiento personal a los cantantes que me han impresionado. Todos se llevan algo positivo”, añadió.

El abanico de posibilidades se abre con los grupos de teatro que cuentan con programa especial para jóvenes cantantes. Incluso Domingo sueña con tener un teatro con todo su personal desde producción hasta cantantes, con gente nueva que trabaje bajo contrato por dos años y que vaya creciendo. Además que al final del espectáculo sean aplaudidos todos por el público saturado de gente joven.

Avalancha de pop

“Un público nuevo que venga casi gratis a las funciones. Ese es el público que no va a la ópera, que dice ‘no me gusta la ópera’, es porque sencillamente no lo puede pagar y otros porque no han ido, no les interesa. La música pop es una avalancha sobre la música clásica. El porcentaje que tenemos los artistas clásicos con los populares no se puede ni comparar”.

Operalia en esta edición reúne a 40 participantes de entre 18 y 32 años de edad, originarios de 16 países.

Guadalajara en el alma

El cantante español recordó cómo su madre era un imán para el público tapatío y en especial compartió el momento en que le salvó la vida a una niña.

“Mi madre estaba cantando Molino de viento, y en el momento en que estaba cantando una frase muy suavecita, una parte divina de la zarzuela, vio que una niña se caía del quinto piso. Mi madre dio un grito: ¡Ayúdenla! Y un soldado pudo amortiguar el golpe. Tuvo una fractura tremenda, pero el público dijo: ‘la voz de Pepita ha salvado a la niña’. Es increíble”.

“Es una doble emoción para mí estar en Guadalajara, desde el punto de vista profesional como el cantante y desde el familiar. Toda la familia Domingo tiene una historia muy grande y bonita; para mis padres Pepita Embil y Plácido Domingo —se emociona al punto del llanto, pero logra contenerse— que pisaron este escenario maravilloso cientos de veces. El público de Guadalajara es el que ama más la zarzuela en todo el mundo. Si hay un lugar donde puede resurgir la zarzuela es aquí.

“Llevo a Guadalajara en el alma, porque no puedo olvidar que di mis primeros pasos artísticos aquí. Esta ciudad acogió a mis padres, a mi hermana y a mí desde chiquitos, a mi tía que era una segunda madre”, aseveró el tenor.

Reconoce que la industria de la música clásica se encuentra en crisis, le apuesta no sólo a encontrar nuevos valores sino también a la atracción de nuevos públicos.

Educación contra violencia

“La música, inconscientemente, puede ayudar a tener un mundo mejor”, expresó Plácido Domingo al tiempo que lamentó los recientes ataques terroristas en Francia. El tenor considera que la música “es un sedante” que lleva consuelo a quienes han pasado por alguna tragedia y está convencido de que sólo la enseñanza musical desde niveles de educación básica puede significar un cambio.

“Yo quisiera poder establecer que en nuestros países la música se enseñe por mandato en las escuelas. Hay gente con una inteligencia muy fina que podría enseñar música clásica a los niños en la escuela sin que se dieran cuenta. La historia de las óperas, la historia de las sinfonías enseñándoselas de una manera divertida... Me gustaría poder vivir unos años más para poder realizar eso”.

Placa por 150 años del Degollado

El tenor Plácido Domingo, acompañado del gobernador de Jalisco, Aristóteles Sandoval, y la titular de Cultura local, Myriam Vachez Plagnol, develaron una placa conmemorativa por el 150 aniversario del Teatro Degollado —a cumplirse el próximo 19 de septiembre—, “tan querido” por el intérprete.

Las voces mexicanas en competencia

De los 40 seleccionados para competir en el Concurso Internacional de Canto Operalia 2016, fundado y presidido por el tenor Plácido Domingo, sólo 28 aseguraron un lugar en la fase de semifinales, entre los que se encuentran tres mexicanos: la soprano Anabel de la Mora, el tenor Fabián Lara y el barítono Juan Carlos Heredia.

Así lo anunciaron ayer los organizadores de la competencia, quienes aseguraron una final cerrada el próximo domingo, donde hasta ahora también han brillado tenores de la talla de Kang Wang, Brenton Ryan, Benjamin Bernheim, y sopranos como Aviva Fortunata, Marcelina Beucher y Elena Stikhina, así como la mezzo J’nai Bridges.

En entrevista con Excélsior, De la Mora (Guadalajara, 1986) confesó hace unos días que lo más importante para ella en este certamen es ganar: “A un concurso vas a eso: a ganar. Es una de las cosas principales, pero sabemos que un concurso es impredecible, pues no se sabe qué podría pasar en el proceso. No obstante uno va con la mentalidad de llegar a la final y qué mejor que ganar algo, se trata de un escenario que abre muchas puertas. ¡Así que voy con todo!”

Fabián Lara (Puebla, 1988) destacó que no sólo se trata del mejor concurso del mundo, donde estarán los ojos de Plácido Domingo y de numerosos directores de ópera de todo el mundo, “así que para mí lo más importante en esta competición es que me escuchen los directores... aunque claro que apuesto por ganar”.

Y Juan Carlos Heredia (Chihuahua, 1988) reconoció que éste es uno de los momentos más importantes del año, “una gran oportunidad para estar cerca de Plácido Domingo y de las personas que rodean a este concurso. Así que será algo muy relevante, donde lo más importante será acercarme a la final y después... lo que venga será gigantesco”.

La ronda de semifinales comenzó ayer por la tarde en el Teatro Degollado, de Guadalajara, y aunque la lista de finalistas se dará a conocer hoy, el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) ya anunció la transmisión en vivo de la competencia, en la pantalla gigante del corredor Ángela Peralta, a un costado del Palacio de Bellas Artes a partir de las 18:00 horas, y vía streaming desde el link: livestream.com/inba.