Cultura y Espectaculos

Éxitos pasajeros

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 17 Octubre 2016 Visto: 2671

exitos pasajeros Algarabía
Gustavo Vázquez-Lozano

The Beatles consiguieron llegar 20 veces al #1 de las listas desingles —algo que nadie ha logrado repetir—; los que se han acercado son Elvis Presley, con 17, y The Supremes, con 12.
Pero, ¿quién se acuerda de The Escape Club, que al igual que muchos otros, tuvieron un solo éxito para después desaparecer? Eso sí: fueron éxitos tan rotundos que aún se niegan a extinguirse –seguramente todas éstas canciones las has tienes guardadas en tus listas de reproducción. Ninguna es mejor que la otra, todos son grandes éxitos.
10. The Turtles
«Happy Together» (1967)
9. The Archies
«Sugar, Sugar» (1969)
8. Pilot
«Magic» (1974)
7. The Knack
«My Sharona» (1979)
6. The Buggles
«Video Killed the Radio Star» (1979)
5. Survivor
«Eye of the Tiger» (1982)
4. Nena
«99 Luftballons» (1983)
3. A-ha
«Take on Me» (1985)
2. Europe
«The Final Countdown» (1986)
1. Midnight Oil
«Beds Are Burning» (1988)

Cine nutrido de expresión, vital manifestación

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 17 Octubre 2016 Visto: 2540

cine nutrido Algarabía
Itzel Fernández Ortega

El documental, bien podría decirse, nació desde que los hermanos Lumière se encargaron de «proyectar la realidad» de las personas, sin embargo, no fue hasta el siglo XX que el documental comenzó a tomar forma, en aquella época el sistema de sonido se integró a la película, entonces el discurso de estas imágenes daría paso al cine documental.
Más tarde, en 1960, la segunda renovación del documental se dio gracias a tres condiciones: el gradual interés por darles voz a los personajes, y desplazar las miradas hacia ellos; el creciente papel de los medios de comunicación en la vida cotidiana, la cual no sólo comenzó a difundir imágenes de la vida cotidiana, también construyó un lenguaje que más adelante adoptaría el documental, éste tomaría algunas técnicas periodísticas y, finalmente, los avances tecnológicos que facilitaron considerar las múltiples visiones de la realidad.
Durante 1940 a 1960, las guerras fueron un aliciente para mostrar, por medio de la propaganda, los discursos predominantes en cada sociedad.
Por supuesto, esas condiciones, hoy se consolidan más que nunca. Nos encontramos en una época en la que el documental ha encontrado mejores condiciones para mostrarnos diversos temas, ya sean de índole social, científico, cultural o político. Cualquier tema puede ser abordado mientras tenga un objetivo preciso de comunicación: presentarnos una parte sustancial de lo real, probablemente la menos considerada o desde otra perspectiva, apegada lo más posible a la objetividad.
Y en ese afán por no dar nada por hecho ni descuidar puntos de vista, el cine es sustancial.
Perspectivas rebasadas
Por supuesto, el documental ha encontrado otra manera de hacer cine y como tal se empeña en reconstruir otros mundos, incluso, un sólo tema de nuestra realidad puede tener múltiples apreciaciones.
Significa que los formatos tradicionales como los informes periodísticos, programas de investigación, el video-arte, el falso documental, el docudrama, etcétera, se han mezclado para dar paso a esta «afección posmoderna», llamada postdocumental. Sin embargo no son los formatos ni el proceso cinematográfico lo que inquieta a los expertos de la materia, preocupa la ética del documentalista al mostrarnos una realidad que parece traída de un mundo ficticio, pues en su labor por emparentar el lenguaje artístico con el documental, las fronteras entre la ficción y la realidad se trastocan.
Otras de las peculiaridades que definen al cine documental en la actualidad son:
• Imágenes de archivo para tener el pasado como referencia y le da mayor peso al discurso.
• Planos y movimientos de cámara como recurso estético y retórico para presentar el tema del documental.
• El uso del «cine domestico»: grabaciones como el medio para mostrarnos el realismo cotidiano.
• El tratamiento del sonido: una de las particularidades más importantes del cine, en este género es un recurso para matizar y dar énfasis a las escenas –argumentos de la postura que definen el documental.
• Tendencia a denunciar problemas sociales: hoy los documentales no sólo pretenden informar, son expresiones con injerencia en la realidad.
• El interés por mostrar personas alejadas de los medios masivos de comunicación.
• Una fuerte posición ideológica del realizador. El discurso que lo conforma podría basarse en un ensayo.
El cine documental de la actualidad destaca por cuestionar la realidad representada.
La construcción narrativa de su realizador combina: la postura estética –el cómo muestra la realidad–; la postura ética –el qué es lo que está mostrando–; y una postura retórica –la coherencia y elocuencia en su narrativa–. Aquí y ahora se ha vuelto el momento propicio para dar el espacio que merece el cine documental.
Próximamente se celebrará el Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México, ahora llamado DocsMX, en su décima primera edición, se proyectarán 92 documentales, miradas de todas las partes del mundo ofrecerán temas divididos en 12 secciones: Around the Cities, Breaking Docs, Cinepoème, Doctubre Mx, Docuthriller, Fragmentos, Hecho en México, Más rápido, más alto, más fuerte; México ópera prima, Nuestra América, Otro mundo es posible y Retratos.
Aquí te presentamos cinco documentales imprescindibles que podrás ver del 13 al 22 de octubre:
Las raíces permanecen
(Camboya, Canadá, 2015)
Andrew Marchand-Boddy y Jean Sébastian Francoeur nos presentan la historia de FONKi, quien regresa a su natal Camboya para pintar el mural de sus familiares muertos en el genocidio. En ese trayecto, vemos a una moderna Camboya en las que aún las raíces permanecen.
Disidentes digitales
(Alemania, 2015)
Cyril Tuschi nos muestra la lucha de algunos disidentes de la era digital, como Edward Snowden o Julian Assange, quienes por luchar por la trasparencia y la privacidad hoy viven encarcelados o en el exilio. Tuschi nos muestra a aquellos a quienes, algunos han considerado héroes, mientras otros los tratan de traidores.
Cannabis en Uruguay
(Uruguay, 2015)
Nos cuenta el proceso que vivió Uruguay, desde sus circunstancias políticas, sociales y culturales, para legalizar el mercado de la marihuana. El 10 de diciembre de 2013, se convirtió en el primer país del mundo en legalizar el mercado y producción, una propuesta innovadora en todo el mundo. Federika Odriozola, nos cuenta cuál fue el camino y quienes participaron en esta política.
El Paso
(México, Estados Unidos, 2015)
Everardo González nos cuenta historias de reporteros invisibles que hoy viven en un limbo migratorio después de ser censurados, amenazados y perseguidos. Es también un documental sobre la crisis de la libertad de expresión en México.
Ayotzinapa 26
(2015)
Amnistía Internacional reunió 26 cortometrajes de artistas conceptuales, cineastas, e ilustradores de México, Argentina, Francia, Brasil y Bélgica. En ellos no sólo se exige la verdad y justicia de los 43 estudiantes desaparecidos en Iguala, también de 27 mil personas desaparecidas en todo el país. Los documentales son miradas diferentes que se centran en las mismas injusticias.

Busca libertad y autonomía Andrea Fraser en el MUAC

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 17 Octubre 2016 Visto: 2558

busca libertad Excélsior
La crítica de arte y creadora visual estadunidense reflexiona en su primera retrospectiva sobre su propia obra, creada a lo largo de 30 años
CIUDAD DE MÉXICO.
Las palabras articuladas con detalle de Andrea Fraser (Montana, 1965) proyectan genialidad. Revelan su pensamiento transgresor. Ése que sacude la estructura del arte. En entrevista, a propósito de su primera retrospectiva en México, la artista habla de autonomía. Confiesa su deseo por la fama, la que su madre, también artista, no obtuvo. Se dice despreocupada por las polémicas en torno a su obra. Se pregunta qué espera del arte y duda de su respuesta.
En 30 años de hacer crítica, ¿cómo ha evolucionado su percepción?
Cuando empecé tenía un acercamiento como una artista que se enfrentaba y tenía que trasgredir activamente; pero conforme aprendí de los artistas de la primera generación de la crítica institucional, me di cuenta que eso también es un mito, y la crítica institucional y el artista como crítico son un mito. El artista desarrolla un rol igual de importante que el museo. Cuando entendí esto, la división entre museo y artista se disolvió.
¿Esta idea tiene que ver con usar su cuerpo. Ser parte de la obra y la crítica?
Yo distingo entre un actor y performancer, en que el actor se esfuerza por convencer que está representando a otro personaje, y yo en el performance me esfuerzo por mostrar una versión de mí. La manera en que entiendo la crítica institucional y la función de mi trabajo es tener una reflexión desde mí misma, desde mi propio cuerpo, mi experiencia. Entonces la crítica tiene que pasar por mí.
En la muestra está el concepto de museo...
Me atraen las ideas del pensador David Amstrong sobre que las instituciones viven en nuestra mente. El museo no es la institución, sino una construcción inerte sobre la que el artista proyecta sus propias versiones. Entonces, la mayoría de las veces lo que está en las paredes es una versión de lo que son los artistas. La institución es un ventrílocuo inerte en el que los artistas proyectan la información que quieren.
¿Esta transgresión en su obra ha tenido efecto?
Veo la relación de mi trabajo en tres modos. Primero persona a persona; me interesa que el cuestionamiento que planteo se pueda interiorizar en la gente. Segundo, el impacto a través de la prensa, cuando una obra rebasa el ecosistema del arte y entra a un sistema de representación, pero desconfío porque ahí están las políticas del escándalo. Y la tercera manera es el sentimiento que mi producción pueda tener en otros artistas, un impacto en la estructura institucional. Creo que sí hay una repercusión de mi trabajo.
¿Habla de libertad y autonomía en el arte, usted encontró esta libertad?
De los 30 años que llevo estudiando las prácticas del arte, uno de los temas que más he estudiado son las contradicciones de la autonomía del artista. Por un lado, creo en la autonomía de una manera muy específica en la forma social; por otro lado, creo que es un mito. Los artistas son como cualquier profesional, son una construcción cultural, y parte de esta autonomía es una creación de esta infraestructura. De alguna manera, yo como artista soy producto de esto.

Premian la brevedad de Ana María Shua

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 17 Octubre 2016 Visto: 2666

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La trayectoria de la escritora argentina fue reconocida ayer en la Feria Internacional del Libro en el Zócalo
CIUDAD DE MÉXICO.
La escritora argentina Ana María Shua recibió el primer Premio Iberoamericano de Minificción Juan José Arreola, en el marco de la XVI edición de la Feria Internacional del Libro en el Zócalo de la Ciudad de México, informó ayer la Secretaría de Cultura capitalina.
Tal y como recoge un comunicado, la escritora dijo estar “enormemente agradecida con todos los involucrados” con el premio.
El secretario de Cultura de la Ciudad de México, Eduardo Vázquez Martín, así como Clara Jusidman, representante del Seminario de Cultura Mexicana, destacaron el trabajo de la autora suramericana.
La autora argentina presentó en este encuentro librero su libro Minificciones: antología personal.
Previo a la ceremonia de premiación fue inaugurado, en el Museo del Estanquillo de la capital, el primer Encuentro Iberoamericano de Minificción, dedicado a uno de los géneros con más auge en los últimos años.
Este coloquio dio inicio con la conferencia La minificción como un indicio de la capacidad de asombro.
El primer Encuentro Iberoamericano de Minificción reunió a autores de países como Nicaragua, Argentina y Perú.
Varios de los artistas invitados leyeron sus minirrelatos, desde Shua al peruano Rony Vásquez o el mexicano José Manuel Ortiz.
El pasado 12 de octubre se dio a conocer que la argentina Ana María Shua ganaba este Premio Iberoamericano de Minificción Juan José Arreola; en tanto que la obraLas tierras arrasadas, del escritor y politólogo mexicano Emiliano Monge, fue la obra ganadora del IX Premio Iberoamericano de Novela Elena Poniatowska.
Shua cuenta con una amplia trayectoria literaria repartida entre el microrrelato, el cuento y la novela adulta e infantil, que se remonta a 1967, cuando publicó sus primeras poesías bajo el título El sol y yo, cuando apenas tenía 16 años. Y es una de las autoras de minificción más reconocidas de Latinoamérica.

Premian la brevedad de Ana María Shua

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 17 Octubre 2016 Visto: 2664

Laguna de Alchichica: aguas azules en cráteres volcánicos

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 12 Octubre 2016 Visto: 3826

laguna de alchichica interiores1 Viridiana Mirón. México Desconocido
En Puebla se encuentra una de las lagunas más grandes del mundo. En ella se dice que viven seres míticos como monstruos y sirenas, ¿ya la conoces?
Al oriente de Puebla, camino hacia Veracruz, se encuentra una gran laguna de color azul. Cuentan las leyendas que en sus profundidades viven monstruos que vienen del mar, mientras que otros afirman que en sus aguas habitan sirenas de cabellos plateados, quienes de vez en cuando dejan escuchar sus cantos.

No sabemos de cierto si en la laguna de Alchichica viven monstruos o sirenas, pero lo que sí les podemos decir es que este lugar está lleno de encanto. Y es que sus aguas cristalinas y las formaciones rocosas que parecen espuma de mar, la hacen diferente de otros lagos y lagunas.

Explora otros lagos de cráter en Puebla

Dicen los habitantes de San José Alchichica y Zalayeta, las dos poblaciones más cercanas a este lugar, que la laguna Alchichica se comunica con el mar, de ahí que sus aguas sean extremadamente saladas. Esta creencia viene de la época pecolombina, cuando se pensaba que los cerros eran como enormes vasos con agua de mar que la filtraban entre sus cuevas y de donde surgían prodigiosamente los lagos.

Rodeada por el Citlaltépetl y la Malinche, es la laguna más grande de México con más de dos kilómetros de diámetro y 35 metros de profundidad. Se formó, como muchas otras lagunas de la zona, en cráteres volcánicos, de ahí esas impresionantes formaciones rocosas que sobresalen del agua con aspecto de corales, las cuales deben su color blanco a la sal seca de sus aguas.

En sus alrededores puedes disfrutar de un día de picnic e incluso puedes nadar en la laguna, pero ¡ojo! son muy frías y muy, muy saladas. Eso sí, el espectáculo es fantástico y cuando te acerques a ella te robará el aliento.

Cómo llegar

Por la carretera 140, que va de Xalapa a Puebla se llega a la laguna de Alchichica, 21 km al sur de Perote.

Crónica visual de los 20; El gran Gatsby, ilustrado

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 12 Octubre 2016 Visto: 2889

visual Una de las obras literarias más relevantes del siglo XX fue ilustrada por el artista visual mexicano Javier Areán
SONIA ÁVILA. Excélsior
El sello Mirlo comisionó a Areán la traducción visual del Gatsby.
CIUDAD DE MÉXICO.
Al enfrentarse por primera vez a la novela El gran Gatsby, el artista Javier Areán (Ciudad de México, 1969) apostó por construir emociones a través de campos de color. Crear una lectura visual de una historia compleja en sí misma. Y lo hizo para la primera edición ilustrada del relato de Francis Scott Fitzgerald que la editorial Mirlo publica en su colección Arte y Letras. Areán fue el encargado de hacer la traducción visual de la que es considerada la mejor novela norteamericana del siglo XX.

Con trazos que forman objetos fetiches —un velero, una bañera o un teléfono— el dibujante construyó una crónica visual paralela a la de Fitzgerald. Produjo imágenes que no ilustran en el sentido literal, sino acompañan la trayectoria del relato. Ese que registra el Nueva York efervescente previo a la Segunda Guerra Mundial. Esa crónica entre ilusoria y real de la gran manzana convertida en la ciudad ficticia de West Egg envuelta en decadencia, idealismo, resistencia, agitación social y exceso.

Eran los años 20 de la época del jazz y el llamado “sueño americano” que ahora quedan proyectados en una treintena de composiciones visuales. Areán señala en entrevista que su mayor reto fue no interrumpir la lectura: “Es un clásico de la literatura estadunidense y decidí tomar ciertos momentos de la novela para describirlos en imágenes, ciertos vacíos que me sirvieron para completarla. Pero mi decisión fue hacerme a un lado y tratar de crear un mundo paralelo, porque los ambientes y las escenas que crea Fitzgerald son de una forma fantástica”, refiere el artista visual con estudios en New School for Social Research de Nueva York.

La novela trata sobre Jay Gatsby, un hombre de gran fortuna y educado en la cultura del crimen organizado. Envuelto en un triángulo romántico con Daisy y en una secuencia de hechos violentos y trágicos que alteraron la cotidiandiad de Nueva York en la primera mitad del siglo XX. Y aun cuando en su primera publicación la obra no consiguió buena críticas, a finales de los años 90 se consideró la mejor novela estadunidense del siglo, justo por retratar el clima social de la ciudad.

“Es interesante, porque el personaje principal por un lado está en este ámbito de glamur y mucho dinero, seguridad, pero por otro lado es una persona que carece de todo eso, del amor, y está tratando de rescatar el pasado, está obsesionado por recuperar el pasado y eso resulta imposible”, comenta Areán, quien propone su intervención al libro como una obra total.

Para la traducción visual, el artista seleccionó momentos específicos de la historia que le sirvieran como hilos conductores. En una primera lectura tomó escenas “vacías”. No en un sentido literario, sino con la posibilidad de desarrollarse en imagen. Así lejos de hacer dibujos saturados, Areán creó piezas sutiles, de trazos sencillos, que juegan más con el simbolismo del color y las formas. Por ejemplo, el personaje Wilson lo dibuja en colores oscuros y claros como referencia a su doble vida. “La composición tiene que ver con la estructura de toda la novela; por ejemplo, Gatsby no se sabe su identidad y por eso lo dibujé sin rostro, como una manera muy consciente para preguntarse quién es esta persona”.

Alejandro Sordo, curador editorial del sello Mirlo, precisa que Areán buscó situaciones no descritas en el espacio literario, y de ahí construyó atmósferas visuales. “El resultado son representaciones conceptuales que exploran los estados de ánimo del lector. Logra que el tránsito del espectador por la lectura sea un acontecimiento de los sentidos”, detalla en el prólogo del libro.

Campos de color

En busca de colores que proyectaran las emociones de la narración, Areán experimentó con la técnica del collage. Sustituyó la tinta por hojas de color. Con estas diseñó los personajes, los objetos y los espacios que luego recortó para ensamblar a manera de rompecabezas. Algunos detalles los precisó con lápices de carbón. Una técnica que, afirma, le permitió maximizar las sensaciones de la novela.

El collage con hojas de colores sustituyó el dibujo a tinta. Areán recortó de las hojas naranjas, azules, negras o amarillas las figuras humanas para luego ensamblarlas en un solo marco. De esta manera, el artista consiguió una intensidad de color para resaltar la historia.

“Nunca había hecho tantas ilustraciones para un libro, solía hacer sólo ilustraciones para las portadas. Por eso pensé que sería mejor usar papel con buenos pigmentos y sobre el papel dibujo y luego recortó los objetos”, detalla el artista que también trabaja con gráfica y pintura.

Entonces según las emociones de la narración, la cromática se repite. Y el color marca el tono de la historia.

Razones para no perderse la muestra de Otto Dix en el MUNAL

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 12 Octubre 2016 Visto: 2628

otto dxix La obra de uno de los máximos representantes del expresionismo alemán llega por primera vez a la Ciudad de México, donde podrán apreciar más de 60 piezas
SWAGGER/CLAUDIA AGUILAR. Excélsior
CIUDAD DE MÉXICO.

Otto Dix es uno de los artistas alemanes más reconocidos del movimiento conocido como ‘Neue Sachlichkeit’ o ‘Nueva Objetividad’, así como del expresionismo alemán. Su obra fue calificada como ‘degenerada’ y padeció los estragos de la Primera Guerra Mundial y del nazismo.

Un artista obsesionado por retratar su realidad, se centró en retratar los contrastes sociales, los estragos de la guerra, los bares, el jazz, el rostro de los marginados, de los habitantes de la noche, la luz y oscuridad de las ciudades, y la doble moral de una civilización en decadencia. Pocos tienen el “estómago” para mirar aquello que él observó.

¿Te atreves? A partir del 12 de octubre, y hasta el 15 de enero de 2017, podrás conocer su obra a través de la exposición Otto Dix. Violencia y pasión que se presentará en el Museo Nacional de Arte como parte del Año Dual Alemania-México.

ENSEGUIDA TE DAMOS SIETE RAZONES PARA VISITARLA:
1. Esta es la primera ocasión en México en la que se presenta una revisión de todos los periodos estéticos de Dix. A lo largo de siete módulos se irá revelando las distintas técnicas y estilos, así como los temas utilizados por el artista durante su carrera, de los que sobresalen los conflictos bélicos, el retrato, el desnudo y la sociedad berlinesa.

2. Verás más de 160 obras de este artista. La muestra curada por Ulrike Lorenz, directora de la Galería de Arte de Mannheim (Kunsthalle Mannheim), presenta pinturas, grabados, acuarelas y dibujos sobre la Primera Guerra Mundial, pasando por los trepidantes dorados años veinte, hasta llegar al neoexpresionismo después de 1945.

3. Podrás mirar los grabados que hizo sobre su traumática estancia en la Primera Guerra Mundial. Por cuatro años, Dix estuvo al frente de este conflicto bélico. Llevó consigo un diario y un pequeño cuaderno en el que realizó una detallada y mórbida crónica de todo lo que presenció en esa época. De ésta surgió la serie Der Krieg (La Guerra), en la que se encuentran retratos de cadáveres de soldados y caballos, trincheras humeantes y heridos de todo tipo.

4. Se exhibe una serie de dibujos en la que representó la prostitución, el puerto y el circo. Algunos se incomodarán, otros no tanto. ¡No se vale taparse los ojos! En sus grabados que forman parte de Muerte y Resurrección, Dix plasmó “el horror y lo grotesco de la marginación social, el falso romanticismo de los marineros, hasta las sanguinarias escenas de crímenes y el erotismo y envejecimiento de algunas prostitutas”.

5. Estarás frente a uno de sus trabajos más representativos, Metrópolis. El tríptico creado entre 1927 y 1928, de acuerdo con la explicación de la curadora, “es un icono de los ‘dorados años veinte’ y sus abismos... Y resume en él sus agudas observaciones sobre la sociedad de la República de Weimar”.
6. Conocerás la obra que lo llevó a juicio. A pesar de que sus escenas de prostitución, erotismo y asesinatos lo llevaron a ser considerado un artista de vanguardia, algunas élites alemanas al verlas se sintieron “ofendidas”. (Y pues ¡CÓMO SE ATREVÍA A PINTAR TALES COSAS!).

Debido a esto, su pintura En el espejo llevó a Dix a un juicio en el que se le acusó de obsceno. La obra fue confiscada y su paradero aún es desconocido. Sin embargo, gracias al grabado que realizó el artista hoy es posible verla... una y otra vez.

7. Te enterarás de datos poco conocidos sobre el pintor. La muestra busca ampliar el panorama de la vida y obra de Otto Dix, por ello en cada una de las salas presenta datos pocos conocidos del artista, así descubrirás, por ejemplo, la relación que existe entre él y Nietzsche, y la influencia que tuvo en su trabajo la obra de Van Gogh.
OTTO DIX. VIOLENCIA Y PASIÓN.
Museo Nacional de Arte. Tacuba 8, col. Centro.
Horarios: Martes a domingo de 10:00 a 18:00. Hasta el 15 de enero 2017.
Costo: Entrada $60 | Gratis a estudiantes, maestros e INAPAM | Domingo entrada libre.

León-Portilla urge al gobierno aumentar apoyo a la educación

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 12 Octubre 2016 Visto: 2722

portillaa Periódico La Jornada
El aumento de recursos permitiría a las lenguas indígenas sobrevivir, dice el historiador y experto en filosofía náhuatl en entrevista con La Jornada
La disyuntiva del siglo XXI: se mueren muchas o se salvan
Preservarlas depende de nosotros, de que las reconozcamos como riqueza, sostiene
Miguel León-Portilla (en su casa de Coyoacán) expresa: De las lenguas indígenas la que más se habla es el náhuatl, pero con muchas variantes, porque las lenguas, sobre todo si no se han cultivado, se dialectizan mucho, es decir, hacen variantes propiasFoto José Antonio López
Merry MacMasters

El historiador y experto en filosofía náhuatl Miguel León-Portilla (CDMX, 1926) señala que el gobierno debe incrementar el apoyo a la educación para que las lenguas indígenas, en primer lugar, sobrevivan en los habitantes que las tienen como maternas, a la vez que se difundan.

Según el autor de Visión de los vencidos, en el siglo XXI habrá una disyuntiva: o mueren muchas lenguas o se salvan. Hay lingüistas que dicen que de las 5 mil lenguas existentes en el mundo no van a quedar ni 100. Digo que pueden quedar muchas más, depende de nosotros, que somos maestros, y de cierta manera lingüistas, los que estamos interesados en la historia de nuestro país y reconocemos que es una riqueza.

Integrante del Instituto de Investigaciones Históricas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), pide a los indígenas, por un lado, que no se avergüencen de tener ese pasado, y por el otro, a los no indígenas respetar y enriquecerse con ello al aprender lenguas de la región en que viven.

En entrevista con La Jornada, León-Portilla dice que la lucha debe seguir. Cuando muere una lengua es una tragedia para la humanidad. Y la poesía es la flor más bella de la expresión humana; tenemos una poesía bellísima en náhuatl, maya, purépecha, etcétera.

Al respecto escribió el poema Cuando muere una lengua, que termina al decir que la humanidad se empobrece, pues, explica, al carecer de estas perspectivas que tiene un poeta para ver desde una atalaya la realidad de un modo muy peculiar. Cada lengua evoca experiencias de manera única. Al morirse una lengua se cierra esta ventana, ya usted jamás podrá acercarse a esta manera de pensamiento.

León-Portilla habla con motivo de dos actividades celebratorias de ese género: el séptimo Festival de Poesía las Lenguas de América: Carlos Montemayor, que mañana se efectuará en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario, y el Primer Encuentro Mundial de Poesía de los Pueblos: Voces de Colores de la Madre Tierra, que será inaugurado el lunes 17 en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes, acto en el que participará.

Filosofía en potencia

A la pregunta, ¿qué pediría a las autoridades en cuanto a la enseñanza de las lenguas originarias?, contesta: Que por lo pronto se enseñe y se difunda en la región en que se habla, porque no puedo obligar a un maya que aprenda purépecha. ¿Para qué? En cambio, los purépechas sí desean hablar la suya. De las lenguas indígenas la que más se habla es el náhuatl, pero con muchas variantes, porque las lenguas, sobre todo si no se han cultivado, se dialectizan mucho, es decir, hacen variantes propias.

León-Portilla estima que en México existen entre 14 y 15 millones de hablantes de lenguas indígenas. Ahora, ¿cómo pueden conservarlas? Distintas instituciones, como la UNAM y la Universidad Veracruzana; enseñan náhuatl, otomí, maya, mixteco y totonaco. También se enseñan en países como Francia, Alemania, Italia, Holanda, España, Estados Unidos, Canadá, Japón y China.

Son estudiadas, en primer lugar, por los antropólogos, luego, por los propios indígenas que quieren mejorar sus capacidades, y finalmente por entusiastas de estos pueblos. Para León-Portilla, sin embargo, las lenguas originarias sólo vivirán si tienen una función, si no, empiezan a decaer. Ejemplifica: El náhuatl no se va a escuchar en una oficina bancaria, pero en el campo sí. Lo que la lengua tiene en su léxico es como el inventario de su cultura.

Según el investigador, los indígenas están en el proceso de levantar la cabeza y sentirse orgullosos de ser quienes son. Les digo, tengan orgullo, ya que ustedes tienen lo que muchas personas no, la posibilidad de ver la realidad desde la perspectiva de un nahua, un maya, un quiché, un totonaco o un seri, y de una persona que habla español. Esto es un tesoro, porque cada lengua contiene una filosofía en potencia, cada lengua es un universo de ideas. Entonces, sí creo que todos debemos considerar que para los indígenas sus lenguas son la base de sus derechos humanos.

León-Portilla recuerda que aquí en el siglo XIX se pensó que para hacer un país unificado tenía que haber una sola lengua. Justo Sierra era de esa idea. Es un error. Un país puede tener hablantes de varias lenguas. Apenas ahora en la Constitución federal, en el artículo cuarto, se reconoce que somos un país con muchas culturas y con muchas lenguas. Es como reconocer que el sol está en el cielo. Pero, bueno, más vale tarde que nunca. Estamos en una encrucijada.

Ignacio López Tarso: 68 años de divertirse con su carrera

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 12 Octubre 2016 Visto: 2767

tarso i Notimex | La Jornada

López Tarso en la puesta en escena 'Un Picasso', con la venezolana Gabriela Spanic. Foto Roberto García Rivas / Archivo

Llevo 68 años gozando y divirtiéndome con mi carrera: López Tarso

Guanajuato. El actor mexicano Ignacio López Tarso (1925) aseguró que lleva 68 años gozando y divirtiéndose al realizar su trabajo escénico. “Mi carrera ha sido muy grata. Tuve la fortuna de interpretar a los más grandes, a los grandísimos de la literatura dramática universal”, acotó lúcido, jovial y de buen talante.

El intérprete de la legendaria película Macario (1960), dirigida por Roberto Gavaldón, sobre una novela de B. Traven, se presentará hoy por la noche en el Teatro Cervantes de esta ciudad con El de la triste figura, un divertimento para tres voces y una guitarra, en el marco del 44 Festival Internacional Cervantino (FIC) que culminará el próximo 23 de octubre en esta ciudad.

López Tarso, quien el próximo 15 de enero cumplirá 92 años de edad refirió que los griegos fueron “los meros meros” de las artes escénicas. “Ellos fueron los papás, los abuelos, quienes nos enseñaron lo que es el teatro y cómo hacerlo desde hace más de 500 años antes de nuestra era.” Y citó entre ellos a Eurípides, Esquilo y Agamenón.

También reconoció la gran cantidad de maravillosas obras dentro de la literatura universal que no hay actor que tenga la vida suficiente para hacer todo lo que quisiera. Y dijo estar en el trance humano en el que queda poco tiempo. “Y lo malo es que mientras pasa el tiempo nos quedan menos capacidades para hacer cosas.”

Actualmente, comentó, está en espera de una respuesta favorable de varios amigos suyos, productores y directores, pues tiene la ilusión de hacer una obra teatral con Juan Ignacio, su hijo. Le gustaría, agregó, una obra para dos actores, para que ambos estén solos sobre el escenario.

López Tarso aseguró que se siente bien, dijo estar sano y en perfecto estado mental. “Tengo casi 92 años y considerando lo que he vivido, el mundo que he recorrido, y todo lo que me ha tocado interpretar, me siento perfectamente. Tengo capacidad de memoria para poder aprender lo que me urge y olvidar lo que ya hice. Es mi sistema para ejercitar la mente: Pensar lo que viene y olvidar lo pasado; así tengo más espacio en la memoria.”

También habló de su labor dentro de la industria cinematográfica nacional y mundial, y sin recato comentó que desde sus inicios en el medio artístico, ha filmado 50 películas a las cuales clasificó: “20 me gustan, 20 son regulares y a las 10 restantes ni mencionarlas, mejor olvidarlas”, y tras la categorización soltó una carcajada de su risueña cara.

Su visita a esta ciudad obedece a que actuará en El de la triste figura, donde dará voz a dos variantes del célebre personaje cervantino: Don Quijote de La Mancha y Alonso Quijano, en compañía de los actores Gabriela Pérez Negrete y Juan Ignacio Aranda. Así, el actor revivirá de manera íntima y sincera las anécdotas del caballero manchego.

Esta misma tarde, Ignacio López Tarso recibió el reconocimiento Orgullo Guanajuato FIC en su edición 2016, presea que se otorga a los artistas guanajuatenses que participan en el festival. En esta ocasión se decidió incluir al actor ya que su padre, Alfonso López Bermúdez, nació en Moroleón, uno de los más brillantes municipios de la entidad.

En el acto, el director general del festival, Jorge Volpi, señaló que para el FIC, sobre todo en la conmemoración de los 400 años de la muerte de Cervantes, y la celebración que este encuentro cultural hace de su obra, es un orgullo contar con la presencia de Ignacio López Tarso. “Tenía que ser una de las figuras invitadas al festival, por su enorme espíritu cervantino.”

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