Cultura y Espectaculos

En la Basilica de Guadalupe hay cientos de lugares por descubrir, te invitamos a acompañarnos en este recorrido.
Andoni Aldasoro. MÉXICO DESCONOCIDO
El reloj dice que son las 12:15, o al menos uno de los relojes de los que está compuesto El Carrillón, gran estructura situada en el Atrio Monumental Plaza de las Américas, frente a La Basílica de Guadalupe. Las campanas tocan una melodía que, al parecer, las personas a mi alrededor conocen y tararean. Por más que miro a todas las campanas de diferentes tamaños que conforman El Carrillón, no logro identificar de cuáles salen las notas. ¿Qué canción será? Esto no supe si lo dije o lo pensé, pero el hecho de que una señora a mi derecha respondiera “Santa María del Camino” me indica que efectivamente lo dije.

“No se querrá perder la representación de las 2”, dice la misma señora señalando el centro cilíndrico de la estructura. Aún desconociendo de qué representación estamos hablando, respondo: “no, supongo que no”. Ahora el reloj marca las 12:17 y tras haber visitado El Cerrito, la Fuente de Quetzalcóatl, La Ofrenda y el Museo del Tepeyac (ver entrega anterior) hay tiempo de sobra para recorrer la parte que aún no he visitado de la Basílica de Guadalupe.

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Foto: Depositphoto

Capilla del Pocito

En la base del cerro del Tepeyac nació un manantial, para los testigos esto fue una señal indiscutible de que en ese mismo lugar la Virgen de Guadalupe se le había presentado a Juan Diego, adjudicándole a esta salida de agua poderes curativos. Pronto, este sitio se convirtió en un foco de infecciones, pues los visitantes enfermos se metían a bañar en él. Debido a esto se resolvió cubrirlo pero esto probó ser insuficiente. Tanto así que, en 1777, mejor se construyó una iglesia alrededor del pozo, para resguardarlo. Esta construcción es conocida como Capilla del Pocito, y es un buen ejemplo de arquitectura barroca. La misa en esta capilla se celebra los domingos a las 11am.

Parroquia de Santa María de Guadalupe / Ex Convento de las Capuchinas

El ex convento de las madres capuchinas, contraparte femenil de los frailes franciscanos, fue construido en 1787. En la época de la Reforma, este edificio sirvió de hospital y cuartel. Después volvió a manos de la iglesia y fue reutilizada hasta los años 70, cuando fue cerrada para someterla a una renivelación. Desde 1996 esta parroquia está abierta al público. Las misas son los domingos a las 9am, 12pm y 1:30pm.

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Templo Expiatorio a Cristo Rey

Este inclinadísimo edificio, el cuarto construido en honor a Santa María de Guadalupe, fue durante 267 años el hogar de la Virgen. Desde que se terminó la obra en 1709 hasta 1976, cuando fue cerrada por una fuerte restauración, esta fue la única Basílica. Más adelante, en 2000, esta iglesia fue reabierta ahora convirtiéndose en un recinto para la expiación de pecados.

El templo está abierto de lunes a domingo de 8am a 6pm. Se celebran misas de lunes a viernes a las 6pm; mientras que los sábados y domingos a las 10am, 12pm, y 4pm.

Andoni Aldasoro
Foto: Andoni Aldasoro

El Carrillón

Estructura de 23 metros inaugurada en 1991 compuesta de un reloj múltiple que tiene por función mostrar las diferentes maneras de medir el tiempo: un reloj civil, un astrolabio, un reloj solar (en el costado derecho), un reloj azteca (en el izquierdo). En la pequeña torre que se eleva 38 metros, hay una rueda con diez campanas que pueden ejecutar 23 melodías diferentes. La obra remata con un escenario circular donde se presentan escenas de la historia de la Virgen y Juan Diego con figuras robóticas. Los horarios de las representaciones son: 10am, 12pm, 2pm y 4pm.

¿Dónde está?

Basílica de Santa María de Guadalupe
Plaza de las Américas 1, Villa de Guadalupe,
Gustavo A. Madero, Ciudad de México
Horario: Lunes a domingo, de 6:00 a 21:00 hrs.
Metro: La Villa / Basílica (Línea 6)
T. 55 5118 0500
www.virgendeguadalupe.org.mx
Twitter: @INBGuadalupe

Visitas guiadas
Lunes a Viernes de 9:30 a 17:00 hrs.
T. 55 5118 0500 Ext. 472
• Las visitas requieren reservación
• Tiempo de recorrido, 1 hora 30 minutos
• Cupo por recorrido limitado a 35 personas
• Servicio Gratuito

Notimex. La Jornada
Foto tomada de cultura.cdmx.gob.mx
Ciudad de México. Un total de 48 piezas del artista plástico Pablo O' Higgins se exhibe desde este fin de semana en el Museo de la Ciudad de México, donde permanecerán hasta el próximo 19 de febrero. Destacan 20 litografías y un grabado que fueron donadas al recinto por la viuda del artista, María de la Fuente.

Denominada Pablo O'Higgins: Colección litográfica donada por María de la Fuente de O'Higgins, la muestra también permite apreciar las piezas en las que el artista retrató a los protagonistas de la vida rural y urbana, con la marginalidad, explotación e injusticia social que vivía México.

Entre las obras más destacadas figuran las litografías La sembradora (1950), Día de mercado en Cuetzalan (1968), Electricidad al campo (1973) o Separación (1972).

Además de ocho pinturas, entre óleos, encáusticas y acuarelas, 14 fotografías y cinco documentos hemerográficos, procedentes de la Fundación Cultural María y Pablo O'Higgins A.C, como Cárdenas informa al pueblo, realizado en 1939; Trabajadores en la madrugada, El hexágono y un autorretrato de O'Higgins (1954).

De acuerdo con la curadora Luisa Barrios, la muestra acercará al público al arte social que el artista desarrolló con entero compromiso desde su llegada a México en 1924, a través de su colaboración en las propuestas plásticas derivadas de la Revolución Mexicana, que son las Misiones Culturales, el muralismo de la Escuela Mexicana de Pintura y el Taller de la Gráfica Popular.

Tras la inauguración de la muestra, en presencia de María de la Fuente y el crítico de arte Alberto Híjar, el secretario de Cultura de la Ciudad de México, Eduardo Vázquez Martín, calificó la donación como un “acto de ternura, solidaridad y belleza”.

Destacó el valor de la obra del artista estadounidense que alcanzó tierras mexicanas y se enamoró del país durante los años del Cardenismo, de la construcción de la nación mexicana sobre las bases de la justicia social.

En su oportunidad, la viuda de O'Higgins dijo que su objetivo es difundir el mensaje que su compañero de vida y lucha social dejó impreso en sus litografías como muestra del esfuerzo de todos los seres humanos por alcanzar su desarrollo como individuos y por el progreso del país.

Híjar, por su parte, comentó que la colección de litografías es una lista mínima de su obra, sin embargo, es elocuente al articular la investigación técnica con diversos modos de la lucha contra el fascismo y el nazismo, donde grabó la solidaridad del pueblo, de la clase trabajadora y de los campesinos.

Las piezas del acervo serán expuestas en la planta baja del Museo de la Ciudad de México hasta el 19 de febrero del próximo año.

Pablo Esteban O'Higgins nació el 1 de marzo de 1904 en Salt Lake City, Utah, Estados Unidos. Durante su infancia y juventud viajó a San Diego, donde aprendió español e ingresó a la Academia de Arte de esta ciudad.

En 1924, Diego Rivera lo invitó a colaborar con él en los murales de la Secretaría de Educación Pública y posteriormente participó como maestro de dibujo en escuelas primarias dentro de las Misiones Culturales.

Siete años más tarde realizó en Nueva York su primera exposición, y después obtuvo una beca en la Academia de Arte de Moscú.

Junto con José Clemente Orozco, Juan O'Gorman, Diego Rivera y Rufino Tamayo formó parte de la generación de grandes muralistas. Su labor como artista y activista lo llevó a influir en los movimientos artísticos en Latinoamérica y Estados Unidos. Falleció el 16 de julio de 1983, en el Estado de México, y sus restos fueron velados en el Palacio de Bellas Artes.

La jornada
El Festival Internacional de la Imagen (Fini), que organizan la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo y su patronato, siempre propone un eje temático en la agenda del país y del mundo.
Para la séptima edición, que se desarrollará del 27 de abril al 5 de mayo del próximo año, el tema es el desarrollo sostenible.
Asimismo, para el Concurso Internacional de la Imagen 2017, dotado con estímulo de unos 45 mil dólares en premios, la convocatoria cerrará el 31 de enero.
Italia es el país invitado del año entrante; además, se reconocerá al artista, músico e investigador Ariel Guzik, quien montará una exposición de su obra, y se rendirá homenaje al diseñador de modas Ramón Valdiosera Berman, inventor nada menos que del término rosa mexicano. Más adelante, se dará más información sobre otros artistas invitados.
Por descentralizar la cultura
Lorena Campbell, recientemente nombrada directora del Fini, explica en entrevista con La Jornada que este foro es único por ser multidisciplinario, pues incorpora vertientes que no se habían tratado en un festival, a pesar de que las manejan los artistas.
El certamen está dirigido a estudiantes y profesionales de la fotografía, el diseño, las artes visuales y el video documental.
Dentro de cada división, las categorías son: fotografía (análoga y digital); técnicas alternativas (gráfica digital, fotomontaje y collage); video documental (largometraje y cortometraje), y cartel (técnica libre).
Con sede en Pachuca, mediante la idea de descentralizar la cultura, Campbell habla de traducir el desarrollo sostenible a la imagen. Es complicado porque es un tema relacionado con muchas disciplinas. Se trata de aprovechar los recursos naturales con algunos descubrimientos científicos, pero, sobre todo, a partir del uso de la tecnología con la finalidad de llevarlo a la sociedad y que se cumpla con la equidad social. Si estos recursos naturales no se reparten equitativamente, entonces no se está cumpliendo con el desarrollo sustentable.
En su carácter de encuentro joven, el Fini busca ser más conocido. Si en la primera edición contó con unos 700 participantes en el Concurso Internacional de la Imagen, para 2016 la cifra aumentó a mil 306 concursantes, señala Campbell, directora artística de ese festival desde que se fundó. Además, representaban a 35 países, incluido México.
Para difundir el festival y el certamen, los organizadores hacen visitas personalizadas, por ejemplo, a universidades en el país, y sus escuelas especializadas, debido a que son centros de creación y desarrollo.
A las universidades en el extranjero se les envía información por correo electrónico. También se hace contacto por conducto de de la Asociación Nacional de Universidades e Insituciones de Educación Superior (Anuies) y la Secretaría de Relaciones Exteriores.
El Fini es un festival diferente porque tiene una parte académica. Habrá al respecto un coloquio internacional sobre desarrollo sustentable. Según Campbell, ese foro ha abierto los ojos a los estudiantes de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, pues están encantados de participar. Por ejemplo, los talleres se llenan en cuanto lanzamos las convocatorias. Además, son gratuitos.
La convocatoria del concurso se puede consultar en fini.mx/uaeh.edu.mx/fini.

Excélsior
El fotógrafo mexicano Carlos cazalis publica un fotolibro en el que registró algunas presentaciones internacionales del torero José tomás
CIUDAD DE MÉXICO.
Cuando Carlos Cazalis (Ciudad de México, 1969) supo la respuesta que José Tomás dio en Sevilla, camino a la enfermería, al periodista taurino Joaquín Vidal, comenzó a conocer más al matador. Era la tercera ocasión que el torero salía por la Puerta del Príncipe, sólo que esta vez no iba en hombros; el toro le había asestado una cornada y él declaraba que era justo que el animal le quitase sangre. Después de todo, había matado otros toros en el ruedo y muchos le habían dado triunfo.
Cazalis, premio World Press Photo 2009, comenzó a jugar con la idea de trabajar en torno a José Tomás en 2001, cuando quiso hacer un documental. Su historia personal está íntimamente ligada a los toros: su madre nació en Madrid y su padre en Aguascalientes, el bastión taurino mexicano; su abuelo fue empresario de la Plaza de Toros Monumental de Aguascalientes durante más de 30 años y hermano de Alfonso Ramírez El Calesero. Tenía contactos con Pepe Chafik, quien de alguna manera apadrinó al diestro madrileño cuando se inició como novillero.
“Tenía esa cultura de los toros, pero no la entendía bien”, dice el fotógrafo en entrevista. Cazalis se había ido de México muy pequeño, pero regresaba siempre. A partir de 1994 se estableció nuevamente aquí y del 96 al 99 hizo fotografía de toros en la Plaza México para la France Press. “Ahí aprendí a fotografiar toros”, dice. A Tomás lo había conocido toreando en 1996 y casi desde el principio se volvió su “ejemplo mayor” por lo que demostraba en el ruedo.
“Él empieza a cruzar las líneas rojas donde la mayoría de los toreros no se atreven a pisar y lo hace como todo torero, consciente de que si tú te pones en cierto lugar, el toro te va a pegar, pero él decide probar: ¿cuántas veces me va pegar y cuántas no? A mí me pareció eso un reto a la muerte, pero también una manera de expresar algo: ¿cómo puede uno vivir con plenitud?”. De aquella ambivalencia entre vida y muerte, Cazalis decidió iniciar uno de sus principales y más ambiciosos proyectos fotográficos.
Con paciencia siguió los movimientos de José Tomás en el ruedo. El matador, conocido por su resistencia a las cámaras y los micrófonos le autorizó a través de su apoderado fotografiar sus corridas desde 2007 a 2009. Después, sin ninguna excusa, le retiró el permiso y nuevamente le autorizó usar su cámara entre 2011 y 2012. El resultado fueron miles de fotografías en las plazas de la Ciudad de México y Aguascalientes; de Nimes y Bayona, en Francia; y de Huelva, Alicante, Valencia, Gijón y Barcelona, en España.
De todas esas imágenes, Cazalis publica el fotolibro Sangre de reyes, editado por RM y que se presenta mañana en la Ciudad de México. Se trata de un total de 77 imágenes y 200 páginas que se ordenan junto con los textos de Richard Wright, José Cueli, Jacques Durand y una conversación, en una suerte de epílogo, entre el propio Cazalis y el periodista estadunidense John Lee Anderson.
TORERO SERENO
Con sus imágenes, Cazalis quería expresar lo que sentía con el toreo y al mismo tiempo, esa atracción que despiertan las corridas por la muerte. Su trabajo partió de una tesis principal basada en La negación de la muerte, del filósofo Ernest Becker, según la cual la humanidad se organiza en sociedad para negar su mortalidad creando símbolos que le permiten asirse a la vida y olvidar su finitud. En los toros, el fotógrafo encontró también una forma de escape a esa constante idea de la muerte.
“Creo que muchos vamos a los toros o el público va a los toros con la idea de saber que la posibilidad de ver a alguien morir existe y simplemente porque es una proyección de negar nuestra propia muerte. Otorgo la muerte del hijo pródigo para que yo pueda seguir viviendo, es una especie de engaño inmortal”, dice. El torero, piensa, es una especie de guerrero que nos regresa a lo salvaje y nos recuerda que la vida no es tan cómoda como el mundo quiere vestirla para negar, otra vez, la muerte.
Y en medio de ese regreso a lo salvaje que es el ruedo, aparece la figura de José Tomás, un hombre que a fuerza de estudiarlo en cada uno de sus movimientos, Cazalis define como sereno. “La gente critica mucho a José Tomás y creo que lo critica precisamente porque guarda tanto silencio sobre lo que hace, algo que no hacía antes; quizás es una estrategia de marketing y le funcionó bien, pero cuando yo estaba con él, en el patio de cuadrillas tratando de hacer los retratos, lo que me movía es la serenidad que mostraba”.
El fotógrafo dice que, a diferencia de otros matadores, Tomás es calmado. “Siempre lo veía como en un estado de meditación que luego veía reflejado en la plaza. Cuando lo veía torear me transmitía angustia pero la mayoría de las veces muchísima paz, tranquilidad”. Una de las imágenes que más le gusta a Cazalis de todas que ha tomado al diestro, es una cuando aparece tirado frente al toro. Ahí el héroe parece vencido.
Cazalis no estuvo presente en la corrida de Aguscalientes que casi le cuesta la vida al español, pero está seguro de que José Tomás es otro desde entonces. “Ha sido golpeado muchísimo. En las corridas de 2011, el muslo donde lo cogió el toro es mucho más delgado e inclusive se paraba con el compas abierto, la gente decía que era porque estaba innovando pero yo creo que más bien tenía que apoyarse con las dos piernas, porque con las dos juntas no lo iba a hacer”.
“Lo vi en verano en Valladolid y con un toro lo vi hacer cosas que no había visto desde 2012, pero con otro toro lo vi con un paso atrás; creo que es lo más normal, se formó un mito y él contribuyó. Todos los héroes se hacen”, dice. ¿Pero ha llegado la caída de este héroe?, se le pregunta. “Habrá un momento en el que sí, quizás pasará como esos toreros que se quieren ir y luego no pueden, inclusive llegué a oír a un amigo que perdió la oportunidad de morir en la plaza, ahora ya no lo puede hacer porque ya no arriesga tanto. No es que él quisiera eso, pero estaba dispuesto a eso”.

Algarabía
Quién mejor que ella misma para hablar de su vida; testimonio que complementamos con algunos fragmentos de sus obras más emblemáticas.
En este diciembre en que Elena Garro (1916-1998) hubiera cumplido cien años, es fundamental hablar de la vida y la obra de esta escritora que, para muchos críticos, fue la mayor creadora literaria mexicana después de Sor Juana.
Ellos me enseñaron
«Mis padres fueron José Antonio Garro y Esperanza Navarro, dos personas que vivieron siempre fuera de la realidad, dos fracasados, y que llevaron a sus hijos al fracaso. A mis padres sólo les gustaba leer, y a sus hijos no nos gustaba comer, nunca teníamos apetito; o nos daba pereza masticar: “Que le hagan papilla a los chicos”, ordenaba mi padre. A Esperanza: mi madre, le gustaban únicamente los dulces y los pasteles. José Antonio en cambio amaba los buenos platillos [...]
»Ellos me enseñaron la imaginación, las múltiples realidades, el amor a los animales, el baile, la música, el orientalismo, el misticismo, el desdén por el dinero y la táctica militar leyendo a Julio César y a Von Clausewitz.
Mientras viví con ellos sólo lloré por Cristo y por Sócrates, el domingo en que bebió la cicuta, cuando mi padre nos leyó los Diálogos de Platón [...]
»Mis padres me permitieron desarrollar mi verdadera naturaleza, la de “partícula revoltosa”, cualidad que heredó mi hija Helenita y que los sabios acaban de descubrir. Estas “partículas revoltosas” producen desorden sin proponérselo y actúan siempre inesperadamente, a pesar suyo. En mi
casa podía ser rey, general mexicano, construir pueblos con placitas, casas, calles, cuartel e iglesia en el enorme jardín por el que paseábamos en burro o a pie. Mi casa estaba en Iguala, Guerrero, es decir, una de mis casas. [...]»
El mundo era muy trágico
«También construimos un teatro y teníamos títeres. A 
veces me convertía en merolico y salía a vender ungüentos para curar todos los males. Mi ayudante era Boni, mi primo predilecto, y con el que me escapaba cargando dos “máuseres” para ir a la laguna. Los arrieros nos devolvían a la casa, insolados, con las narices y la frente peladas por el sol. [...]
–Conoce «El final de un amor adúltero... y todo por unos gatos»–
»En Iguala no íbamos a la escuela, teníamos al profesor Rodríguez, alto, moreno, de gran bigote y enorme sabiduría... Todos los Garro le debemos mucho al profesor Rodríguez, figura tierna, sabia y encantadora de mi infancia. Él traía las noticias terribles de lo que sucedía fuera de mi casa: 
la política, los fusilamientos y los robos. “¡Un maestro es sagrado!”, nos decía mi padre con los ojos despidiendo chispas verdes como una advertencia. Mi padre y mi tío Boni eran nuestros maestros de latín y francés [...]
«Yo no pensaba ser escritora. La idea de sentarme a escribir en vez de leer me parecía absurda. Abrir un libro era empezar una aventura inesperada. Yo quería ser bailarina o general»
»En esos días el mundo era muy trágico. Mi héroe era el padre Pro y mi enemigo, Plutarco Elías Calles. Cuando 
el general Amaro llegó a perseguir a los cristeros, todo el pueblo se encerró. Deva y yo salimos a correr junto a su coche abierto para gritarle hasta quedarnos roncas: ¡Viva Cristo Rey! [...]»
No pensaba ser escritora
«A los 17 años fui coreógrafa del Teatro de la Universidad. El director era Julio Bracho. Debutamos en el Teatro de Bellas Artes con un éxito tan grande que los amantes del arte se movieron con rapidez para destruir el grupo. Opinaron que pegar carteles en la ciudad anunciando Las troyanas era hacerse publicidad.
En ese tiempo los Contemporáneos eran importantes. En realidad era un grupo bastante notable, aunque me parece que está olvidado. Xavier Villaurrutia quería montar Perséfone de André Gide, y me llamó [...]
–Conoce también: La comprensión de la lectura. Fuera del diccionario–
»Un día me casé, abandoné a mis maestros: Julio Jiménez Rueda, que me pronosticó éxitos literarios; Samuel Ramos, gran maestro; Hilario Medina y su rigurosa Historia universal; el profesor Valenzuela de Historia griega, fabuloso expositor; Salvador Azuela, a quien apreciaba mucho; el maestro García, gran latinista; la señorita Caso, Julio Torri, Enrique González Martínez, quien nos daba la clase en francés [...]
»Mi padre creía que podía escribir por mi afición a la lectura: en ese caso todos en la casa debimos ser escritores.»
Todo fue un mal sueño
«En 1953, estando enferma en Berna y después de un estruendoso tratamiento de cortisona escribí Los recuerdos del porvenir como un homenaje a Iguala, a mi infancia y
a aquellos personajes a los que admiré tanto y a los que tantas jugarretas hice.
–Lee: El escritor en situación–
Guardé la novela en un baúl, junto 
con algunos poemas que le escribía a Adolfo Bioy Casares, el amor loco de mi vida y por el cual casi muero; aunque ahora reconozco que todo fue un mal sueño que duró muchos años.
»Creo que te he hablado de un mundo que ya no existe. Parece que México es otro país, que los intelectuales lo han llenado de periféricos, elevadores callejeros, puentes, ideas, y que han abolido los jardines.
Me dicen que la contaminación se corta con cuchillo. Te he dicho todo lo que recuerdo... Creo que debo aclararte que Mariana no es una autobiografía sino una novela. [...] Aunque es verdad que tomé rasgos de algunas personas vivas y difuntas para crear a un solo personaje.
Acuérdate de Ortega y Gasset: “lo que no es vivencia es academia”. Recuerda también a Dostoyevski y a Balzac: “la novela es vida”. Eso no quiere decir que lo que cuento en Mariana sea una simple calca de mi vida al papel.