Cultura y Espectaculos

El carnaval, Algarabía

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 01 Marzo 2017 Visto: 3118

carnaval int Andrea Tamayo. Algarabía

No falta el vino ni la carne, la abundancia y opulencia es la única constante.

Una calle repleta de colores, recios aromas, música jocosa y risotadas provenientes de extrañas máscaras. Todos los presentes ríen, cantan y bailan entre ellos sin pudor ni vergüenza. Se trata de un carnaval de la Edad Media, de esos que sólo con la imaginación podemos ver en nuestras mentes pues es muy probable que ninguno de los que aún existen pudiera compararse. Era una época en que la religión.
Las normas sociales y la moral no aplicaban durante el carnaval.

Según el Diccionario Etimológico de la Lengua Castellana de Joan Corominas la palabra «carnaval» proviene del italiano carnevale, derivado de carnelevare, compuesta de carne; cuyo significado en español es el mismo que ahora reconocemos, y levare, que se refiere al verbo ‘quitar’; esto es: ‘quitar la carne’.
Esto hace referencia a una fecha del calendario litúrgico: «el domingo de quincuagésima» –un domingo antes del miércoles de ceniza–, y se llama así porque de ese día a la Pascua faltan cincuenta amaneceres. Por tanto el carnaval era concebido como una periodo de tres de días –domingo, lunes, martes– durante el cual eran permitidos todos los excesos que precedían a la cuaresma, temporada de ayuno en que era ley evitar la carne y hacer sacrificios.
La gente sabía que el ayuno se aproximaba, por ello durante el carnaval aprovechaban para engullir todo lo que pudieran; bebida, carne y otros placeres.

En los carnavales la esencia del festejo era más profunda, en ellos se representaba la victoria temporal del humor sobre las normas, la burla frente a la religión, la broma en contra de los dogmas. En la Edad Media, estas festividades iban acompañadas de procesiones que atestaban las plazas públicas de las ciudades.
–Como cuando sucedió la gran matanza de gatos–
Los carnavales eran festejos públicos muy importantes y esperados por el habitante medieval común. Las plazas públicas se llenaban de gente que participaba o presenciaba representaciones cómicas que banalizaban a las autoridades feudales y religiosas a través de la burla y la blasfemia. Se celebraban la Fiesta de los locos y la Fiesta de  los asnos —que conmemoraba la salida de María y José a Egipto tras el asedio de Herodes—, que consistía en celebrar una especie de «antimisa» con un burro como protagonista; mientras esto sucedía, quienes se congregaban dentro de la iglesia se divertían e incluso podían tener relaciones sexuales.
Al ponerse máscaras en el rostro, las personas tenían permitido todo.

Para Mijaíl Bajtín, crítico literario ruso, el carnaval era un «mundo al revés» donde la gente parodiaba la vida cotidiana en una frontera entre la realidad y el arte [...]; estas fiestas eran «la segunda vida del pueblo».
–Orgullo por las tradiciones: la fiesta de la Guelaguetza–
Los bufones eran la personificación del carnaval. Con trajes y sombreros de distintos colores realizaban parodias, profanaciones, que pretendían criticar la realidad. Con sarcasmo la gente del Medievo reprochaba el yugo que las clases sociales y las instituciones ejercían sobre ellos.
Los carnavales cambiaron, ahora reconocemos los más famosos como el de Río de Janeiro, el de Venecia, el de Nueva Orleans—llamado «Mardi Gras», ‘martes graso’ en francés—y el de Veracruz en México. Todos mantienen la esencia de la risa carnavalesca, tiempo para dejar de lado —aunque sea por tres días— la austeridad de los días de cuaresma.

Pros y contras del matrimonio, según Darwin

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 01 Marzo 2017 Visto: 2867

arwinmatrimonio hero Maria Popova. Algarabía

«¡Es el día de los días!», escribió Charles a los 29 años en su diario el 11 de noviembre de 1838, después de que su prima, Emma Wedgwood, aceptó su propuesta de matrimonio...

Pero el legendario naturalista no siempre estuvo así de entusiasmado en la unión matrimonial. Apenas unos meses antes había garabateado al reverso de una carta de un amigo, una muy analizada lista de pros —«constante compañía», «los encantos de la música y pláticas femeninas»— y contras —«medios limitados», «sin libros», «terrible pérdida de tiempo»— del matrimonio, así como el potencial impacto que tendrían en su trabajo.

La lista, encontrada en «La correspondencia de Charles Darwin» –disponible en línea en el excelente Darwin Correspondence Project, con fecha del 7 de abril de 1838–, revela la ancestral, y podría decirse que artificial, tensión cultural entre familia y carrera, amor y trabajo, corazón y mente.
Darwin inicia sus cavilaciones con el siguiente apunte, con el que no pretendía crear un texto en sí, sino esbozar algunas de sus ideas con respecto al matrimonio:
Si no me caso, puedo viajar. ¿Europa, tal vez? ¿América?
Si viajo debe ser exclusivamente a los ee.uu. geológicos, México depende de la salud, el vigor y en qué tanto me vuelva zoólogo.
Si no viajo:
A) Trabajar en la transmisión de especies. Analizar por microscopio las formas más simples de vida: geología. ¿Las formaciones más viejas? Algunos experimentos. Observación física de animales inferiores.
B) Vivir en Londres, si no en dónde, en una pequeña casa cerca de Regents Park. Quedarme con el caballo. Tomar viajes de verano. Recoger las muestras en alguna línea de la zoología. Especulaciones de geografía. Rango y trabajos geológicos generales. Sistematizar. Estudiar afinidades.»
«Pobre esclavo serás [...], y después terrible pobreza —a menos que la esposa fuera un ángel con dinero»
Varias semanas después, en julio de 1838, volvió a repasar el tema agregando consideraciones a la vida en pareja:
Ésta es La Pregunta...
Casarse:
Hijos —si Dios quiere—. Compañía constante —y amistad en  la vejez— que se sienta interesada en uno, tener un objeto con el cual jugar y amar — mejor que un perro de todos modos—. Hogar y alguien quien cuide de la casa. Los encantos de la música y las pláticas femeninas. Estas cosas son buenas para la salud —pero una terrible pérdida de tiempo.
Imagina vivir todo el día en solitario en una casa vieja y humeante en el viejo Londres. Sólo imagínate a una hermosa y suave esposa en un sofá, un buen fuego con libros y tal vez música. Compara esta visión con la percudida realidad de la calle de Great Marlborough.
No casarse:
Libertad para ir a donde uno quiera. Elegir la sociedad y poco de ella. Conversaciones con hombres inteligentes en clubes. No ser forzado a visitar parientes ni doblegarse en cada riña. Ansiedad y gastos de niños. Quizá peleas. Perder tiempo. No poder leer por las noches. Gordura y ociosidad, ansiedad y responsabilidad. Si se tienen muchos hijos ser forzado a ganarse la vida —aunque también es malo para la salud el exceso de trabajo.
Tal vez a mi esposa no le guste Londres; entonces la sentencia será el destierro y la degradación de volverse un tonto complaciente.
Éste es un hermoso antídoto al mito cultural de que el amor y el trabajo trascendental no pueden coexistir .

Darwin garabatea después una conclusión en la que describe lo siguiente:
Ha sido probada la necesidad de casarse.
¿Cuándo? Tarde o temprano.
El gobernador dice antes, pues después es peor si ya se tienen hijos: la personalidad de uno es más flexible, los sentimientos de uno más vivos y si uno no se casa pronto se pierde de mucha felicidad pura.
Pero si entonces me caso mañana: habría una infinidad de trabajo y gastos para amueblar y comprar una casa; peleas por no estar en sociedad, llamadas por la mañana, torpezas, perder tiempo todos los días. Si la esposa fuera un ángel y se mantuviera trabajadora...
Seis meses después, los dos estaban casados. Tuvieron diez hijos y permanecieron juntos 50 años hasta la muerte de Darwin en 1882. Como dice sabiamente Maira Kalman sobre el matrimonio: «Al final, está bien, es amor y es trabajo. ¿Qué otra cosa podría existir?»❧

Cuauhtémoc, necio, inexperto, arrogante e incluso despiadado

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 01 Marzo 2017 Visto: 3067

cuautemoc El emperador azteca es descrito como una persona necia, inexperta, megalómana, arrogante e incluso despiadada en una nueva novela histórica que trata de desvanecer el halo heroico con el que la versión oficial lo ha encumbrado
LUIS CARLOS SÁNCHEZ. Excélsior

El poder es el arma más letal que existe y Cuauhtémoc parece haber sucumbido ante ella. Necio, inexperto, megalómano, arrogante e incluso despiadado, así dibuja al último emperador azteca una nueva novela histórica que trata de desvanecer el halo heroico con el que la versión “oficial” ha encumbrado al hombre que sucumbió ante el poder de los conquistadores españoles.

“Cuauhtémoc –dice el escritor tapatío Antonio Guadarrama Collado (1976)–, igual que Nezahualcóyotl, son dos personajes que se han venerado en exceso, en mi opinión ninguno de los dos merece el lugar que tienen en la historia”. En Cuauhtémoc. El ocaso del imperio azteca (Ediciones B, 2015), el autor atribuye al gobernante el capricho de enfrentar una guerra perdida contra el ejército de Hernán Cortés y acabar propiciando un “suicidio colectivo” en la antigua Tenochtitlán.

Producto de diez años de investigación, la novela cierra la serie Grandes tlatoanis del imperio en la que Guadarrama ya se había ocupado de Tezozómoc, Nezahualcóyotl, Moctezuma Xocoyotzin y Cuitláhuac. En su última novela, narra el ambiente en el que creció Cuauhtémoc, la serie de intrigas y tiranías que ocurrían al interior del gobierno tenochca y la manera en que el último tlatoani decidió enfrentar la creciente fuerza de los españoles.

“Hoy sería inconcebible un gobernante como Cuauhtémoc, cualquier otro se queda muy por abajo, no sé por qué se le ha venerado de esa manera. Cuando decide enfrentar a los españoles ya era una guerra perdida y se lo dijeron muchos de los miembros de la nobleza, pero se negó a escucharlos a tal grado que los empezó a matar, las crónicas de los de Tlatelolco dicen que los mexicas comenzaban a matarse entre ellos. Había dos guerras una contra los españoles y otra guerra interna. Cuauhtémoc no tenía ninguna posibilidad de ganar, fue una necedad absurda de llevar al pueblo a un suicidio colectivo”, considera.

Cuauhtémoc era hijo del tlatoani Ahuizotl (con el que el imperio azteca había vivido su mayor esplendor) y primo de Moctezuma Xocoyotzin, quien había decidido dejarlo vivo después de asesinar a sus hermanos para evitar sombra en el poder. En la versión de Guadarrama, será su madre quien le recuerde a Cuauhtémoc sus orígenes y quien alimente en él la idea de hacerse con el poder. Cuando llegan a Tenochtitlán las primeras versiones de que los españoles han llegado al Nuevo Mundo, Cuauhtémoc es entonces un joven rebelde que con grandes esfuerzos estudia para convertirse en sacerdote de Tlatelolco.

Instalado como religioso empieza a recibir consejos de quienes están interesados en derrocar a Moctezuma. La inexperiencia, sin embargo, evita que se atreva a actuar y no será sino hasta que Moctezuma se convierte en cautivo de Hernán Cortés, cuando empieza a ver factible la idea de convertirse en tlatoani. Cortés decide pactar la libertad de Cuitláhuac (hermano de Moctezuma, también cautivo) quien habrá de convertirse en nuevo tlatoani y dirigir la defensa de Tenochtitlán.

La viruela, traída por los españoles, acabará de manera prematura con el señorío de Cuitláhuac y es entonces cuando Cuauhtémoc, con menos de 20 años, es elegido como su sucesor por encima de los hijos de Moctezuma; Guadarrama fabula que incluso ejecuta con sus propias manos a uno de ellos. A partir de ese momento, el poder será la tumba de Cuauhtémoc: se convierte en un altanero gobernante que liquida a todo aquel que le contradice, que se empeña en enfrentar a los españoles con la fuerza antes que negociando y que acabará huyendo dejando a sus paisanos a su suerte.

A pesar de ello, dice el novelista, la historia ha juzgado a Moctezuma como un cobarde y a Cuauhtémoc como un valeroso héroe. Del primero afirma que llevó a cabo una estrategia muy astuta negociando con Cortés la paz en beneficio de su pueblo: “Moctezuma no pensaba que Cortés fuera Quetzalcóatl o que los españoles fueran dioses, eso es una invención, no le tenía miedo a Cortés, simplemente lo recibió, había códigos de guerra que Cortés no respetó y a traición lo encerró en su palacio, eso no se había visto jamás en el Anáhuac”.

De acuerdo con cronistas como Bernal Díaz del Castillo, Moctezuma intentó fugarse sin conseguirlo y dice Guadarrama que su pueblo no estaba totalmente contra él, incluso aventura que la historia de que murió a causa de una pedrada es un invento. Plantea que pudo suicidarse para nunca aparecer como una víctima caída a manos de los conquistadores. Cuauhtémoc, por el contrario, “se envuelve en una necedad que le impide ver la situación de una forma más congruente y ver a futuro de lo que está haciendo”.

Cuauhtémoc ignora que Cortés sigue conquistando los pueblos aledaños a Tenochtitlán, quienes están muy resentidos con los aztecas y decide fortificarse en la propia ciudad hasta quedarse sin suministros. “Hernán Cortés es un hombre mucho más astuto, tiene más experiencia en la guerra, manda construir unos bergantines para 20 o 30 personas, con madera traída y cortada desde Tlaxcala hasta Texcoco y manda construir un canal con el que llega al gran lago, para entonces Cortés ya tiene conquistado todo el valle del Anáhuac y entra con sus bergantines a México Tenochtitlán, cuando Cuauhtémoc ya no puede con esta batalla le pide apoyo a los tlatelolcas, pero ellos le ponen como condición que si ganan la guerra serán los dueños del imperio, lo que hace el tlatoani es entregar el imperio con tal de salvar su vida”, dice.

“Cortés le manda mensajes a Cuauhtémoc, le pide que ya se rinda, él se niega, finalmente cuando ya no puede con la guerra (después de un asedio de más de dos meses), él decide huir, ahí es cuando se cae este héroe que nos han inventado, no hay forma de llamarlo héroe, cuando lo que realmente hace es escapar con sus amigos y familiares”.

Guadarrama piensa que la supuesta localización de los restos de Cuauhtémoc por parte de la historiadora Eulalia Guzmán en la década de los cincuenta del siglo pasado y la admiración del expresidente José López Portillo del último tlatoani, le colocaron en un pedestal. “Primero fue por la mentira de Eulalia Guzmán de supuestamente haber encontrado los restos de Cuauhtémoc. Por otra parte también está el afán de López Portillo, quien se encargó de venerar su imagen y enaltecerlo. Ha sucedido como en la Independencia, que se ha buscado enaltecer a algunos personajes sin que lo merezcan”, concluye.

Vasconcelos, Prometeo mexicano: 'Por mi Raza hablará el espíritu'

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 01 Marzo 2017 Visto: 2879

vasconcelos Con un desempeño ubicuo y brillante, el político, filósofo, rector, se dedicó a abatir el analfabetismo y trajo orden a las aulas nacionales; fue el autor de la frase 'Por mi raza hablará el espíritu'
JUAN PABLO REYES. Excélsior

Creador del célebre lema “Por mi raza hablará el espíritu”, José Vasconcelos Calderón, el Maestro de la juventud de América, fue un revolucionario mexicano, político decepcionado de la política, ideólogo, intelectual polémico, literato, y en 1921, proyectó la que sería la Secretaría de Educación Pública.

Nacido el 28 de febrero de 1882, al estallar la Revolución mexicana de 1910 que derrumbó el régimen de Porfirio Díaz, José Vasconcelos militó en las filas de Francisco I. Madero, posteriormente, al ser asesinado “el apóstol de la democracia” en 1913 por órdenes de Victoriano Huerta, Vasconcelos salió al destierro y se dedicó a viajar por Europa.

Años después, durante la presidencia de Venustiano Carranza, fue nombrado director de la Escuela Nacional Preparatoria, cargo que tuvo que dejar por sus opiniones contrarias hacia el carrancismo.

LA OBRA EDUCATIVA
Siendo presidente de México Álvaro Obregón, en junio de 1920 José Vasconcelos fue designado rector de la Universidad Nacional para reestructurar su organización y con el objetivo de crear una nueva institución educativa que trabajara en beneficio de los mexicanos, la Secretaría de Educación Pública.

Vasconcelos emprendió diversas medidas con la meta de reunir a los distintos niveles educativos, depuró las direcciones de los planteles, inició el reparto de desayunos escolares y puso en marcha la estructura departamental de la naciente institución.

La nueva secretaría fue dividida en tres departamentos principales: el de las Escuelas, para impartir tanto enseñanza científica y técnica como teoría; el de Bibliotecas, para difundir la lectura en todo el país, y el de Bellas Artes, para fomentar la cultura artística. Vasconcelos también creó el Departamento de Enseñanza Indígena, el cual estuvo a cargo de un grupo de maestros que debían inspirarse en la obra de los primeros misioneros españoles.

“Fue una época de entusiasmo y de trabajo sin descanso, en la que Vasconcelos congregó en su derredor a muchos intelectuales y artistas de buena voluntad. El presupuesto destinado a la educación excedió, bajó él, a todas las sumas que hasta ese momento se habían asignado a ese ramo”, relató Genaro Fernández MacGregor en su libro Antología de José Vasconcelos.

FRUSTRACIONES POLÍTICAS
Dos grandes decepciones políticas marcaron la vida y trayectoria política de Vasconcelos, la primera fue su derrota como candidato a la gubernatura de Oaxaca y en 1929 su derrota como contendiente por la Presidencia de la República contra Pascual Ortiz Rubio, el candidato de Plutarco Elías Calles, el Jefe Máximo. Ambas derrotas fueron resultado de las imposiciones y fraudes electorales realizados en su contra.

“Acepté (la candidatura presidencial) porque, habiendo demostrado el pueblo su decisión de ir a las urnas en una elección local, estaba seguro de que volvería a votar por mí en una elección nacional. Y si no se puede armar revolución armada por una violación local del voto, sí es posible y debido consumar una rebelión cuando se ha violado el voto en una elección presidencial. En el 29 no me retiré decepcionado sino que me dediqué durante diez años a predicar la rebelión armada contra el régimen que usurpaba el poder, puesto que desconocía los efectos del voto.

“A los diez años, y viendo que el país entero, incluso Acción Nacional, colaboraban con el general Cárdenas, a quien llamaron ‘gran estadista’, me convencí de que perdía mi tiempo; creí que tal vez el pueblo de México se había cansado y por eso, y no por decepciones personales, me retiré de la política”, escribió Vasconcelos en una carta fechada el 20 de diciembre de 1949.

Durante la campaña por la Presidencia llegó a la vida de Vasconcelos la mecenas de artistas Antonieta Rivas Mercado, quien se enamoró profundamente del Maestro de la juventud de América, a quien apoyó económicamente, le escribía discursos, le llevaba la agenda como candidato, lo acompañaba a las giras proselitistas. Ese amor culminó en la catedral de Notre Dame, en París, donde se suicidó Antonieta.

“La quise, la amé, la respeté, lo concedo: viví eternamente agradecido por haber invertido cuantiosos recursos heredados de su padre en mi campaña. De ninguna manera fue mi responsabilidad que haya agotado su enorme fortuna, ni mucho menos lo es que se haya quitado la vida”, escribió Vasconcelos después del suicidio de Rivas Mercado.

Durante el maximato Vasconcelos decidió abandonar el país y viajar por Europa, Asia y Norteamérica, donde residió hasta que Manuel Ávila Camacho se convirtió en presidente de México.

Ya que durante la administración de Lázaro Cárdenas decidió no ingresar a territorio nacional porque era enemigo del “general”. A su regreso a México, el Maestro de la juventud de América se desempeñó como director de la Biblioteca Nacional.

EL POLÉMICO
Hombre polémico, crítico de “los grandes caudillos de la Revolución y de la Revolución misma”, atraído por la ideología del nacionalsocialismo, José Vasconcelos dirigió la revista Timón, órgano de difusión del nacionalsocialismo en México; prologó el libro Derrota mundial de Salvador Borrego, en el que se plantea que el triunfo de los aliados sobre la Alemania nazi durante la Segunda Guerra Mundial fue una derrota para el mundo.

“Condenar a José Vasconcelos por estos pecados es propio del resentido o del estulto. Juzgar a un hombre que ha publicado una veintena de libros por hechos aislados de su vida, por frases contradictorias o exageradas o por cualquier otra minucia, constituye una ligereza imperdonable. Hay muchos que todavía desconocen sus virtudes y su alta calidad humana”, escribió Agustín Basave Fernández del Valle en su libro La filosofía de José Vasconcelos.

Para Genaro Fernández MacGregor, compilador del texto Antología de José Vasconcelos, el creador de la SEP es “el mexicano más ilustre desde nuestra independencia hasta nuestros días”, ya que en sus obras abarcó todos los sistemas filosóficos, formando un sistema original.

Entre los múltiples libros de José Vasconcelos destacan: Ulises criollo, La raza cósmica, Hernán Cortés, creador de la nacionalidad, Breve historia de México, Prometeo vencedor y ¿Qué es la Revolución?, entre otros.

Sus restos permanecen en la Catedral Metropolitana de México a petición suya, ya que antes de morir, en una carta, exigió no ser sepultado en la Rotonda de las Personas Ilustres hasta que no se reconociera públicamente que él había triunfado en las elecciones presidenciales de 1929. Hace unos años, en 2009, se abrió la posibilidad de trasladarlos a la Rotonda, pero sus descendientes prefirieron que se quedaran donde están.

9 cosas que conviene saber sobre el Miércoles de Ceniza

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 01 Marzo 2017 Visto: 2788

cenixza Juanjo Romero. Miércoles de ceniza
Comienza la Cuaresma, el desayuno ha sido hervidero de preguntas de mis hijos. Seguro que a más de uno también le ayudan.
1.- ¿Qué es el Miércoles de Ceniza?
Es el día en el que comienza la Cuaresma. No es el día en el que acaba el Carnaval.
Siempre cae en miércoles (parece obvio, pero alguno duda todavía) y da igual que el año sea bisiesto porque se cuenta hacia atrás desde la Misa de la Cena del Señor.

Misal Romano:

En la Misa de este día se bendice y se impone la ceniza, hecha de los ramos de olivo o de otros árboles, bendecidos en el Domingo de Ramos del año precedente.
2.- ¿Dónde se compra la Ceniza?

En ningún sitio. Se obtiene de quemar los ramos bendecidos el Domingo de Ramos del año anterior.

Muchas familias guardan los ramos o las palmas y los llevan a la parroquia los días previos.
3.- ¿Por qué se impone la ceniza?

Es un símbolo, Directorio sobre la piedad popular y la liturgia, 125
El comienzo de los cuarenta días de penitencia, en el Rito romano, se caracteriza por el austero símbolo de las Cenizas, que distingue la Liturgia del Miércoles de Ceniza. Propio de los antiguos ritos con los que los pecadores convertidos se sometían a la penitencia canónica, el gesto de cubrirse con ceniza tiene el sentido de reconocer la propia fragilidad y mortalidad, que necesita ser redimida por la misericordia de Dios. Lejos de ser un gesto puramente exterior, la Iglesia lo ha conservado como signo de la actitud del corazón penitente que cada bautizado está llamado a asumir en el itinerario cuaresmal. Se debe ayudar a los fieles, que acuden en gran número a recibir la Ceniza, a que capten el significado interior que tiene este gesto, que abre a la conversión y al esfuerzo de la renovación pascual.
4.- ¿A quién se puede imponer?
No hace falta ser católico para que te impongan la ceniza. De hecho, muchos catecúmenos participan en la ceremonia en preparación para su bautismo el día/noche de Pascua de Resurrección.
Digamos que, en este sentido, es un «día de puertas abiertas»: creyente o no, niño, adolescente, maduro, mayor sin madurar o anciano. Todos. Los ateos habituales comentaristas de este blog también.
5.- ¿Cómo y cuándo se impone?

No hay reglas fijas. Depende del ámbito cultural y de las costumbres locales.

En los países de tradición latina, las cenizas se imponen más hacia el pelo que en la frente, espolvoreando.
En los países del ámbito anglosajón, con agua bendita se hace una pasta y se suele «marcar la frente».
Después de la homilía, el sacerdote bendice las cenizas y las rocía con agua bendita. Luego se impone con una de estas dos fórmulas:

Conviértete y cree en el Evangelio. O,
Recuerda que eres polvo y al polvo volverás.
En el Misal romano dice que mientras se canta. Creo que no es una simple sugerencia.
6.- ¿Es obligatorio?, ¿es día de precepto?
No, no es obligatorio, y no, no es día de precepto. Aunque curiosamente sin «ser obligatorio» y siendo día laborable, suele aumentar considerablemente la asistencia a la Santa Misa ese día.
Tampoco es «obligatorio» confesarse. Pero, sinceramente, me parece una extraordinaria oportunidad. Tan extraordinaria como la que disfrutan los sacerdotes para explicar bien las cosas.
7.- ¿Cuánto tiempo hay que tener la ceniza en la cabeza o la frente?
Lo que quieras. Los hay que se lo quitan al volver al banco, en especial señoras. Otros, como testimonio, esperan a que desaparezca naturalmente.
8.- ¿Hace falta que la imponga un sacerdote?

La bendición, como todo sacramental, sólo un sacerdote o un diácono. Para la imposición pueden ser ayudados por laicos.
Puede hacerse fuera de la celebración de la Misa:

La bendición e imposición de la ceniza puede hacerse también fuera de la Misa. En este caso es recomendable que preceda una liturgia de la palabra, utilizando la antífona de entrada, la oración colecta, las lecturas con sus cantos, como en la Misa. Sigue después la homilía y la bendición e imposición de la ceniza. El rito concluye con la oración universal, la bendición y la despedida.
9.- ¿Es obligatorio el ayuno y la abstinencia?
El Miércoles de Ceniza no hay obligación para los católicos de imponerse la ceniza, pero sí de hacer ayuno y abstinencia según las normas generales y las particulares de cada diócesis.
El ayuno es obligado, al igual que el Viernes Santo, a los mayores de 18 años y menores de 60. Fuera de los límites también se puede. Consiste en hacer solo una comida fuerte al día.

La abstinencia de comer carne es obligada desde los 14 años. Todos los viernes de Cuaresma también lo son de abstinencia obligatoria. Los demás viernes del año también, aunque según el país puede sustituirse por otro tipo de sacrificio/mortificación.

Más allá del muralismo

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 01 Marzo 2017 Visto: 2904

sique muralisom El retorno del realismo. Siqueiros y la neovanguardia (1958-1974) es una revisión de las propuestas estéticas del pintor desde su archivo particular
SONIA ÁVILA. Excélsior
David Alfaro Siqueiros (Chihuahua, 1898 - Cuernavaca, 1974) marcó una avanzada al muralismo mexicano. Su carácter siempre experimental lo llevó a transformar el sistema de producción y distribución de las prácticas artísticas más allá del muro bidimensional. Hizo a un lado la discusión entre abstractos y realistas, y entendió que sus ideales políticos podían comunicarse igual en biombos, poesía visual que revistas de literatura y espectáculos multimedia. Un arte revolucionario sustentado en su visión socialista.

“De alguna manera el primer paso que hizo del muralismo era convertirlo en ‘escultopintura’, pero después, y no acabó ese proyecto que era el museo de la composición del muralismo que se convierte en un proyecto pedagógico, era hacer que el muralismo desbordara sus propios medios, ve que se puede trabajar con otros elementos. Es expresar estas cosas políticas desde otros soportes como construir escenarios o transformar un discurso”, explicó el curador Julio García Murillo.

De este Siqueiros experimental da cuenta la exposición El retorno del realismo. Siqueiros y la neovanguardia (1958-1974), que hoy abre en la Sala de Arte Público Siqueiros. Es una revisión de las propuestas estéticas del muralista a partir de su archivo particular. Una lectura, a cargo de García Murillo, que evidencia cómo el artista integrante del Partido Comunista rompe sus propias fronteras, y acorta la distancia con creadores como el dramaturgo Juan José Gurrola, el escritor chileno Hernán Lavín e incluso artistas chicanos más jóvenes.

La revisión curatorial parte de los dos biombos que el artista hizo en Lecumberri en 1960. El curador contó que se trata de escenografías para la puesta en escena Licenciado no te apures, que un grupo de presos montaba dentro de la cárcel. Siqueiros crea un sistema en el que cada panel del biombo representa un momento de relato. Son entonces cuatro escenas en las que hay elementos recurrentes de sus murales como “la madre proletaria”, o figuras experimentales como máscaras griegas, personajes rubios y paisajes abstractos.

El par de biombos, resguardados en el acervo del Archivo General de la Nación, se exhibirán por primera vez juntos en la SAPS. Son piezas de dos y medio por cuatro metros con diferentes técnicas pictóricas. García Murillo dijo que el muralista los pintó con los materiales que tenía dentro de la cárcel, y su valor histórico es, en gran medida, lo que sostiene su técnica.

“La exposición intenta alejarse de la lectura generalizada que se ha hecho de Siqueiros en los años 70 y 80 como un viejo oficial y lo comparamos con la historia de otros agentes para hacer evidentes esas relaciones con Manuel Felguérez, José Luis Cuevas, Alberto Isaac con quienes de alguna manera colabora con nuevos lenguajes experimentales”.

En este sentido, la investigación plantea que la imagen mítica de Siqueiros es un invento de la Generación de la Ruptura que adopta como figura central a José Luis Cuevas. Una invención de los pintores en el marco de la lucha entre realistas y abstractos que a la distancia limita la apreciación de otras dimensiones estéticas del autor de Cuauhtémoc contra el mito.

En la exposición, esos aspectos lo vinculan con el periodista Sergio Mondragón y la poeta feminista Margaret Randall en la revista El corno emplumado, donde por primera vez se traduce poesía estadunidense al español, y latinoamericana al inglés.

Siqueiros se convierte en colaborador no sólo con dibujos para ilustrar las páginas, sino en una suerte de promotor al donar obra para subastar y recaudar fondos. De la misma manera apoyó el arte chicano vislumbrado por las expresiones nuevas.

Tal vez de esas relaciones interdisciplinarias resalta su trabajo con Juan José Gurrola. Fue en 1971 cuando el dramaturgo dona al Vaticano la figura del Cristo, y Siqueiros le propone musicalizar la pieza pero el ejercicio no se concreta. Entonces el muralista lo invita a participar en el espectáculo que inauguraría el Polyforum Siqueiros. Gurrola propone una obra sonora que el comité del espacio rechaza. El curador señaló que, si bien ambos planteaban procesos distintos, coincidían en el arte revolucionario. Sus visiones se cruzan en una plástica experimental.

“El retorno del realismo es un título que habla de las relaciones que establece la neovanguardia de los 60 y nos interesaba destacar cómo artistas de esta corriente tienen en el imaginario la obra de Siqueiros porque forma parte de esa vanguardia”, acotó García Murillo. Por ejemplo, el propio Felguérez al saber del proyecto del Polyforum bromeó a Siqueiros diciendo que le había copiado su mural Metal de hierro.

Sobre la relación de amistad-odio entre Cuevas y Siqueiros, el curador dijo que el primero representaba la generación de abstractos y el segundo de realistas: “Tiene que ver con una agenda estadunidense activada por la Organización de Estados Americanos con José Gómez Sicre, que de alguna manera era una disputa entre abstractos y realistas; la avanzada estadunidense para poner fin al arte político latinoamericano”.

¿Dónde y cuándo?

El retorno del realismo. Siqueiros y la neovanguardia (1958-1974) se inaugura hoy a las 19:00 horas en la Sala de Arte Público Siqueiros (calle Tres Picos 29, Polanco). La muestra permanecerá abierta hasta el próximo 14 de mayo.

Exposición mostrará “nueva visión” de obra de Siqueiros

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 01 Marzo 2017 Visto: 2682

siqueiros Ericka Montaño Garfias | La Jornada

‘El retorno del realismo. Siqueiros y la neovanguardia 1958-1974’ podrá visitarse del primero de marzo hasta el 14 de mayo. Foto Cristina Rodríguez

Ciudad de México. La exposición El retorno del realismo. Siqueiros y la neovanguardia (1958-1974), que se inaugura este miércoles en la Sala de Arte Público Siqueiros (SAP), ofrecerá al visitante varias piezas que no se habían expuesto, entre ellas bocetos realizados por el artista plástico para el mural La marcha de la humanidad o su trabajo como escenógrafo en el taller de teatro de la cárcel de Lecumberri para la obra Licenciado no te apures.
La muestra se encuentra en la planta alta de la SAP, mientras que en la planta baja estarán dos de los tres biombos que realizó para la obra teatral. Ambos pertenecen al acervo del Archivo General de la Nación y mientras que se desconoce el destino del tercero.
La directora del recinto, Taiyana Pimentel, explicó que el trabajo curatorial de El retorno del realismo..., realizado por Julio García Murillo, propone “una nueva visión en la que se analiza la relación que tuvo Siqueiros con este grupo de artistas, ese grupo de ideas y ese grupo de visiones que se conoció en su momento como la neovanguardia. Verán que a través de los documentos de nuestro archivo histórico, uno de los más interesantes que tiene el Inba, y de las obras que existen en nuestra colección, Julio ha sacado a la luz una serie de piezas que no habían sido exhibidas, curiosamente, entre ellas está esta obra Columna rota y los bocetos para La marcha de la humanidad”.

De acuerdo con el curador, esta exposición “intenta reactivar muchas obras que están en la colección de la Sala de Arte Público a partir de ciertos hallazgos que hemos hecho en su archivo”.
Al mismo tiempo se inaugurará Insurgencias botánicas: Phaseolus lunatus, de la artista peruana Ximena Garrido-Lecca: un sistema de cultivo de pallar, un tipo de frijol que se siembra en Perú.
Explica Taiyana Pimentel la relación entre estas dos exposiciones: “Siempre partimos en este museo de traer una producción artística contemporánea que tenga de trasfondo una posibilidad discursiva con la obra y el pensamiento de Siqueiros. Ximena ha sido invitada porque es de las artistas que está analizando esta deconstrucción del discurso postcolonial y los pallares son un tipo de frijol que le permitió a ciertos ensayistas del modernismo de Perú hablar sobre un posible sistema de comunicación incaico, algo que había sido negado por los cronistas de la época colonial.
“Lo que ella está haciendo es generar, a partir de la botánica y de estos frijoles, una postura política de leer o de releer estas tradiciones, este gran corpus de la tradición de Perú que fue la cultura incaica, por ahí es que nosotros estamos haciendo un nexo sobre todo con las posturas que definieron a Siqueiros como un artista político”.
Ambas exposiciones se inauguran con una ceremonia oficial este miércoles a las 19 horas y abre al público el jueves. La Sala de Arte Público se encuentra en la calle Tres Picos, número 29, en Polanco.

El amaranto en la época prehispánica

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 27 Febrero 2017 Visto: 3700

amarant Ana Ma. Velasco L., Samuel L. Villela F.
El amaranto en el México prehispánico fue una de las principales plantas alimenticias empleadas tanto en el sustento diario como en la vida ritual. No hace mucho, el mundo lo descubrió y se admiró de su gran valor nutricional y ha sido fomentado como una alternativa contra el hambre. Llamado huauhtli en náhuatl, ahparie en purépecha, tez o xtes en maya, wa’ve para los wixáricas o guegui en rarámuri, es una planta que ha sido utilizada por múltiples generaciones de los pueblos originarios. Como verdura tiene propiedades alimenticias parecidas a la espinaca y su semilla, clasificada como pseudocereal, al igual que la quinua andina, es rica en proteínas de alta calidad, sobre todo por su abundancia en lisina, aminoácido que es escaso en otros cereales. Es una valiosa planta que Mesoamérica y el mundo andino dieron a conocer a la humanidad.

En este número de Arqueología Mexicana, Emily McClung da cuenta de las evidencias arqueológicas del uso y consumo del amaranto en Mesoamérica, desde las excavaciones de Richard MacNeish en el valle de Tehuacán, Puebla, que condujeron a proponer este sitio como uno de los lugares de domesticación del maíz, hacia 7 000 a.C. Si bien, como ella afirma, las excavaciones no permiten afirmar que también ahí se domesticó el amaranto, es significativo haber encontrado evidencias conjuntas de ambas semillas.

Aurora Montúfar refiere el uso ceremonial del amaranto en los ritos agrícolas que se practicaban en el Templo Mayor. El hecho de que con amaranto se elaboraran imágenes de diversas deidades constituye un dato importante para entender el papel que la masa de tzoalli desempeñó en el ceremonial del recinto de los mexicas y, a su vez, entender su uso ritual hasta nuestros días.

Ana Ma. Velasco aborda la importancia ritual del amaranto en diversas ceremonias; describe cómo las imágenes de los dioses fueron materializadas al usar el tzoalli para formar sus cuerpos que, fragmentados por medio de una teofagia, eran comidos por los fieles con diferentes propósitos. Asimismo, aborda las variedades de amarantos y quenopodios que se clasificaron de manera conjunta en el mundo prehispánico, y fueron utilizados como verdura y como semilla en la dieta prehispánica.

En sus respectivos artículos, Cristina Mapes y Francisco Basurto, Luis Alberto Vargas y María de la Luz del Valle Berrocal, y Eduardo Espitia, ofrecen un amplio panorama sobre la distribución de la planta en México, lo que se debe a su raigambre en la cultura campesina. Se aborda el tratamiento biológico-nutricional sobre el consumo actual de la planta y a veces específicamente de la semilla, así como sus propiedades agronómicas, usos culinarios y formas de consumo.
Velasco L., Ana Ma., Samuel L. Villela F., “El Amaranto”, Arqueología Mexicana núm. 138, pp. 21.
Texto completo en la edición impresa. Si desea adquirir un ejemplar:

http://raices.com.mx/tienda/revistas-amaranto-fuente-de-la-alegria-AM138

Conoce el Pop Art

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 27 Febrero 2017 Visto: 2889

s9 arte popart hero Victoria García Jolly. Algarabía
Esta tendencia dio lugar  a que el objeto de arte conociera diversos medios de expresión.

En 1916 surgió en el cabaret Voltaire en Zurich uno de los movimientos vanguardistas que más han influido en la forma de ver y aproximarse a la expresión visual de la plástica, la literatura, la escultura y demás bellas artes: el dadaísmo.
Gracias a su influencia, dice el artista plástico Robert Florczak, la belleza está en peligro de extinción y ahora el arte agrede al hombre como lo hace la vida misma. El Pop Art es otro de sus hijos.
–¿Cuánto vale el arte?–
En la segunda mitad de la década de 1950 el mundo del arte había cambiado de sede, debido a la ii Guerra Mundial. París había perdido definitivamente el privilegio de alojar a los creadores y sus obras. Mientras que la ciudad de Nueva York estaba en auge.
El expresionismo abstracto y el informalismo1 eran las corrientes de vanguardia. Pollock, De Kooning, Rothko, entre otros, estaban  en la cumbre con una tendencia estética  que se había intelectualizado. El arte estaba restringido a sólo unos cuantos «elegidos»  y pertenecía a grupúsculos adinerados y al mundo de las galerías.
Por otro lado, la gente de a pie evolucionaba hacia lo fácil, lo moderno, lo popular, hacia el consumismo  y la masificación.

Las primeras marcas de productos empezaban su camino a convertirse en emblemas de estilos de vida y estatus, diseñaban los objetos y los productos para ser consumidos por las grandes masas, los necesitaran o no.
Todo estaba dispuesto para que una nueva generación de artistas, al cuestionar el elitismo del arte, iniciara una búsqueda precisamente en lo más vano, el consumismo y la cultura de masas.
Puede decirse que en el momento en que Claes Oldenburg presentó una hamburguesa gigantesca como obra de arte en una exposición, surgió lo que se conocería como Pop Art, un movimiento plástico eminentemente neoyorkino, pero que pronto tuvo acogida en otros países que padecían la misma situación —arte y consumo—.
Claes Oldenburg, «Soft sculpture», 1962.
En México casi no tuvo impacto, pues las cosas andaban por otros caminos y  las luchas se libraban en otro campo; el movimiento de Ruptura pugnaba por la  aceptación de lo abstracto  en contraposición al  nacionalismo; casi se puede decir, aventuradamente, que el asunto iba al revés; de los tópicos nacionales se intentaba migrar a la abstracción.
Nace el Pop Art
Los dadaístas descubrieron el atractivo, o la manera  de irrumpir en la belleza, con el objet trouvé, el ‘objeto hallado’, que convertía a un urinal en una Fuente,  según la visión de Marcel Duchamp. Esta práctica  fue retomada por los artistas neoyorkinos, pero de manera sustancialmente diferente: los dadaístas  no manipulaban el objeto hallado, simplemente lo presentaban.
Para el Pop Art el objeto es referencia  de sí mismo y puede estar presente físicamente o no.
Tom Wesselmann lo retrató incontables veces en óleos mientras que Robert Rauschenberg inventó sus Combine Paintings, pinturas en las que incorporaba a su pintura, a modo de collage y sin ninguna intención poética, objetos que pretendían denunciar la miseria de una existencia breve y vacua producto del consumo o de un objeto que ha terminado su vida útil. ¿Cuánto dura la de un edredón o la llanta de un coche? Esta práctica derivó en una vertiente oscura del Pop Art: el Junk Art. En su origen el movimiento fue nombrado Neodadaísmo, pero no era un término muy idóneo.
–De pop y masas: Roy Lichtenstein–
Existen dos versiones sobre el origen del nombre Pop Art: la primera cuenta que lo bautizaron Leslie Fiedle y Reyner Banham: «La expresión se refiere a un conjunto de imágenes populares integrado por la publicidad, el cine, la televisión, los cómics, la fotonovela... y todo ello producido, aceptado y consumido como la mejor cultura popular.
Una corriente artística con una postura crítica, que afecta primero al contenido de la obra.

Al popular art le faltaba, en un principio, el sentido crítico de la ironía que caracterizaría, después, el Pop Art»2 . La segunda asegura que fue el crítico de arte Lawrence Alloway el primero en bautizar a este tipo de estética como Pop Art: «Un concepto basado en las palabras popular y pop —detonación—»3 .
No todo es basura
Básicamente cada uno de los representantes hizo su propia búsqueda y eligió los medios que le eran más cómodos para crear una estética propia del Pop Art. Las obras incipientes tendían al empleo de paletas de color casi monocromáticas y poco contrastadas, como el muy famoso collage —uno de los medios rescatados de la influencia dadaísta— de Richard Hamilton, hecho a base de recortes de periódico donde, en lugar de pintar una escena hogareña, la arma, con perspectiva renacentista, a partir de distintos recortes que resultan altamente significativos de manera individual, pero que sumados, sostienen el discurso de denuncia: un hombre fisicoculturista, una rubia en bikini, una Tutsi Pop, una lata de jamón, una televisión, un cómic colgado en la pared como una obra de arte, un escudo de la Ford, una aspiradora.
—Ve también: Etimología popular–
Jasper Johns optó por monumentalizar emblemas singulares, es decir, retoma imágenes que por sí mismas ya son símbolo de algo como el mapa de los ee.uu. o  su bandera; redefine sus límites, los superpone, los trastoca y cuestiona lo que el espectador ha de ver: «¿Es esto una bandera o una pintura?».
Una nueva significación es lo que le da poder a su obra siempre colorida y memorable.

No lejos de la práctica de Rauschenberg y Johns  está la pintura de Jim Dine quien, sobre una base estética informalista —texturas, chorreos, trazos— va incorporando objetos nimios hallados aquí y allá que rompen con una figura que le fue obsesiva por dos décadas, el corazón. Luego insistirá en repetir otros temas como Pinocho, una bata de baño o una herramienta; el objeto carece de valor, lo que vale son las versiones y las mil formas que puede adoptar un mismo objeto.
El retrato de Marilyn Monroe o el monumental e impactante de Mao Tse Tung no se diferencian mucho de la repetición obsesiva de una botella de Coca-Cola o una lata de sopa Campbell’s.
Otros pops
Entre las diversas posibilidades estéticas, la estridencia del color y los materiales dieron lugar a los neones de Martial Raysse, de los que no falta uno en un museo de arte moderno actual. Sus obras prescinden de soporte, todo empieza y acaba en coloridos y delgados tubos de neón que recuerdan al infaltable open de todo negocio y de los que invariablemente sale un horrendo cable tomacorriente.
Los tópicos de Warhol son como los de Jasper Johns, símbolos conocidos y reconocidos.
Sus formas son caprichosas pero nuevamente retoma imágenes sencillas y reconocibles. Mientras tanto, Allen Jones utiliza la tercera dimensión, lo mismo que George Segal quien, incluso, saca la  obra de la galería y la instala en espacios urbanos de uso común, como la parada de un camión en la que aguardan varios cuerpos blancos de aspecto realista.
Hacia finales de los años 60 el Pop Art tenía dominadas las galerías con su colorida estridencia; y la historia completa de esta vanguardia podrás conocerla en Algarabía 139.

«Como muy» importante

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 27 Febrero 2017 Visto: 2666

s9 parahablarmejo Jorge G. Moreno de Alba. Algarabía
La palabra como tiene en la lengua una gran diversidad de valores y funciones.

Buena parte de ellos están explicados en la entrada correspondiente del diccionario académico. Sin embargo, no aparecen todos ahí.
Una prueba de ello es el hecho de que en el llamado «diccionario manual» de la misma Academia se da cuenta de un interesante valor de como, no incluido todavía  en el «diccionario oficial». Recuérdese que una de las características del diccionario manual —frente al diccionario oficial— es que añade un considerable caudal de vocablos de uso común y lo recoge consciente de que puede ser un léxico de fugaz paso por la lengua general; de esa forma,  la Academia considera que esas voces están como a la espera de su definitiva instalación en la lengua y será entonces cuando las incorpore en el diccionario oficial.
–Pero, ¿qué tanto es tantito?–
Según el diccionario manual, como puede equivaler, en algunos casos, a los adverbios aproximadamente, más o menos, y anota el siguiente ejemplo:
Es un hombre como de 30 años.
Se trata, a mi ver, de un empleo generalizado en la lengua hablada y escrita, que bien merecería ser considerado en el vocabulario oficial.
Ahora bien, en la expresión «lo vi “como muy” cansado» podría uno preguntarse si el adverbio muy forma o no  un «conglomerado», una totalidad, con la voz como o si simplemente se trata de un modificador del adjetivo cansado: «como-muy cansado» o «como muy-cansado». Me inclino por este último.
No faltan autores que creen que en efecto «como muy» es un conglomerado que debe verse como un sintagma unitario.

Leonardo Gómez Torrego —Manual del español correcto— así lo considera. Sin embargo, no le falta razón cuando asigna a como —muy— un matiz significativo más, no anotado en el diccionario manual: el de «atenuación».
En efecto, en una expresión como «lo vi “como muy” cansado» el valor de como no es el de «aproximadamente» sino más bien el de hacer ver que el hablante no está muy seguro de su apreciación.
El propio Gómez Torrego hace ver que algunos empleos de como —muy— son incorrectos. Ello sucede precisamente cuando en la intención del hablante está ausente la idea de «aproximación» o de «atenuación».
Tanto en España como en México hay casos en los que el como parece superfluo.

Si alguien dice, por ejemplo, «el asunto me parece “como muy” importante» no está manifestando de hecho inseguridad alguna; en el enunciado «debes tener “como muy” en cuenta lo que te estoy diciendo», como no desempeña función alguna. Obsérvese que, suprimiendo en tales casos la voz como, las expresiones
conservan, por una parte, su sentido y, por otra, resultan menos pedantes: «el asunto me parece muy importante», «debes tener muy en cuenta lo que te estoy diciendo».

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