Cultura y Espectaculos

La Fundación Ricardo Martínez celebrará este año al pintor con la publicación de un libro conmemorativo y una exposición en Bellas Artes
SONIA ÁVILA

El pintor Ricardo Martínez desarrolló un lenguaje plástico a partir de figuras humanas en tamaño desproporcionado sumergidas en entornos sombríos.

CIUDAD DE MÉXICO.

Ricardo Martínez (Ciudad de México, 1918-2009) fue el número 13 de 16 hermanos del matrimonio Néstor Martínez y Elena de Hoyos. Uno de los cinco hijos de profesión artística. Él fue pintor, su hermano Oliverio, escultor; Enrico y Homero, arquitectos, y Jorge, actor. A los diez años salió de México con sus padres camino hacia Europa, pero la depresión económica lo detuvo en San Antonio, Texas, donde permaneció cuatro años.

Volvió en 1932 y nunca más dejó el país. Centró su atención en aprender a pintar de manera autodidacta. Sobre lienzos, que él mismo preparaba y montaba en bastidores, experimentó primero con el realismo e hizo bodegones, paisajes y personajes populares; después, jugó con el surrealismo y así hasta encontrar su propio lenguaje: figuras humanas en tamaño desproporcionado sumergidas en entornos sombríos.

Jamás asistió a clases formales. Una sola vez entró a la Academia de San Carlos, pero no le gustó el sistema de enseñanza. Mucho menos realizó estudios en el extranjero. Su primer estudio fue un rincón de la sala en la casa familiar en la colonia Roma. Después se mudó a la colonia Anzures, vecino del pintor Federico Cantú, y finalmente se estableció en la calle Etna, donde todos los días pintaba hasta el último rayo de luz natural, hasta el día de su muerte, el 11 de enero de 2009.

Estas y muchas otras revelaciones se harán públicas este año con el festejo del centenario de su natalicio (28 de octubre) que sus hijos, a través de la Fundación Ricardo Martínez, celebrarán con un programa de actividades culturales. Se prepara un libro conmemorativo con textos que analizan su obra y persona, y una exposición retrospectiva en el Museo del Palacio de Bella Artes.

A ello se suma un documental biográfico que prepara Canal 22 y tres pequeñas exhibiciones promovidas a través de Fomento Cultural Banamex. Y en paralelo se trabaja el catálogo en línea con más de dos mil obras registradas para su consulta pública desde el sitio web de la Fundación, y, a largo plazo, se proyecta integrar el acervo digital al del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM.

Se trata, pues, de lanzar la casa por la ventana para hacerle justicia a quien en vida fue un hombre ajeno de la escena pública, discreto con el mercado del arte y reservado en los grupos sociales. Aunque todos los lunes, con puntualidad inglesa, acudía a una comida en casa de Vicente Rojo a donde también llegaba Juan Rulfo, Fernando Benítez, Carlos Monsiváis, Luis Cardoza y Aragón y Augusto Monterroso. Sus amigos.

Su hija Zarina Martínez lo recuerda como un hombre adusto: “Él decía que era un ermitaño sociable, porque le gustaba la soledad de su estudio, pero también tenía muchos amigos que se reunían a cenar con frecuencia y nunca faltaba a comer todos los lunes con Vicente Rojo”, señala.

“Esta es una ocasión para hacerle justicia porque siempre fue una persona muy discreta, reservada como artista. Además dar a conocer sus facetas desconocidas, tanto de su vida como de su obra, y lo haremos a través de obra inédita, desde un enfoque más personal. Existen ensayos de críticos literarios sobre su trabajo, pero ahora la intención es hacer algo más académico y más personal”, refiere Martínez.

Universo pictórico

Del universo de más de dos mil obras registradas en el catálogo de la Fundación, cerca de dos centenares integran la publicación Ricardo Martínez 100 años, bajo la edición de Antonio Tovalín en la Universidad de Veracruz. El libro tendrá prólogo de Alberto Ruy Sánchez, un texto personal a cargo de su hija Zarina y un análisis del entorno cultural en que vivió el artista, escrito por la historiadora Miriam Kaiser.

Textos que servirán de eje para comprender las pinturas y dibujos organizados en dos periodos: 1940 a 1979, y 1980 a 2009. “Empezó haciendo pintura mucho más realista luego estuvo coqueteando con el surrealismo, tiene unos cuadros completamente de corte surrealista, y poco a poco fue depurando sus figuras, sus temas, motivos, hasta llegar a fines de los años 50 e inicios de los 60 al estilo que será característico de su vida, estas figuras que ocupan casi todo el espacio de la tela”.

La publicación, planeada para agosto, será complementaría a la exposición retrospectiva que se organiza en colaboración con el Museo del Palacio de Bellas Artes. Serán entre 150 y 200 piezas –pinturas, dibujos, gouaches, correspondencia y fotografías– que develen la vida tan reservada de quien meses antes de morir recibió la Medalla de Oro del Instituto Nacional de Bellas Artes y la Medalla de la Ciudad de México.

“Lo interesante es ver la manera de presentar estas fases desconocidas en una exposición, y será presentando cosas que nadie ha visto y enseñando cómo ha sido su proceso creativo desde la primera idea hasta el cuadro terminado. La exposición tiene un doble propósito, por un lado mostrar un proceso creativo que nadie conoce y, por otro, mostrar las obras que nadie o poca gente conoce. Lo que más puede decir de una artista es su trabajo, entonces dejamos que hable su propio trabajo”, refirió de la exposición programada para noviembre próximo.

Tanto en el libro como en la exposición se hará énfasis en los rasgos prehispánicos presentes en la obra de Martínez. No son, aclara su hija, elementos explícitos, pues su interés por las culturas prehispánicas era desde un punto de vista estético y no antropológico. Por lo que se dedicó a absorber expresiones, formas, colores y texturas de piezas antiguas que él mismo coleccionó: “Este acervo bajo custodia de la Fundación tiene el registro del INAH y para él era como compañía, había un diálogo entre su producción y el contenido de las piezas, las veía como un estímulo visual y se nota en rasgos faciales de ciertos personajes. Era muy mexicano sin ser nacionalista”. Ello se verá en obras como Niño con perro (1941), La tarde (1951), Paisaje en rojo (1952), Tres fumadores (1956), Figuras yacentes (1995), entre otras.

Su propio marchante

La personalidad reservada de Martínez lo llevó incluso a abandonar a su única representante en el mercado, Inés Amor, de la Galería de Arte Mexicano. De la mano de Federico Cantú llegó en 1943 a la que fue la primera galería de la ciudad, y a pesar de que su obra circulaba bien entre coleccionistas, 20 años después decidió representarse a sí mismo, ser su propio marchante.

Lo hacía desde su estudio; con compradores muy selectos, pues siempre le preocupó el destino de sus pinturas. Lo que hace más difícil pasar por buena una obra falsa. Su hija explica que además de ser muy característico su trazo, él mismo armaba los bastidores con una manufactura casi artesanal y conocía de primera en persona a su comprador. “Era muy especial y no vendía a cualquiera”, dice.

Además de sus cercanos, hizo amistad con los escritores Rubén Bonifaz Nuño, Alí Chumacero, Joaquín Díez-Canedo, Jorge González Durán, José Luis Martínez y Juan José Arreola; y los pintores Juan Soriano, Carlos Mérida, Luis García Guerrero, Fernando Ramos Prida, Vicente Rojo, José Luis Cuevas y Guillermo Meza. Son pocos sus discípulos, pero en su taller dio clases a Lucinda Urrusti.

A casi diez años de su muerte, que se cumplen en enero de 2019, queda el pendiente del Centro Cultural Ricardo Martínez que el gobierno de Marcelo Ebrard prometió al artista y jamás concretó. Aunque había una maqueta y los primeros acuerdos para dar la obra en comodato, al término de la administración en turno, se suspendió el proyecto.

“Cuando Elena Cepeda se fue a Morelos dijo en un momento que podría realizarse allá, pero nosotros ya no quisimos trabajar con ellos porque nos pareció descortés el manejo del proyecto, al dejarlo sin amparo. Espero se pueda retomar con la nueva administración”.

“ÉL ME PIDIÓ EL CATÁLOGO”
“Él me pidió que hiciera el catálogo”, así responde Mark Ruben, quien fuera amigo y médico del pintor Ricardo Martínez, a la Fundación Ricardo Martínez sobre el rechazo al libro-catálogo que realiza desde 2006 para reunir la obra de quien murió en 2009.

Después de que los hijos del artista, a través de la Fundación, publicaran un boletín para avisar a coleccionistas que la investigación de Ruben no tiene validez ni reconocimiento de su institución, el médico aclaró que su intención no es comercial ni apropiarse de los derechos de autor, sino cumplir con una petición personal de su amigo.

“En 2006 apareció una obra falsa en una subasta, entonces Ricardo Martínez me dijo por qué no hace usted un catálogo, yo le dije que un catálogo razonado lo hace una fundación o un museo, y entonces yo le pedí que le preguntara a sus hijos y su respuesta fue un no. Tengo pruebas, tengo correos de su hija Zarina, donde ella dice que no quiere hacer el catálogo.

“Inicié el trabajo en octubre de 2006 y en ningún momento me he puesto como representante de Ricardo Martínez, ni de la Fundación, no he hecho ningún certificado de autenticidad de la obra de Martínez, porque sé que la Fundación es la única que tiene el derecho de dar esa autentificación, y yo lo tengo claro y no estoy peleando los derechos, ellos (los hijos) son los herederos”, comenta Ruben.

Aunque no tiene intención de publicar su catálogo con más de dos mil obras registradas, el médico sí defiende la validez de su trabajo. Indica que se ha dedicado por 12 años a visitar galeristas, coleccionistas y cualquier persona que tenga obra del pintor mexicano para incluirla en el archivo. Cuenta con un número de identificación de la obra e información complementaria de cada pieza.

Ante las quejas de la Fundación para centrar el aniversario del artista en su propia publicación, Ruben propone que podrían complementarse ambos catálogos, con el crédito correspondiente a su trabajo de investigación.

El final de la Edad Media supuso en los países bajos un periodo de gran agitación y convulsión en todos los aspectos de la sociedad siendo especialmente en el caso religioso un periodo protagonizado por la confrontación entre movimientos piadosos populares y las élites religiosas. Los Países Bajos fueron el refugio de numerosos herejes tales como cataros, albigense o valdenses los cuales sobrevivieron a las purgas que se llevaron a cabo contra estos movimientos religiosos y encontraron en los países bajos un lugar donde esconderse de los grandes poderes fácticos de la Iglesia.

Hacia la mitad del siglo XV el arte flamenco experimento una gran metamorfosis, presentado un gran misterio cuyos orígenes han intentado ser escudriñados en el arte borgoñón o en el francés del final de la Edad Media.

En cuanto a las características del arte flamenco estas son:

Se desarrolló fundamentalmente en Flandes y Países Bajos
Técnicamente derivo del arte gótico internacional
El perfeccionamiento de la pintura al oleo permitió a los artistas representar la realidad con gran detalle y transmitir una luminosidad hasta entonces nunca vista en las pinturas.
Fuerte simbolismo en el que se entrelazan temas religiosos y profanos.
El retrato tuvo gran importancia.
La obra el Altar del Cordero Místico de Jan y Hubert Van Eyck supone un punto clave a partir del cual se inicia el movimiento, por el gran detalle que muestran sus diversos paneles.

En la Península Ibérica, la escuela flamenca tuvo una gran influencia en en pintores como Fernando Gallego, Bartolomé Bermejo, Jaume Huguet y Lluís Dalmau.

Entre los artistas que desarrollaron su obra a lo largo de este período y que dieron tanta importancia al arte renacentista de este ámbito hemos de destacar a los autores cuyas vidas aparecen a continuación.

Jan Van Eyck

El hombre del turbante rojo, posible autorretrato de Jan Van Eyck Fuente:Wikpedia
El hombre del turbante rojo, posible autorretrato de Jan Van Eyck
Fuente:Wikpedia

Jan Van Eyck fue un excelente creador de imágenes que tuvo una gran influencia en el resto de pintores de la Edad Moderna. Su vida resulta harto compleja de estudiar puesto que no dejo relato biográfico alguno de ella, cartas o confesiones personales pero es gracias a los documentos que firmo desde su puesto de canciller o las firmas que plasmo en sus obras, las cuales no ayudan a esclarecer algo la vida de este genio de la pintura.

Nació en torno a 1365 en el caserío de Maaseyck, cerca de Maastricht. Su carrera en el mundo de la pintura comenzó como miniaturista, siendo esta la profesión que más desempeño a lo largo de su vida ya que la mayoría de cuadros de este pintor son en realidad pequeñas miniaturas que caben en la palma de la mano.

Ya por 1424 Van Eyck aparece en La Haya trabajado a las órdenes de Juan de Baviera, conde de Holanda, en las decoraciones del palacio de dicha ciudad. Con la muerte del conde se vio obligado a trasladarse a Flandes en 1425 entrando a formar parte de la corte de Felipe de Borgoña el cual le nombró como su pintor y valet de chambre. Por deseo del duque se traslada a vivir a Lille y este le asignó una pensión fija de 100 libras al año.

El duque de borgoña deja constancia en sus textos de cancillería en la alta estima en la que tenía al pintor al cual consideraba por sus numerosas habilidades y capacidades un home de pro.

Una de las labores que Jan desempeño a parte de su actividad pictórica fue la de dirigir la diplomacia y el servicio secreto del duque Felipe. Ejemplo de ello es como en 1426, un año después de entrar al servicio del duque Van Eyck fue enviado a Portugal a pedir la mano de la princesa Isabel de Portugal, a la cual retrato para que fuese vista en Flandes por Felipe III. Entre las virtudes que le hicieron formar parte del cuerpo diplomático la preponderante fue su habilidad poliglota, la cual adquirió en su lugar de nacimiento Maaseyck, que era una encrucijada de idiomas.

Roger van der Weyden o Roger de la Pasture

El segundo entre los padres de la pintura flamenca renacentista es Roger Van der Weyden, el cual nació en Tournay cerca del año 1400. De padre escultor, Roger comenzó su aprendizaje en su ciudad natal junto al maestro Robert Campin a partir del 5 de enero 1426.

Grabado en el cual aparecere representado Roger van der Weyden. Fuente:http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1f/Rogier_Lamp.jpg/640px-Rogier_Lamp.jpg
Grabado en el cual aparecere
representado
Roger van der Weyden.
Fuente:Wikipedia

A partir del año 1432 en joven Roger trabajo para la ciudad realizando las pinturas que decorarían el palacio municipal, por lo que recibía un sueldo más elevado que el resto de trabajadores que se hallaban implicados en la construcción de dicho palacio.

Su vida fue muy tranquila y sin grandes sobresaltos, residiendo a partir de 1430 en la ciudad de Bruselas donde alcanzo la titulatura de “portrater der stad van Brussels” y contrajo matrimonio con Elisabeth Goffaerts, con la cual tuvo tres hijos. Fue considerado ya en vida como uno de los pintores más grandes de su tiempo. Finalmente murió en 1464 siendo inhumado en la catedral de Santa Úrsula de Bruselas.

Gerard David

Nacido en 1460 en la ciudad de Oudewater se inscribió en el gremio de pintores de brujas en el año 1484, alcanzando rápidamente un puesto elevado, ya que en el año 1488 formaba ya parte del jurado de dicho gremio.

La vida de Gerard David fue estudiada por el británico James Weale, el cual realizo también trabajos sobre los hermanos Van Eyck, siendo esas obras consideras casi un siglo después como insuperables por lo profundo del estudio.

David alcanzo una situación muy cómoda en la ciudad, siendo el retratista de sus gentes

Autorretrato de Gerard David en la obra la Virgen entre las vírgenes. Fuente: Wikipedia
Autorretrato de Gerard David
en la obra la Virgen entre las vírgenes.
Fuente: Wikipedia

acomodadas. Deposo con Cornelia, la cual era hija del decano del gremio de pintores, Enoop. Ella era también artista, centrándose su obra en la realización de miniaturas, e introdujo a Gerard en la alta sociedad brujense. Ello queda constatado con la entrada de Gerard en la Cofradía del Árbol Seco, organización restringida a los potentados de la ciudad.

Durante un periodo en el cual brujas se vio incapacitada para el comercio por la colmatación del canal de Zuyd, David se desplazó a Amberes junto con otros artistas, pero tras solucionarse el problema volvió a su ciudad en la cual falleció en torno a 1523.

Bernard Van Orley

Bernard Van Orley nació en la ciudad de Bruselas, capital por aquel entonces de los países Bajos, en el año 1490. De padre y tío pintores, un documento del año 1602 afirma que el joven Bernard viajo a roma y que en la ciudad eterna aprendió del mismísimo Rafael, el maestro de Urbino.

Fue el pintor de la corte de la gobernadora Margarita desde el 23 de mayo de 1518 y se mantuvo en el cargo durante el gobierno de María de Hungría. Su sueldo era muy modesto y vivió toda su vida en una pequeña casa junto a la iglesia de san Gerión, lugar que se convirtió en un punto de reunión de los artistas, artesanos e intelectuales de la capital de los Países Bajos. Bernard contrajo matrimonio en dos ocasiones, de las cuales fueron fruto nueve hijos de los que tres llegaron a ser pintores.

Bernard Van Orley, retratado por Alberto Durero. Fuente: Wikipedia
Bernard Van Orley,
retratado por Alberto Durero.
Fuente: Wikipedia

Debido a su puesto como pintor de Cámara de la corte tuvo que organizar y recibir en su casa al pintor alemán renacentista Alberto Durero. El alemán dejo constancia en su diario de lo magnifico que fue el recibimiento, al cual acudieron grandes personalidades vinculadas con la corte. De ello derivo una gran amistad que se materializo en 1521 con el retrato que Durero le hizo a Bernard en el cual aparece según las descripciones que nos han llegado acerca de él.

Perseguido por la inquisición en 1527 se vio obligado a retractarse en público por haber recibido a un sacerdote reformado. Solo así pudo conservar su posición como pintor de cámara, encargándole María de Hungría una serie de retratos de la familia Habsburgo, los cuales realizo entre 1533 y 1535.

La vida de Bernard Van Orley llego a su fin en 1542, siendo enterrado en la iglesia de san Gerión, junto a la que había vivido toda su vida.

Jan Gossart o “Mabuse”

Jan Gossart o Gossaert nació en 1472 en Mauberge, he de ahí el sobrenombre de Maubeuse o Mabuse, con el cual el firmaba sus obras. De la profesión de su padre, encuadernador de libros pudo contagiársele el interés por las miniaturas que ilustraban los libros que su padre encuadernaba.

A comienzos del siglo XVI se encontraba residiendo en Amberes y bajo la protección de Felipe de Borgoña, bastardo del duque Felipe el Bueno. Es en el pintor veneciano Jacopo da Barbari en quien el joven Jan encontró a un auténtico maestro.

En 1508 tuvo lugar el viaje de Mabuse a Roma, acompañando en una misión diplomática a Felipe de Borgoña. Allí tuvo la oportunidad como afirmo Gerardo de Nimega de dibujar las ruinas y monumentos de la antigüedad para el príncipe borgoñón.

En 1515 acompaño a su protector a la ciudad de Copenhague con el motivo de organizar el casamiento entre Magdalena, hermana del emperador Carlos V, primo suyo, con el rey Cristian. Dos años después en 1517 su protector fue nombrado obispo de Utrecht, decorando el nuevo palacio que este se procuró y viviendo durante una etapa una vida de desenfreno que le procuro una mala reputación que lo llevo a acabar en prisión en Middelbourg.

Jan Gossart "Mabuse", Autorretrato. Fuente: Wikipedia
Jan Gossart “Mabuse”, Autorretrato.
Fuente: Wikipedia

Aunque la muerte le llego a su protector Felipe en 1524, el sucesor en el cargo de este, Adolfo de Borgoña, le mantuvo en el cargo, aunque Mabuse continuo con su vida de desorden y desenfreno, siendo en esta etapa cuando se dio la anécdota del “Vestido de Mabuse”, que hace referencia a las cosas que aparentan lo que en realidad no son. Contrajo matrimonio con una mujer de nombre Margarita y con ella tuvo dos hijos, Pieter y Gertrudis.

El hecho de que su vida no fuese del todo correcta no hace que su obra sea menos valorada ya que fue admirado por figuras como Alberto Durero o Lucas de Leiden y grandes monarcas elogiaron su obra. Falleció entre 1533 y 1535.

El Bosco

La firma de Hieronimus van Aeken
La firma de Hieronimus van Aeken

Hieronymus van Aeken o Hieronymus Bosch es uno de esos artistas en los cuales el misterio y un gran ingenio hallan cabida. Sobre su nacimiento se postula que tuvo lugar en Bois-Le-Duc, sitio cercano a Aquisgrán, en torno al año 1450. En 1516 una anotación en los registro de la cofradía de Nuestra Señora de esa ciudad nos informa del fallecimiento del pintor “Obitus fratrum Hieronimus Aquen alias Boschs insignis pictor”. Estuvo casado con Aleid van Merveme, pero se desconoce si el matrimonio tuvo hijos o no.En 1504 los archivos de Lille nos informan de la cantidad que recibió por su obra “El Juicio Final” adquirida por Felipe el Hermoso.

En cuanto a su pertenecía a la Cofradía de Nuestra Señora de Bois-Le-Duc, los cofrades se reunían una vez al año con la excusa de degustar un cisne, pero en realidad en esas reuniones los componentes se relataban sus experiencias místicas. Estos no eran ni más ni menos que los hermanos de la Vida Común, que en la ciudad del pintor para no levantar sopeschas se dieron el nombre de Jerosolimitanos. Todo ello encubría el embrión del protestantismo de los Países Bajos.

Retrato de El Bosco, Anonimo del siglo XVI. Fuente: Wikipedia
Retrato de El Bosco, Anonimo del siglo XVI.
Fuente: Wikipedia

Pieter Brueguel el Viejo

“Los pintores que pintan graciosas criaturas en la flor de la edad y que además les añaden un elemento de elegancia o encanto que solo existe en su fantasía, desfiguran la criatura que representan, son fieles a su modelo y se alejan en la misma medida de la verdadera belleza. Nuestro Brueghel está libre de ese defecto” Abraham Ortelius

Así definió el renombrado cartógrafo al que fuera uno de sus grandes amigos, Pieter Brueguel el Viejo, al cual se dio este nombre para distinguirlo de uno de sus hijos que también fue pintor. Aunque la fecha de su nacimiento no se conoce con seguridad, lo más probable es que este naciera entre 1525 y 1530 en Breda. Van Mander afirmó que era hijo de unos campesinos, de ahí su gusto por las escenas rurales y campestres representadas de forma realista.

El pintor y el critico, autorretrato de Brueghel
El pintor y el critico, autorretrato de Brueguel Fuente: Wikipedia

“Tú eres otro Jeronimo Bosch, repites los conceptos del maestro, con hábil pincel continuas su estilo y en ocasiones lo superas” Lampsonius

Bruguel fue el claro heredero del Bosco en cuanto a su estilo pictórico pero su temática no se sumerge en el profundo mundo onírico de Van Aeken.

Su primer aprendizaje lo realizo en Bois-Le-Duc, lugar donde vivió el Bosco.Desde 1545 hasta 1550 trabajo como aprendiz en el taller de Pieter Coek van Aelst, en Amberes, con cuya hija Mayken se desposo el pintor en Notre Dame de Bruselas en el año 1563. Un año después nacería su hijo Pieter. Su segundo hijo, Jan, nació cuatro años después en 1568.

En el año 1551 ingreso en el gremio de pintores de San Lucas de Amberes y seguidamente viajo a Italia, donde trabajó en Roma con el miniaturista Giulio Clovio. A su regreso de Italia se asoció con el grabador Jerónimo Cock el cual tenía una galería conocida como los Cuatro Vientos.

Pieter Brueguel murió con toda seguridad el 5 de septiembre de 1569, siendo enterrado en la iglesia de Notre Dame de la Chapelle de Bruselas.

Antonio Moro

El que fue el único discípulo de Van Scorel nació en Darshorst, Utrech en 1519, en el seno de una familia acomodada.

Autorretrato de Antonio Moro Fuente: Wikipedia
Autorretrato de Antonio Moro
Fuente: Wikipedia

Van Mander en su Libro de los pintores hace referencia a los problemas que tuvo para poder realizar una vida del dicho autor ya que los hijos de este no le ofrecieron ningún tipo de dato con el que pudiese trabajar. La vida de Moro es el relato de constantes viajes por Inglaterra, Francia, Portugal, Italia y sobretodo en España.

De su juventud sabemos que estuvo al servicio de Antonio Perrenot, Cardenal Granvela, el cual le procuro el acceso a la Corte imperial de Carlos V. Entro por tanto al servicio del emperador y del que por aquel entonces era Príncipe de Asturias en la década de 1550, siendo uno de sus primeros trabajos el viajar a Inglaterra para pintar a María Tudor, cuyo retrato muestra un realismo impecable.
El pintor falleció en Amberes a la edad de 57 años, en 1604, un año antes de que tuviese lugar la Furia española.

Andrea Tamayo
Esta palabra tiene una acepción muy conocida a través de revistas de chismes, actualidad, conocidas como «revistas del corazón.»

Vagabundos alemanes
Según el filólogo Friedrich Diez esta palabra viene de fahrender, la cual en su idioma natal significa «vagabundo». El Diccionario de Términos Literarios de María Ayuso le atribuye su llegada a la lengua española en el siglo xvi, cuando en algunas ciudades como Sevilla, Valencia y Toledo, surgieron los «corrales» de comedia –un tipo de teatro público.

Farándula era el nombre con el cual se referían a uno de los ocho grupos, antecedentes de las compañías teatrales que hoy conocemos.

Estos grupos se diferenciaban por el número de cómicos, obras de su repertorio, condiciones de vida y tipos de prólogos que se aclamaban en el teatro clásico español.

s27 de donde farandula 1

La farándula estaba compuesta por tres mujeres y más de siete hombres, quienes llevaban en su repertorio entre ocho y diez comedias, y constantemente se trasladaban para interpretarlas de un pueblo a otro.

Recitantes del latín
El Diccionario de la Lengua Castellana de Sebastián de Covarrubias define farándula como «hombres y mujeres recitantes de comedias que sólo utilizan su memoria y acomodan sus acciones conforme hablan», atribuyéndole la raíz latina fari, que significa «hablar», de la cual también surgen palabras como «prefacio» y «afable».

Danzantes europeos
El filólogo español Joan Corominas rechaza la teoría de que «farándula» provenga del término germánico fahrender, y dice que falta un vocablo intermedio en provenzal—dialecto del occitano, lengua romance de Europa—que aún no se encuentra.

Sin embargo, agrega que del provenzal deriva farandoulo, que significa «danza rítmica realizada por varias personas agarradas de la mano», misma de la que proviene farandola, danza popular en catalán.

Es difícil determinar cuál es origen más antiguo, lo más probable es que las tres raíces se combinaron entre los pobladores españoles, franceses y germánicos en un momento determinado y se unificaron en un concepto; farándula es un grupo de personas que se dedican al teatro entre un pueblo y otro.

Prueba una sopa en lengua provenzal

Con el paso del tiempo se le empezó a llamar así a todo lo relacionado con el mundo y el ambiente teatral. Y a pesar de que originalmente la farándula era un grupo de recitantes de buen vestir que realizaban presentaciones en pueblos respetados, actualmente la palabra se usa con un tono despectivo.

Por ejemplo, el Diccionario de Mexicanismos lo define como «Actividad de los actores, bailarines o cantantes de cabaret o teatro de revista», y pone como ejemplo: «Regresa hasta la madrugada después de haber andado con los de la farándula y con prostitutas».

Actualmente es común llamarle farándula a los temas relacionados con actores, chismes y escándalos relacionados con «los famosos», que ahora no necesariamente son actores de teatro pero que son reconocidos en los medios, se vuelven famosos por ello, y por eso su vida privada puede resultar interesante para algunos.

José Ignacio Nuño Morales

Probablemente la definición más común de belleza sea la que indica que «es lo que proporciona gozo a los sentidos». Sin embargo, esta declaración, en apariencia tan nítida y neutral, puede de inmediato someterse a toda clase de cuestionamientos.

¿Qué es lo bello? Platón asociaba la belleza con la bondad, la luz y el resplandor de la verdad; Aristóteles, con la grandeza, el orden, la simetría y la delimitación; San Agustín, con la unidad en la muchedumbre y la variedad; los neoplatónicos, con la inteligencia y el bien. En los tratados clásicos de estética, por su parte, se habla de tres elementos esenciales de toda obra bella: integridad, orden y resplandor.

Además, en numerosos ensayos se pondera que la belleza depende de la síntesis de la forma y el contenido —o la función, en términos de diseño arquitectónico o industrial—. Finalmente, todos conocemos la tesis del «arte por el arte», en la que se desdeña la importancia del contenido o de los aspectos utilitarios respecto del resultado formal.

Pero, al margen de las consideraciones metafísicas y de la evidente diversidad en las finalidades y medios de expresión de las distintas manifestaciones del arte, conjeturar sobre la belleza nos conduce a conclusiones relativistas o descripciones metaforizadas, en las que el ingrediente subjetivo o la dificultad de definirla no pueden soslayarse.

Así, Goethe decía que «nuestro entendimiento de una obra de arte, lo mismo que el de una obra de la naturaleza, es siempre inconmensurable. La contemplamos, la sentimos; es eficaz, pero elude el conocimiento exacto y su esencia; su calidad no puede expresarse en palabras».

Por su parte, Marcel Proust señaló que «desde el momento en que las obras de arte son juzgadas mediante el razonamiento, nada es estable o seguro y se puede demostrar cualquier cosa que se quiera». En un notable ensayo1 «Un argumento sobre la belleza», Letras Libres 50, México, febrero 2003., Susan Sontag afirma que, para Paul Valéry, la naturaleza de la belleza no puede ser definida; la belleza es, precisamente, lo «inefable». Esa incapacidad de objetivar el fenómeno ha dado lugar a un lenguaje equívoco que habla de objetos «interesantes», «atractivos», «sugerentes» u «originales», y que utiliza muchos términos para describir las características de una determinada obra de arte —armonía, unidad, equilibrio, coherencia, riqueza expresiva, emoción, vigor, impacto, plasticidad, movimiento, ritmo, colorido, complejidad, sencillez, pureza, delicadeza, profundidad, alegría, espiritualidad, signficación, etcétera—, que, aunque pueden ser útiles y certeros, también son eufemismos tramposos que contribuyen a la confusión o a reforzar la postura de quienes piensan que hablar de belleza es un anacronismo, una simplificación propia de personas poco cultivadas.

La belleza y la moda
La moda indudablemente influye en los procesos de producción y apreciación de lo que conocemos como «arte», pero es incuestionable que esa influencia tiene un sustento y un propósito mercantil tan banal como poderoso para una sociedad consumista. A propósito de la tiranía de la moda, acudo a una reflexión del escritor español Antonio Muñoz Molina: «Creemos sinceramente estar disfrutando de algo y de lo único que estamos disfrutando de verdad es de la abyecta complacencia en lo que otros han decidido que debe gustarnos [...] Tal vez no haya más aprendizaje verdadero que el de la libertad del propiogusto, [...] esa modesta rebelión contra la voz secreta de lo obligatorio que nos convierte en ventrílocuos inconscientes de los designios de otros»2 Antonio Muñoz Molina, «Todo el arte es lo mismo», en Travesías, México: DGE / Equilibrista / UNAM, 2007.. Esta reflexión nos conduce, de nuevo, al reconocimiento de que la subjetividad está presente en todo juicio sobre el arte y la belleza.

Me gusta también, a manera de conclusión, esta frase de Susan Sontag: «La atribución de belleza nunca dejó de entremezclarse con valores morales. Lejos de ser polos opuestos lo estético y lo ético —como insistieron Kierkegaard y Tolstoi—, lo estético es en sí mismo un proyecto casi moral».

La fealdad
Ahora bien, hay que preguntarse si la dificultad de ponerse de acuerdo en materia de belleza está presente también en lo relativo a la fealdad. En principio, la respuesta es sí; aunque, a mi juicio, existe una definición más o menos clara: es feo todo aquello que está notoria y arbitrariamente impuesto o descontextualizado en términos históricos, sociales, ambientales, formales, técnicos o económicos; es decir, todo lo que aspira a ser lo que no puede ser, pero que nunca puede confundirse con lo bello.

Existe una brillante definición de lo cursi, que nos dice que es «lo exquisito frustrado» —no sé a quién se le debe, pero me parece inmejorable—, y que perfectamente puede aplicarse a lo ridículo o grotesco, que son, según creo, las categorías más elevadas de la fealdad, y que en la arquitectura de nuestro país —para circunscribirnos al llamado «arte social por excelencia»— son las más visibles y de las que es imposible sustraerse en la experiencia cotidiana. Esta fealdad abarca desde los pastiches historicistas —remedos de colonial mexicano, mansardas, balaustradas, frontones neoclásicos, columnas jónicas, pirámides prehispánicas, etcétera—, hasta las pretensiones de una expresión de modernidad que intenta reproducir la estética de las naves espaciales o las tipologías arquitectónicas más vanguardistas del star system, y que a las pocas semanas acusan los defectos de una deficiente tecnología.

Existen muchos ejemplos de realizaciones que pretendieron rebasar sus posibilidades reales, de obras que «quisieron, pero no pudieron»: monumentos burdos y desproporcionados en honor a la Madre, el Niño o toda clase de gestas y prohombres de la historia; gratuitos, chabacanos y escenográficos formalismos de arquitectos ávidos por llamar la atención para que se les reconozca; galerones forrados de toda clase de ornamentos para «meter la pala»3 Engañar con disimulo, timar, «dar el gatazo».; en fin, arquitectura chatarra de todo género y estilo que no reconoce su escala, su entorno, los materiales y procedimientos constructivos a su alcance ni las condiciones climáticas del sitio.

Con frecuencia se afirma que tal o cual ciudad de nuestro país es bellísima, pero lo cierto es que nuestras urbes han crecido y siguen creciendo mal, sin orden ni concierto, más allá de los límites que imponen los especuladores inmobiliarios y los políticos, que no obedecen a un criterio de enriquecimiento ambiental, sino mercantil, y a una sensibilidad arquitectónica deplorable.

La falta de calidad formal no es algo que deba asociarse con la pobreza únicamente, pues algunas de las peores aberraciones pueden encontrarse en las colonias más «pomadosas» de cualquier población. En la ciudad de México hay desarrollos que debieron ejemplificar lo que puede lograrse con una planeación urbana adecuada, pero que resultaron fallidos. Hay algunos edificios arquitectónicamente valiosos, que son parte de un conjunto desarticulado e inhóspito, en especial para el peatón.

Conclusión
Es una aspiración legítima, casi una necesidad, vivir en un entorno armónico y agradable. Para lograrlo, es imperativo que desarrollemos una mayor cultura arquitectónica que nos permita apreciar mejor nuestro patrimonio, tanto como impedir que la arquitectura chatarra se multiplique.❧

EFE
El proximo jueves, los monarcas Felipe y Letizia encabezarán la presentación del Diccionario Biográfico Español Digital.

MADRID.

Más de 45 mil biografías en 60 mil páginas en internet, dos mil 500 años de historia, cinco mil 500 expertos. Éstas son sólo algunas de las cifras que colocan al nuevo Diccionario Biográfico al frente del top, asegura la directora de la Real Academia de la Historia de España, Carmen Iglesias, quien añade: “nos comemos a Wikipedia”.

Los reyes españoles Felipe y Letizia presidirán el próximo jueves la presentación del Diccionario Biográfico Español Digital, que será de acceso libre y gratuito desde ese día y en el que se podrá encontrar más de 45 mil biografías, eso sí, “solamente de muertos”.

Ése es uno de los requisitos para formar parte del diccionario, explica en entrevista Carmen Iglesias, que siempre se ha mostrado en contra de que se mezclaran las biografías de personajes vivos y fallecidos.

Pero el diccionario no sólo es una suma de biografías, sino “un entramado que es la historia de hombres y mujeres que son los que han hecho la historia común hispana, tan importante como la lengua común”, recalca Iglesias.

¿Quiere saber sobre hispanos muertos en los océanos, mujeres pioneras en la enseñanza del lenguaje de sordomudos o poetas andaluces del siglo X? Con este diccionario biográfico encontrará esto y mucho más, aseguran sus responsables.

Un diccionario que cuenta con una “gran plataforma tecnológica” puesta en marcha por Telefónica y La Caixa, indica la directora de la RAH, que recalca el nivel de este proyecto, que a nivel internacional es sólo comparable “y no mejor” que el Diccionario de Oxford, con la ventaja frente a éste de que todos sus contenidos en internet son gratis.

Además, a partir del jueves próximo se volcarán en internet “millones de páginas” en español. Cada entrada incluye la bibliografía utilizada por el autor, además de enlaces a todas las personas que son nombradas en ella.

El acceso a las miles de biografías que incluye el diccionario es sencillo, asegura la directora, y cada una de ellas tiene una veintena de criterios de búsqueda diferentes.

Iglesias asegura que han tenido mucho cuidado para evitar polémicas como la que se suscitó en 2011, en el Diccionario Biográfico en papel, la entrada sobre Francisco Franco, firmada por el historiador Luis Suárez, que daba una visión amable del franquismo y evitaba definirlo como dictadura, una biografía que fue revisada posteriormente.

Ahora, en este diccionario digital, han tenido “especial cuidado” a la hora de definir el franquismo y han revisado todas las biografías que respondían a “criterios anteriores”, señala. Y la biografía de Franco está firmada por el historiador Juan Pablo Fusi.

Junto al eje cronológico, que va desde el siglo VII antes de Cristo al siglo XX, el diccionario cuenta con un eje geográfico, ya que incluye no sólo España sino todo lo que fue el territorio de la monarquía hispánica a lo largo de esos siglos, y en las que participaron todas las academias de la Historia iberoamericanas.

Y desde ahora, en este diccionario pueden encontrarse biografías no sólo de grandes personajes, sino de representantes de todas las profesiones y desempeños de tareas de ciudadanos que han aportado en estos dos mil 500 años “algo a su medio”.

Así, están biografiados por primera vez miles de ciudadanos medios que hicieron “algo”, por lo cual el porcentaje de personajes hasta ahora anónimos es muy alto, explica la directora.

Para ello, más de 500 instituciones, académicos correspondientes cronistas en España y Latinoamérica, “hispanistas” de todo el mundo, han aportado biografías de personajes, con el requisito de que estén basados en documentos “comprobables” por la Academia de la Historia y de que haya fuentes.

Los autores de las biografías de este diccionario son generalmente historiadores, pero también hay otros profesionales aficionados a la historiografía que se han convertido en expertos de campos muy específicos como, por ejemplo, un especialista en médicos ácratas.

Y otro en historia del circo a través del cual se han podido recuperar la biografía de un faquir que hubo de Cuenca, famoso porque intentó hipnotizar a un toro de lidia.

Respecto a la presencia femenina en este diccionario, Carmen Iglesias explica que han realizado un “esfuerzo inmenso” por recuperar las biografías de mujeres.

Este diccionario es por definición “inacabado e inacabable” pues a él se incorporarán continuamente las biografías de personajes que se vayan descubriendo o de personajes que fallezcan: “la intención es ir sumando”, explica la directora.

Por eso, sólo se puede saber cuál es, en términos temporales, la primera biografía de este trabajo: la de Argantonio, un caudillo de pueblos preibéricos del siglo VII antes de Cristo. Imposible saber cuál será la última.